ECRITS SUR L'ART

« C'est vif, c'est preste, c'est le ger ! » Jules-Antoine Castagnary est l'un des rares critiques d'art a e tre sorti enthousiaste de ce que l'Histoire retiendra comme « la premie re exposition impressionniste » qui, du 15 avril au 15 mai 1874, fit un ve ritable scandale. Une manifestation devenue mythique et qui fut organise e dans l'atelier de Nadar au 35 boulevard des Capucines dans le 9e arrondissement de Paris, a l'initiative d'artistes souhaitant exposer leurs oeuvres en toute liberte et refusant de les soumettre au filtre d'un jury.L'exposition proposera cent soixante-cinq oeuvres de trente artistes, dont beaucoup de peintres acade miques aujourd'hui tombe s dans l'oubli. Ceux d'entre eux que la poste rite retiendra (les « Impressionnistes ») y sont minoritaires. Ils ont pour noms Ce zanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir et Sisley.Ce livre te moigne de cette premie re manifestation impressionniste. Il est conc u en trois parties :- une pre sentation qui raconte la gene se, le de roule et les suites de l'exposition de 1874, - une bre ve biographie de chacun des trente artistes qui y ont participe , avec les commentaires suscite s dans la presse par leurs tableaux, accompagne s d'un choix de reproductions en couleurs,- le fac-simile du catalogue de l'exposition de 1874 dans son inte gralite .

Félix Fénéon (1861-1944) fut sans doute l'un des critiques littéraires et artistiques parmi les plus respectés de son époque. Il faut dire qu'il ne s'est guère trompé. Il sut détecter les talents et en parler avec une justesse qui surprend encore aujourd'hui : de Rimbaud à Mallarmé, Apollinaire et Jarry, de Pissarro à Seurat, Vallotton et Bonnard, entre de nombreux autres qui, pour la plupart, devinrent ses amis.Rédacteur en chef de La Revue Blanche, journaliste au Figaro, à La Vogue, au Père Peinard, etc., Félix Fénéon est l'auteur de centaines d'articles dont il refusa qu'ils soient rassemblés dans un ouvrage de son vivant. « Je n'aspire qu'au silence », répondait-il à ceux qui le lui demandaient.Les Éditions espaces&signes en ont sélectionnés quelques-uns consacrés aux peintres impressionnistes, parmi les plus significatifs : Il faut lire ses articles sur Degas, Manet, Renoir, Pissarro ou Cézanne, écrits dans un style unique, au vocabulaire fleuri, où l'analyse des oeuvres n'exclut pas un humour à froid inimitable.

Si être engagé a un sens, Octave Mirbeau (1848-1917) en est l'illustration la plus parfaite. Libertaire et pacifiste, dreyfusard et anticlérical, journaliste lucide et pamphlétaire redouté, romancier et auteur dramatique aux sujets provocants, il fut craint en son temps, menant ses luttes dans de très nombreux journaux et en faisant la trame de ses romans et de ses pièces de théâtre. Mirbeau était tout aussi combatif dans le domaine de l'art. Collectionneur avisé, il est l'auteur de plus d'une centaine d'articles sur les peintres et les sculpteurs de son époque. Ami de Claude Monet et d'Auguste Rodin, il a défendu avec fougue et passion l'avant-garde picturale, et plus particulièrement les oeuvres des artistes impressionnistes, alors moqués et vilipendés. La sélection d'articles présentée dans ce volume témoigne du combat mené par Octave Mirbeau en faveur d'« une révolution du regard ».

Félix Fénéon (1861-1944), anarchiste, journaliste, directeur de revues, grand collectionneur, fut un acteur essentiel du monde artistique du début du 20e siècle et a été l'un des premiers à révéler la richesse des arts extra-occidentaux. Il publie en 1920, dans le Bulletin de la Vie Artistique, une grande enquête sur les « arts lointains » qui, sous le titre « Seront-ils admis au Louvre ? », rassemble vingt témoignages de spécialistes de l'époque. Cette enquête, dont le vocabulaire très daté choque aujourd'hui, est considérée comme l'une des premières initiatives ayant conduit à la création du musée du quai Branly-Jacques Chirac donnant un véritable statut aux arts premiers.

C'est dans ces notes, brèves et incisives, tirées des Carnets rédigés par Antoni Gaudí (1852 - 1926) alors qu'il n'avait pas trente ans, que se trouvent les principes essentiels qui ont nourri son oeuvre et sa vie.Elles révèlent la parfaite connaissance et la totale maîtrise qu'avait l'architecte catalan des techniques dans tous les domaines (architecture, sculpture, céramique, verrerie, ferronnerie, etc.) et son apport essentiel à l'art moderne. On y découvre aussi la philosophie de cet homme ascétique et religieux, hanté par la mort, qui puise son inspiration dans la nature et pour qui la beauté doit habiter, comme une transcendance, les moindres aspects de notre quotidien.

Sa peinture provocante, aux thèmes souvent déroutants, au plus près de la représentation du quotidien, étonne par ses cadrages modernes, ses tonalités sombres et imprévisibles, comme par ses formes indéfinies d'où se dégage une atmosphère puissante qui saisit et intrigue. Scènes de music-hall et de théâtre vues depuis les coulisses ou à travers les regards des spectateurs, nus aux poses dérangeantes, drames familiaux dans des intérieurs miséreux : les oeuvres de Walter Sickert (1860-1942) firent scandale à l'époque. Elles continuent, aujourd'hui, de surprendre.Walter Sickert, artiste anglais encore méconnu en France, fut pourtant déterminant et inspirant pour de nombreux artistes du 20e siècle, notamment Francis Bacon et Lucian Freud.

Dès les premières heures qui suivent l'incendie dramatique de Notre-Dame de Paris, le 15 avril 2019, la question de sa restauration est déjà posée. Faut-il reconstruire à l'identique ce qui a disparu (charpente, toiture, flèche) ou « profiter » de ce malheureux accident pour effectuer certains aménagements plus modernes, quitte à modifier quelque peu la physionomie de l'édifice, voire faire intervenir en certains endroits du bâtiment des créateurs contemporains ?Cette interrogation avait été exprimée à peu près dans les mêmes termes un peu moins de deux siècles auparavant lorsque, devant les altérations dues au temps, les dégradations, mutilations et autres reconstructions plus ou moins heureuses qui menaçaient la cathédrale, le gouvernement d'alors décida de lancer un concours pour sa restauration. C'est le projet présenté par les deux architectes Eugène Viollet-le-Duc et Jean-Baptiste Antoine Lassus qui fut finalement choisi en 1844.Dans un rapport adressé au ministre en charge du dossier, les deux architectes exposent leur conception de la restauration des bâtiments anciens : ne pas se contenter de colmater les usures et les brèches, mais s'efforcer de retrouver les formes disparues afin de redonner à l'édifice son rayonnement passé, sans transformer en quoi que ce soit son architecture. Ils expliquent ensuite les travaux à entreprendre à Notre-Dame, leur importance et leurs difficultés, avec qui et avec quels moyens. Ce document, particulièrement intéressant, nous fait pénétrer dans les coulisses de l'un des édifices les plus visités de Paris - en dévoilant au passage quelques secrets. Il fournit surtout au lecteur d'aujourd'hui des éléments pour mieux comprendre et juger les projets de restauration de Notre-Dame à venir.

Qui sont ces deux Vénitiennes et que font-elles sur cette terrasse ? On sait que ce panneau, peint par Vittore Carpaccio au 15e siècle, exposé au musée Correr de Venise, a été considéré comme « le plus beau tableau du monde ». On sait aussi que cette peinture n'est, en fait, que l'un des morceaux d'une composition beaucoup plus grande, dont on a retrouvé au 20e siècle l'une des autres parties... en Californie ! Mais ce tableau reste malgré tout un grand mystère. L'auteur imagine ce que pouvait être cette oeuvre dans son ensemble. Il en propose un « décodage » qui conduit à une interprétation séduisante et troublante, donnant à la femme un rôle inattendu dans notre monde, et trouve à celle-ci des échos dans deux tableaux plus récents - de Gustave Caillebotte et d'Edward Hopper

Témoignage irremplaçable, cette première biographie de Léonard de Vinci a pour auteur l'un de ses contemporains, lui-même peintre,Giorgio Vasari. Dans ce texte court mais très dense, celui-ci nous parle de l'artiste mais aussi de l'homme que fut Léonard. Les anecdotes sur sa vie se mêlent aux descriptions de ses oeuvres et à l'analyse de sa technique, notamment de son fameux sfumato.Si l'on retrouve dans ces pages le génie que tout le monde connaît, on y découvre un Léonard généreux, souvent facétieux, curieux de tout et perpétuellement impatient.Giorgio Vasari (1511-1574), peintre et architecte, est surtout connu comme auteur des Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, d'où est tiré ce portrait de Léonard de Vinci. Cet ouvrage, qui raconte l'histoire et décrit les oeuvres majeures de plus de cent vingt artistes de la Renaissance italienne, fut publié pour la première fois à Florence en 1550.Giorgio Vasari est considéré comme le premier historien de l'art.

Découvrez Trois primitifs de Joris-Karl Huysmans, un texte majeur où l'auteur, critique d'art visionnaire, explore la peinture religieuse des maîtres anciens.

Cet ouvrage s'origine dans une phrase par laquelle Rembrandt dissuadait les visiteurs de son atelier de s'approcher de ses tableaux: «L'odeur de la peinture pourrait te faire du mal». On peut formuler l'hypothèse que Rembrandt parlait ainsi d'une conception «toxique» de sa peinture, alors inacceptable pour une partie de ses contemporains. Le Boeuf écorché est exemplaire d'une manière nouvelle, faite d'une pâte épaisse, triturée par de larges mouvements de brosse. Le tableau fait alors surgir le questionnement du rapport faussé entre la peinture et la beauté, de l'inadéquation entre l'art et le goût, et il s'agit de s'interroger sur la force unique d'une oeuvre capable de provoquer, chez qui la contemple, un vacillement de la raison.

Elie Faure [1873-1937] médecin, historien, essayiste, est surtout connu pour sa monumentale Histoire de l'art en sept tomes (1909-1927). Mais il était aussi attentif au devenir prochain de notre civilisation qu'il voyait entrer sous l'emprise définitive de la machine, destin qu'il ne déplorait pas, bien au contraire, il y saisissait l'aurore d'un nouveau cycle civilisationnel - fin de l'individualisme et entrée dans un modèle plus collectif dont la machine fournira le modèle et les moyens - et dont le cinéma pourrait en devenir l'art emblématique de par sa proximité native avec la machine et de par le caractère essentiellement massif de sa diffusion. Il fut l'auteur du premier grand article théorique sur le septième art en 1920: «De la cinéplastique». Ses écrits sur le cinéma, bien connus des cinéphiles et abondamment cités dans la littérature spécialisée, sont disséminés dans l'ensemble de ses textes. Ils furent partiellement réunis, seize ans après sa mort, en 1953, sous le titre Fonction du cinéma, aux éditions Plon, puis réédités (revus et augmentés) par les éditions Gonthiers, «Bibliothèque Médiations», sous le même titre en 1964. Depuis l'épuisement de cette dernière édition, les écrits sur le cinéma d'Élie Faure n'étaient plus disponibles, sauf pour De la cinéplastique, paru aux éditions Séguier en 1993.

On croit aujourd'hui pouvoir regarder comme « architecture » un édifice célébrant l'habileté à bâtir, ou enjolivant l'utilité - ce qui ne mérite pas d'être cru. Car l'architecture est toute grecque. Seuls le temple dorique et sa postérité, parce qu'ils prennent en garde le suprême spéculatif, sont dignes de réflexions. Les sept études, ici réunies, prétendent montrer et étudier la condition du legs architectural grec dans l'époque moderne. Elles s'attachent à quelques réalisations, projets et traités choisis d'après leurs vertus exemplaires : ceux de Palladio, J. Perret, F. Blondel, Fischer von Erlach, Napoli ; ceux du P. André, de Boullée et de Praz. Selon cet ensemble, réfléchir sur l'architecture paraît dévoiler l'essence du poème ou de l'oeuvre d'art.

Depuis toujours, la philosophie a volontiers cultivé son affinité native avec les arts plastiques mais elle s'est en revanche employée à négliger voire mépriser la musique. Un tel bâillon parle et trahit la fascination apeurée que l'art musical, comme un chant de sirènes, produit chez le philosophe. C'est que, loin d'être, comme tout art du reste, un divertissement agréable, la musique déploie un autre sens du sens et de la vérité que ceux définis philosophiquement. L'auteur propose de se mettre à l'écoute de ce sens. La respiration porte le rythme qui anime la musique. Par l'analyse de la différenciation rythmique, on pourra comprendre comment le silence, cet indifférencié absolu, est lieu de provenance de toute musique. Les références aux compositeurs, essentiellement J.-S. Bach, Schumann, O. Greif et H. Dutilleux conduisent par-delà la diversité des siècles et des styles, à ce même creuset d'absolu dont éclot toute musique.