Le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844) occupe une place remarquable dans l'histoire de la réception de l'art antique. On peut dire qu'il fut à la sculpture ce que David fut à la peinture, le meilleur des défenseurs du néo-classicisme dans la lignée de Winckelmann. C'est à Rome, où il vécut près de quarante ans, qu'il réalisa la plupart de ses oeuvres, en y recueillant l'hommage d'Antonio Canova. Devenu son grand rival, il s'en distingue par une application plus rigoureuse des canons de beauté propres à la statuaire antique. En témoigne son célèbre Jason et la toison d'or, qui le révèle au public en 1803 et le propulse au premier rang de la scène italienne et internationale. L'ouvrage qu'Eugène Plon lui consacrera en 1867 est le plus complet. Jamais réédité depuis une seconde édition en 1874, il l'est, à l'occasion du 250e anniversaire de la naissance de Thorvaldsen, dans une version présentée et annotée par Eryck de Rubercy. S'y ajoutent les textes sur Thorvaldsen des historiens d'art Henri Delaborde (1811-1899) et Sauveur Jacquemont (1837-1898) qu'accompagne la traduction inédite de textes d'auteurs allemands aussi essentiels que Friederike Brun, August Wilhelm Schlegel (lettre à Goethe), Wilhelm Waiblinger, Friedrich Hebbel et August Kestner.

A-t-il existé une statuaire carolingienne ? Les chefs-d'oeuvre de la sculpture romane auvergnate datent-ils bien du XIIe siècle ? La sculpture saxonne du XIIIe siècle dérive-t-elle vraiment de modèles français ? Quand a-t-on construit le porche de Moissac, le tympan de Conques, la façade de la cathédrale de Reims ? Ces questions et beaucoup d'autres reçoivent trop souvent, dans les études spécialisées et à plus forte raison dans les manuels, des réponses péremptoires qui dissimulent les difficultés, les raisonnements approximatifs et le refus des remises en cause. Examinant l'une après l'autre les méthodes dont nous disposons pour dater les oeuvres, de l'analyse de laboratoire au jugement stylistique en passant par l'interprétation des documents écrits, Jean Wirth évalue les apports et les limites de chacune d'elles. Il montre à partir d'exemples concrets quelles dérives les menacent et comment en faire le meilleur usage. Parfaitement conscient des faiblesses de l'histoire de l'art, mais amoureux de sa discipline, il en propose une critique radicale et constructive. Dater une oeuvre quelques décennies voire quelques années plus tôt ou plus tard n'est pas un petit jeu stérile, mais peut en modifier entièrement la signification artistique et le message. Si la statue-reliquaire de sainte Foy à Conques était réellement une oeuvre carolingienne, cela signifierait que le refus par Charlemagne du culte des images était irréaliste. Situés au milieu du XIIe siècle, les chapiteaux du maître auvergnat de Mozat sont des excentricités incompréhensibles. En les replaçant dans le contexte du XIe siècle, on s'aperçoit qu'ils constituent une étape majeure du développement de la sculpture romane et qu'ils ont été imités jusqu'à Compostelle. Enfin, comme le montre Jean Wirth, la datation précise des oeuvres est indispensable pour dégager l'individualité et l'influence des grands artistes médiévaux, au lieu de les dissoudre dans des écoles et des ateliers aux contours indistincts. Auteur de nombreux travaux sur l'image médiévale, Jean Wirth est archiviste-paléographe et professeur d'histoire de l'art à l'Université de Genève.

Que se passe-t-il lorsque nous percevons une sculpture ? Cet ouvrage s'attache à montrer comment notre appréciation d'une oeuvre de sculpture se construit. Cette opération est à la fois une réponse multisensorielle à l'exploration visuelle des surfaces de l'oeuvre, et la mise en mouvement de mécanismes psychologiques permettant de saisir celle-ci comme structure pleinement déployée dans l'espace. Gérard Le Don a traduit et édité le livre de L. R. Rogers Comprendre la sculpture paru aux Presses universitaires de Rennes en 2015.

Qu'est-ce que la sculpture contemporaine ? Répondre à cette question, c'est dresser une histoire de l'art du volume qui s'étend de l'assemblage à l'installation, de l'art de l'objet au Land Art. Les sept décennies de 1945 à aujourd'hui ont vu - avec Brancusi, Giacometti, Carl Andre, Louise Bourgeois, Robert Smithson, Tinguely, Richard Serra - le champ élargi de la sculpture se redéfinir comme l'art public par excellence qui anime l'espace et métamorphose le site où il prend place. La prise en compte de l'oeuvre dans sa matérialité et dans son environnement conduit surtout à faire de la sculpture le lieu des interrogations métaphysiques et existentielles, la manifestation de l'énergie de l'homme contemporain dans sa multiplicité inventive. Paul-Louis Rinuy a dirigé la Revue de l'art, et écrit et organisé des expositions sur de nombreux sculpteurs des XXe et XXIe siècles, Brancusi, Giacometti, Zadkine, Étienne-Martin, Dodeigne, Jean-Pierre Raynaud, Penone ou Alain Kirili. Commissaire d'exposition, critique d'art et universitaire, il a notamment publié : avec Thierry Dufrêne, De la sculpture au XXe siècle, Presses Universitaires de Grenoble, 2001; Dodeigne, Adam Biro, 2002; Épreuves du mystère, Ereme, 2008; Patrimoine sacré (XXe-XXIe siècles). Les lieux de culte en France depuis 1905, Éditions du Patrimoine, 2014; Le Corps de la sulpture, Beaux-Arts éditions, 2016.

Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history. Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality. This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

Tout à la fois influencé par les maîtres de l'Antiquité, le génie de Michel-Ange et la sculpture baroque, Auguste Rodin est l'un des artistes les plus reconnus de l'histoire. Bien qu'il soit considéré comme l'un des fondateurs de la sculpture moderne, Rodin n'a jamais critiqué la tradition classique. Nombre de ses sculptures furent critiquées et controversées en raison de leur sensualité ou de leur réalité crue. Ses oeuvres les plus originales se détachaient des traditionnels thèmes mythologiques ou allégoriques pour étreindre le corps humain, célébrer l'individualisme et la matérialité. Ce livre dévoile la vie et la carrière de cet artiste en explorant ses oeuvres majeures telles que La Porte de l'Enfer, Le Penseur et le fameux Baiser.

Bien que la sculpture soit née avant la peinture, elle a longtemps été considérée comme un simple complément de l'architecture, le plus ancien des trois arts majeurs. Utilisant les mêmes matériaux (bois, pierre, et marbre), elle semblait n'être faite que pour servir d'ornementation à cette dernière. Elle a pu cependant imposer peu à peu sa valeur propre et son autonomie.Cette indépendance est venue avec le besoin de représenter le corps humain. L'homme admirait d'abord l'univers dans son entier. Mais il se tourna ensuite vers la contemplation de son propre corps, qu'il perçut comme le seul capable, parmi toutes les formes de la nature, de correspondre pleinement à son esprit et ses aspirations. Il s'agissait toutefois d'un corps d'une beauté supéririeure, régi par des lois de proportion et de symétrie, un corps idéal, réinventé en fait par le travail des sculpteurs ! C'est ainsi que naquirent une longue tradition et évolution de la sculpture. Cet ouvrage propose au lecteur 23 000 ans de sculpture et plus de 120 exemples parmi les plus belles sculptures du monde : de l'art préhistorique à Henry Moore, sans oublier la statuaire égyptienne, Michel-Ange ou Niki de Saint-Phalle.

Today still considered a "Bad Boy", Pascin was a brilliant artist who lived and worked in the shadow of contemporaries such as Picasso, Modigliani, and several others. A specialist of the feminine form, his canvasses are as tormented as his party lifestyle. The artist, considered scandalous for the erotic character of his works, exhibited in numerous Salons, notably in Berlin, Paris, and New York.

Auguste Rodin (1840-1917) intensiviertseine zeichnerische Tätigkeit als etwa 10-Jähriger und besucht ab 1854 in der Zeichen- und Mathematikschule La Petite ÉcoleKurse von Henri Lecoq de Boisbaudran (1802-1897) und des MalersJean-Hilaire Belloc (1786-1866). Dort entdeckt er für sich die Bildhauerei. Er verlässt 1857diese Schule und versucht, an der berühmten École nationale supérieure des beaux-artsaufgenommen zu werden, scheitert aber dreimal.Ab 1864 beginnt eineachtjährige Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Albert-Ernest Cartier-Belleuse (1824-1887), der sich eine 1873 Kooperation mit dem belgischen Bildhauer Antoine-Joseph van Rasbourgh (1831-1902) anschließt. Zu seinen ersten großen Werken zählen u. a. Der Mann mit der gebrochenen Nase(1864), die später vom franzsischen Staat angekauftelebensgroße Figur Das eherne Zeitalter (1875/1876), der auch für das zukünftige Museum der dekorativen Künsteein nie fertiggestelltes Portalbestellte. Diesen Arbeiten folgten im Lauf der Jahreu. a. Der Kuss (1886),die Bürger von Calais(1889) und Der Schreitende (1877-1880 und 1900). Seine Hauptarbeit ist wohl Das Hllentor (1880-1817), an dem er 37 Jahre lang und bis kurz vor seinem Tod arbeitete und aus dem seine bekannteste andere Figur, Der Denker, stammt, dessen Kopie über dem Grab der ebenfalls 1917 gestorbenen, spät geheirateten Rose Beuret steht.

Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history. Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality. This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

Cette étude analyse l'attitude critique de Daumier à l'égard de l'Allemagne et la façon dont elle s'exprime dans ses caricatures. Parallèlement, Werner Hofmann montre comment, en Allemagne, l'artiste a été perçu en tant que défenseur des opprimés et grand peintre révolutionnaire.

Christian Lattier, figure majeure de la sculpture africaine contemporaine, lauréat des Beaux-Arts de Paris et du Festival mondial des Arts nègres de Dakar en 1966, a été révélé dans toute sa personnalité et son talent par un livre vif et passionnant de Yacouba Konaté, enseignant universitaire de philosophie à Abidjan. Il ne manquait à ce portrait de l'artiste plasticien que la description de son enfance singulière au coeur d'une famille française, avec laquelle il a partagé peines et joies de 1935 à 1948. Voici un ouvrage pour comprendre la période fondatrice de la carrière internationale de ce grand artiste ivoirien.

L'oeuvre d'Émile Guillaume célèbre les personnalités de son temps, la Troisième république, et l'auteur nous invite à rencontrer ces derniers... Sculpteur célèbre et reconnu, titulaire de nombreuses récompenses, souvent encensé par la critique, parfois éreinté par ses adversaires, Émile GUILLAUME participa avec passion à la vie artistique, intellectuelle et politique de la Troisième république. Au travers de son oeuvre, il célébra ses artistes, ses poètes, ses grandes figures politiques et ses grands évènements. Il en partagea aussi les heures de gloire, les joies, les épreuves, les illusions et les désillusions jusqu'au naufrage final de 1940. C'est donc à une promenade dans le passé à laquelle vous convie l'auteur, à la rencontre d'évènements ou de personnages souvent oubliés, mais oh combien étonnants ! Au fil des pages, le lecteur verra toute une époque ressusciter. Il partira à la rencontre de Mlle Guilly d'HERMEMONT, créatrice de la Canne blanche, de François MERCIER, l'industriel philanthrope, ou du surprenant marquis de Chaumont-Quitry, héros de deux guerres. Il revivra la fin tragique du poète Catulle MENDES ou des marins du Pluviôse, la vie mouvementée de la statue de la Délivrance, le combat d'Emile GUILLAUME en faveur de la réconciliation européenne. Cet essai biographique est une véritable balade dans le passé durant laquelle le lecteur suivra les traces d'Emile Guillaume et marchera aux côtés des personnalités d'antan...

Quelle place pour l'artisan et l'artiste dans la société grecque ancienne ? Ce livre revient sur un débat ancien et complexe à travers le cas des sculpteurs : leur carrière, de l'apprentissage à la pleine possession de leur art, le processus de création, de la commande à la livraison, et l'image que les sociétés antiques ont véhiculée d'eux. Si l'archéologie et l'anthropologie ont renouvelé les données depuis les années 1970, elles ont focalisé l'attention sur les sources matérielles et les activités de production. Archéologue et historienne d'art formée à la philologie classique, l'auteur s'appuie sur le riche corpus des sources écrites : textes littéraires, souvent contradictoires, et inscriptions - comptes de chantiers, signatures, décrets honorifiques - qui donnent un éclairage différent, celui des réalités économiques et sociales, et nuancent la vision partiale du travail des artisans qu'offrent les philosophes. Le prétendu mépris des Grecs pour les artisans et les artistes n'est qu'un fantasme de moraliste : de fait, les artistes jouissaient d'une considération importante, qui se traduisait dans la valeur marchande de leurs oeuvres. Le livre propose ainsi une vision dynamique et moderne de l'artiste antique, loin du « primitivisme » qui a longtemps prévalu. Il revient sur le problème de la « construction » historique de la figure de l'artiste et montre que l'étude de l'image et de l'imaginaire de l'artisan constitue, au même titre que la documentation archéologique, un objet d'histoire.

René de Saint-Marceaux appartient à cette deuxième moitié du XIXe siècle qui voit la sculpture se libérer du carcan néo-classique. Saint-Marceaux fonde son oeuvre sur le mouvement, l'idéal, l'intime et il la pense en architecte. Artiste polymorphe, René de Saint-Marceaux nous a laissé quantités de créations enfouies sous les strates de l'histoire et dans les caves des musées. Leur redécouverte enrichit notre perception de l'art éclectique et multiple de cette époque précédant les bouleversements de la première guerre mondiale.

Apparue discrètement sur les chapiteaux et les clefs de voûte des monastères cisterciens et des cathédrales de Béziers ou de Toulouse, la sculpture gothique accompagne aux xiie siècle la diffusion de « l'art français » en terres méridionales. Le chantier de la cathédrale Saint-Nazaire de Carcassonne allie pour la première fois tombeaux et statuaire, dans des formules neuves qui révèlent l'émergence de la sculpture languedocienne et la formation d'un atelier permanent. La grande période de la sculpture gothique méridionale se situe dans la première moitié du xive siècle, grâce aux commandes d'évêques liés à la papauté d'Avignon. Occupés par la construction de leurs palais et de leurs chapelles funéraires, ils attirent à Toulouse, Saint-Bertrand-de-Comminges et Narbonne, des sculpteurs talentueux, dominés par la forte personnalité d'un imagier venu du Bordelais, le « Maître de Rieux », et par son oeuvre insigne, le cycle des statues de la chapelle Notre-Dame de Rieux.

...sans rien finir trop tôt, nous faisons travailler en permanence notre inconscient qui sait que rien n'est terminé, que l'on a laissé partout des problèmes non résolus en ne finissant pas alors que des solutions se présentaient en foule ; mais un inconscient lucide, capable de terminer à notre place... ...Ces concepts figurent ensemble ou séparément, à des degrés divers, dans toutes mes sculptures, et je les ai présents à l'esprit. Mais ils ne se montrent pas. Ils sont intégrés au processus de création, étroitement entremêlés comme dans un « art de la fugue » plastique. Le concept, c'est la tonalité. Son incarnation formelle -tel mouvement, tels rapports de formes- c'est le thème. Le gradient, c'est le souffle, la volonté d'expression, le désir. Ses développements harmoniques et mélodiques constituant le tissu structurel de la composition.

Explorez l’univers flamboyant de Martin Mc Nulty à travers le regard acéré de Joy Sorman. Ce smartbook mêle art contemporain, explosion de couleurs et réflexion sur la création, pour une expérience immersive unique.

Versetzen Siesich in die exquisite, sinnliche Skulptur von Camille Claudel mit ihrem tiefgründigen Blick auf ihr bemerkenswertes Werk. Zusammen mit vielen ihrer Gemälde und Zeichnungen wird ihre Skulptur mit einem Fokus untersucht, der jedes komplizierte Detail ihrer unglaublichen Darstellungen von Bewegung und menschlicher Emotion offenbart. Bereits in jungen Jahren fasziniert, hat die franzsische Bildhauerin, Malerin und Zeichnerin Camille Claudel (1864-1943) die Hürden weiblicher Künstler überwunden und sich einen Platz in der Kunstgeschichte geschaffen. Nach einer Lehre bei Alfred Boucher trat Camille in das Atelier von Auguste Rodin ein, mit dem sie eine turbulente zehnjährige Liebesbeziehung hatte, die ihre Kunst oft in den Schatten zu stellen droht. Die beiden Künstler hatten eine starke gegenseitige Beeinflussung, und jedes ihrer Merkmale erschien in der Arbeit des anderen. Nachdem Claudel die Beziehung abgebrochen hatte, umauf der Suche nach Selbstverwirklichung ihren eigenen Weg zu gehen, schuf sie ein atemberaubendes, unglaublich modernes Werk. Obwohl viele davon von ihren eigenen Händen zerstrt wurden, sind die, die uns geblieiben sind, ein starkes Zeugnis ihres künstlerischen Genies.

Camille Claudel) le 8 décembre 1864, et morte le 19 octobre 1943, est une sculptrice et artiste peintre française. Collaboratrice, maitresse et muse du sculpteur Auguste Rodin, soeur du poète, écrivain, diplomate et académicien Paul Claudel, sa carrière est très courte s'interrompt par un internement psychiatrique et une mort quasi-anonyme. Un film (Camille Claudel, 1988) la fait sortir de l'oubli pour le grand public. Son art de la sculpture à la fois réaliste et expressionniste s'apparente à l'Art Nouveau par son utilisation savante des courbes et des méandres. Parmi ses oeuvres figurent :Les Causeuses,L'Implorante, réduction en bronze. Jeune Femme aux yeux clos, terre cuite. La Jeune Fille à la gerbe, terre cuite,. LàNiobé blessée, bronze. Paul Claudel à trente-sept ans, bronze. La petite Châtelaine, marbre Profonde pensée, bronze Profonde pensée, La Vague, marbre-onyx et bronze. Et la sublime : La Valse, bronze.

Le récit en photos de l'installation d'une sculpture monumentale en plein coeur de Paris. Phares est une oeuvre monumentale de métal et de lumière imaginée par Milène Guermont. Ce « phare de phares », installé pendant 6 mois (automne 2015-hiver 2016) sur la place de la Concorde auprès du plus ancien monument de Paris, interagit avec le public et dialogue avec l'obélisque de Louxor, la tour Montparnasse... et la tour Eiffel. Cette oeuvre de 29 m de haut est recouverte d'une vague de phares de voitures. Elle a nécessité l'intervention de 300 hommes, 5 km de métal, 7 kg de formulaires... La dorure de cette très fine résille pyramidale en aluminium s'intensifie jusqu'à se fondre dans la couleur du pyramidion originellement en électrum (alliage d'or et d'argent qui donna le mot électricité) de l'Obélisque pour souligner sa symbolique comme passage de la terre au ciel. Phares joue avec la lumière de jour (reflets du soleil sur la résille) comme de nuit (lampadaires, lune, éclairages des véhicules se confondant avec ses propres phares). Découvrez l'incroyable aventure de cette sculpture qui mêle patrimoine et innovations. À PROPOS DE L'AUTEUR Milène Guermont née en 1981, a une double formation d'ingénieure et d'artiste. L'innovation et le toucher sont au coeur de ses oeuvres, qu'elles pèsent quelques grammes ou plusieurs tonnes.

1917–2017 : revivez l’exposition historique qui a célébré le génie de Rodin, père de la sculpture moderne. Ce smartbook vous plonge au cœur des chefs-d’œuvre et des innovations radicales qui ont bouleversé l’art pour toujours.

Si l'âme est chrétienne, la beauté est grecque. Freud définit l'esthétisme comme une construction intellectuelle de paramètres personnels qui s'exprime en émotions sublimées. Avec la sculpture grecque, l'homme devient dieu, et les dieux font don de leur apparence à l'humanité. Défiant les lois de la gravité, les sculpteurs grecs découvrent les fragiles équilibres des formes, des espaces, et façonnent depuis plus de 2000 ans notre subconscient aux canons de l'éternelle beauté. Edmund von Mach, historien de l'art, revient sur cette épopée qui conduit la main de l'homme à transformer le marbre en oeuvre d'art, et l'Art en besoin substantiel de la pérennité des civilisations. Cet ouvrage étudie la sculpture grecque entre le VIIe et le Ier siècle avant J.-C., en s'appuyant sur une riche iconographie, mise en scène sur un texte érudit mais accessible à tous.

Décryptez l'art de Donatello en moins d'une heure ! Sculpteur de génie considéré comme l'un des piliers de la Première Renaissance italienne, Donatello n'a cessé de perfectionner son art tout au long de sa vie. Revenant à l'Antiquité, il y puise sujets et techniques afin de nourrir son talent et tente par là de révolutionner la statuaire de l'époque. Alors que les statues de son temps souffrent d'un certain immobilisme, Donatello parvient à donner vie à la matière et dote ses personnages d'une expressivité unique. Ce livre vous permettra d'en savoir plus sur :    o Le contexte politique et culturel dans lequel Donatello s'inscrit    o La vie de l'artiste et son parcours    o Les caractéristiques et spécificités de son art    o Une sélection d'oeuvres-clés de Donatello    o Son impact dans l'histoire de l'art Le mot de l'éditeur : « Dans ce numéro de la série 50MINUTES | Artistes, Eliane Reynold de Seresin dresse le portrait de l'un des plus grands sculpteurs de la Renaissance : le Florentin Donato di Niccolò di Betto Bardi, plus connu sous le nom de Donatello. Après une présentation de son parcours, on se penche sur les caractéristiques majeures (et révolutionnaires !) de son art, images à l'appui. Dans ce numéro, l'auteure a choisi de se focaliser sur trois oeuvres particulièrement emblématiques : la prédelle illustrant le soubassement de son Saint Georges, le célèbre David et la bouleversante Madeleine pénitente. Nous avons par ailleurs tenu à souligner l'influence que Donatello a exercé sur d'éminents sculpteurs ultérieurs tels que Michel-Ange ou Auguste Rodin. » Stéphanie Felten À PROPOS DE LA SÉRIE 50MINUTES | Artistes La série « Artistes » de la collection 50MINUTES aborde plus de cinquante artistes qui ont profondément marqué l'histoire de l'art, du Moyen Âge à nos jours. Chaque livre a été conçu à la fois pour les passionnés d'art et pour les amateurs curieux d'en savoir davantage en peu de temps. Nos auteurs analysent avec précision les oeuvres des plus grands artistes tout en laissant place à toutes les interprétations.

Décryptez l'art de Giotto en moins d'une heure ! Célébré par Dante comme une figure incontournable de l'art du trecento, Giotto est en quelque sorte le prophète de la Renaissance italienne. Rompant avec la tradition byzantine et son art conventionnel, il confère à ses personnages des traits plus humains et les fait évoluer dans des paysages et des architectures complexes novatrices pour l'époque. Son impact sur ses contemporains est immense et n'a d'égal que le prestige dont il est entouré dès son vivant. Ce livre vous permettra d'en savoir plus sur : - Le contexte culturel dans lequel Giotto s'inscrit - La vie du peintre et son parcours - Les caractéristiques et spécificités de son art - Une sélection d'oeuvres-clés de Giotto - L'impact de l'artiste dans l'histoire de l'art Le mot de l'éditeur : « Dans ce numéro de la série "50MINUTES | Artistes", Céline Muller nous propose une véritable porte d'entrée dans l'art de la Renaissance italienne. Après un tour d'horizon des spécificités de la peinture de Giotto, l'auteure analyse quelques réalisations emblématiques de l'artiste, comme La Vierge d'Ognissanti ou le Triptyque Stefaneschi. On y retrouve déjà, en filigrane, les principaux ingrédients qui feront le succès de la peinture de la Renaissance : le réalisme, l'humanisation des personnages ou encore des décors plus élaborés. » Stéphanie Felten À PROPOS DE LA SÉRIE 50MINUTES | Artistes La série « Artistes » de la collection « 50MINUTES » aborde plus de cinquante artistes qui ont profondément marqué l'histoire de l'art, du Moyen Âge à nos jours. Chaque livre a été conçu à la fois pour les passionnés d'art et pour les amateurs curieux d'en savoir davantage en peu de temps. Nos auteurs analysent avec précision les oeuvres des plus grands artistes tout en laissant place à toutes les interprétations.

Une icône dans le mouvement Art Nouveau, Émile Gallé (1846-1904) a cherché à montrer la beauté et la simplicité de la nature dans ses oeuvres en verre. Ses créations, appelées « Poésie de verre », vont de la poterie, aux bijoux et au mobilier. Tout ce que Gallé a produit contient une trace de sa grande technicité qui reflète son innovation artistique et ses compétences créatives. Cet ouvrage révèle la beauté et l'ingéniosité dont Émile Gallé a su faire preuve dans son oeuvre.

Auguste Rodin, A csók, A gondolkodó, a Balzac alkotója, er?teljes szexuális energiát sugárzó, sokszor viszontagságos sorsú munkáiról híres. Ezek mellett néhány grafikája is helyet kapott ebben a kiadványban, a légiesen knnyed akvarellek és ceruzarajzok érdekesen ellenpontozzák a bronzba és márványba formált gondolatokat.

Auguste Rodin (1840-1917) intensiviertseine zeichnerische Tätigkeit als etwa 10-Jähriger und besucht ab 1854 in der Zeichen- und Mathematikschule La Petite ÉcoleKurse von Henri Lecoq de Boisbaudran (1802-1897) und des MalersJean-Hilaire Belloc (1786-1866). Dort entdeckt er für sich die Bildhauerei. Er verlässt 1857diese Schule und versucht, an der berühmten École nationale supérieure des beaux-artsaufgenommen zu werden, scheitert aber dreimal.Ab 1864 beginnt eineachtjährige Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Albert-Ernest Cartier-Belleuse (1824-1887), der sich eine 1873 Kooperation mit dem belgischen Bildhauer Antoine-Joseph van Rasbourgh (1831-1902) anschließt. Zu seinen ersten großen Werken zählen u. a. Der Mann mit der gebrochenen Nase(1864), die später vom franzsischen Staat angekauftelebensgroße Figur Das eherne Zeitalter (1875/1876), der auch für das zukünftige Museum der dekorativen Künsteein nie fertiggestelltes Portalbestellte. Diesen Arbeiten folgten im Lauf der Jahreu. a. Der Kuss (1886),die Bürger von Calais (1889) und Der Schreitende (1877-1880 und 1900). Seine Hauptarbeit ist wohl Das Hllentor(1880-1817), an dem er 37 Jahre lang und bis kurz vor seinem Tod arbeitete und aus dem seine bekannteste andere Figur, Der Denker, stammt, dessen Kopie über dem Grab der ebenfalls 1917 gestorbenen, spät geheirateten Rose Beuret steht.

Camille Claudel (8 décembre 1864-19 octobre 1943), soeur de l'écrivain Paul Claudel, fut l'élève de Rodin avec qui elle eut une relation passionnelle et tumultueuse. Cet amour impossible la mena à la paranoïa et l'enfermement psychiatrique en 1913. Camille Claudel fut l'une des plus grandes sculpteuses de son temps, toujours en rivalité avec Rodin. De sa vie fut réalisé un film qui remit l'artiste dans la lumière de la postérité.

Tout à la fois influencé par les maîtres de l'Antiquité, le génie de Michel-Ange et la sculpture baroque, Auguste Rodin est l'un des artistes les plus reconnus de l'histoire. Bien qu'il soit considéré comme l'un des fondateurs de la sculpture moderne, Rodin n'a jamais critiqué la tradition classique. Nombre de ses sculptures furent critiquées et controversées en raison de leur sensualité ou de leur réalité crue. Ses oeuvres les plus originales se détachaient des traditionnels thèmes mythologiques ou allégoriques pour étreindre le corps humain, célébrer l'individualisme et la matérialité. Ce livre dévoile la vie et la carrière de cet artiste en explorant ses oeuvres majeures telles que La Porte de l'Enfer, Le Penseur et le fameux Baiser.

Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history. Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality. This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

À la faveur d’une tournée de lectures en RDA en compagnie de sa femme Ute, peu avant la chute du Mur, Günter Grass découvre dans le chœur de la cathédrale de Naumbourg l’un des chefs-d’œuvre de la statuaire gothique allemande : les sculptures des douze fondateurs. Parmi eux, la fascinante margravine Uta, exemple de beauté féminine médiévale déjà célébrée par André Malraux et Umberto Eco, émeut d’emblée le visiteur par sa gracieuse sérénité et son intemporalité. Il rêve de les convier à sa table « sur le papier », elle et les siens – ou à défaut leurs modèles. Une habitude chez lui : dans Une rencontre en Westphalie, le gratin des lettres baroques débattait autour de quelques victuailles des manières de faire la paix. Ce récit, véritable bijou de littérature, est un régal. Initialement conçu comme un chapitre de Pelures d’oignon et exhumé il y a peu, il est accompagné de lithographies qui reflètent, dix ans après sa mort, la double virtuosité littéraire et artistique du grand auteur allemand. Finesse et érudition, verve et gravité, c’est à ce savant mélange que tient le charme irrésistible de ce texte. Né en 1927 à Dantzig, Günter Grass étudie la peinture et la sculpture avant de se tourner vers la littérature. En 1959, Le Tambour, traduit dans le monde entier, lui assure une fulgurante renommée. Suivront une vingtaine de romans, récits et essais. Günter Grass a reçu le prix Nobel de littérature en 1999. Il est décédé en 2015. Traduit de l’allemand par Olivier Mannoni