Naima

Au Cambodge, environ deux millions de personnes - soit près du quart de la population - ont péri entre 1975 et 1979, à la suite de déportations, de meurtres de masse et de famines. Face au génocide perpétré par les Khmers rouges, l'art est un défi que les artistes doivent surmonter. Rithy Panh, Vann Nath, Séra, Svay Sareth ou encore, dans la seconde génération, Davy Chou, Vandy Rattana, Guillaume Suon, Jenny Teng n'ont eu de cesse de faire oeuvre de mémoire pour s'élever contre le déni et l'effacement des morts sans sépulture. Cinquante ans après le début des massacres dans son pays, Soko Phay revisite les relations entre le témoignage et la fiction et montre comment les oeuvres mémorielles donnent à penser les séquelles profondes au sein de la société cambodgienne. Par ses ressources symboliques, la création permet de dévoiler ce qui a été dérobé au regard, tout en assurant le travail de transmission des événements non-inscrits dans l'histoire officielle. Cet essai sur la représentation de l'extrême s'accompagne d'un récit personnel dans lequel l'autrice revient sur les traces de l'exil, depuis la ville de Samrong, d'où sa famille a fui les Khmers rouges, jusqu'au camp de réfugiés à la frontière thaïlandaise. Soko Phay est professeure en histoire et théorie de l'art à l'Université Paris 8. Elle a consacré de nombreuses publications à l'art devant l'extrême, dans ses relations avec la mémoire et l'histoire. Elle a notamment dirigé ou co-dirigé : Cambodge, l'atelier de la mémoire (2010), Cambodge, cartographie de la mémoire (2017), Les Génocides oubliés ? (2020), Le Paysage après coup (2022) et Rwanda, l'atelier de la mémoire. Des archives à la création (2022).

À travers Éléments, Stuart A. Rice et Ilya Prigogine, prix Nobel de chimie, captent l’essence même des choses, libérées de toute utilité.

J'eus d'abord entre les mains, en septembre ou octobre 1991, son dernier livre en date, le bien nommé « Quoi ? Quoi ! ». Entrée en matière pour le moins radicale et compliquée, dans l'univers anagrammatique de tonton. Je ne comprenais rien à ces courts textes, presque exclusivement constitués d'interjections interrogatives, exclamatives... en suspension, dans un minimalisme sémantique désarmant d'abstraction. Parmi les pages de ce petit livre, que je compulsais studieusement avec toute la perplexité d'une poule devant un couteau, Jean avait glissé un dessin de son fameux TROU VERGE, en rouge et en vert, qui éclaira, brièvement mais puissamment, les ténèbres où j'étais plongé. Dans cet essai, Alexandre Gérard relate sa découverte et son interprétation - plus ou moins aisée au départ - de l'oeuvre de son grand-oncle, l'artiste Jean Dupuy. Alexandre Gérard est un artiste qui vit et travaille à Marseille, où il est né en 1975. Son travail aborde les thèmes de l'incompréhension, du doute et de la stupeur, sous la forme de vidéos, photographies, textes, enregistrements sonores, dessins, ou encore de livres (aux éditions P, Marseille, Semiose éditions, Paris, et Moinsun, Marseille). Il a également participé à de nombreux projets autour de l'artiste Jean Dupuy (1925-2021), et a notamment dirigé l'édition scientifique de la première monographie complète sur son oeuvre, « À la bonne heure ! », 2008 (Semiose éditions - Villa Arson - Villa Tamaris).

« Le cinéma sans le film » explore la trace du cinéma dans des oeuvres d'art contemporain qui ne sont pas des films. Dans une telle optique, le cinéma se libère du spectacle et rompt avec les configurations techniques attendues. Des opérations qui impliquent le son, le décor, le texte ou la lumière en véhiculent l'imaginaire sans jamais donner lieu à un défilement d'images. Comme l'a suggéré Jean-Louis Schefer, le cinéma est « un art du passage dans nos vies », imprimant dans notre mémoire un continuum d'images dispersées. Les souvenirs des films se recomposent là en un montage discontinu surgissant par bribes. Mais ce qu'il provoque en termes d'affects, de situations, de réminiscences constitue une matière ouvrant la voie à l'invention de dispositifs où il peut y avoir du cinéma en un certain sens, mais aucun film. Le cinéma devient alors un mode de pensée, une lecture du monde se déployant dans des espaces qui lui sont en principe étrangers. Patrick Nardin est professeur des universités émérite à l'université Paris 8 et artiste plasticien. Il a récemment publié FXMVT, une histoire de Faux Mouvement (Les Presses du réel, 2022) et co-dirigé avec Soko Phay Le paysage après coup (Naima, 2022). Ouvrage publié avec le soutien de l'Université Paris 8 (Laboratoire AIAC - Arts des images et art contemporain-équipe EPHA).

Premier ouvrage dédié à Cornelia Bentley Sage Quinton (1876-1936), cet essai retrace la carrière visionnaire de la première femme directrice d'un important musée d'art aux États-Unis. Cornelia Sage marqua, à partir de son accession à la tête de l'Albright Art Gallery de Buffalo en 1910, l'histoire institutionnelle américaine, mais également l'histoire de la photographie en organisant notamment l'Exposition internationale de photographie pictorialiste avec Alfred Stieglitz et le groupe de la Photo-Sécession. Précurseure, par son approche originale et ses choix audacieux, elle ouvrit la voie aux femmes désireuses d'accéder à des postes clefs dans les musées américains.

À la fois catalogue d'une exposition et actes d'un colloque qui se sont tenus tous deux à Marseille en 2018-2019, ce livre fait le point sur les travaux d'un groupe d'artistes, de scientifiques, de philosophes et d'historiens réunis autour de l'étude des formes du vivant.

Éric Seydoux (1946-2013), imprimeur et éditeur en sérigraphie, a marqué l'édition d'art par son exigence technique et son engagement auprès des artistes. Formé aux États-Unis puis à Paris, il cofonde en 1974 L'Atelier, lieu de création où se croisent plusieurs générations d'artistes, de la bande dessinée aux avant-gardes contemporaines. Son savoir-faire lui vaut de collaborer avec Pierre Buraglio, Shirley Jaffe, Claude Viallat et bien d'autres. Promu Maître d'art en 2008, il explore sans cesse les possibilités de la sérigraphie, mêlant innovation et tradition. Plus d'une décennie après sa disparition, cette première monographie d'envergure lui rend hommage. Textes de / texts by Cécile Pocheau-Lesteven, Pierre Wat, Éric Seydoux. Témoignages de / testimonials by Frédéric de Broutelles, Pascal Guichard, Jacques de Loustal, Paul Cox, Dominique De Beir.

ZINZAC, c'est 240 pages de roman, poésie, essais, philosophie, pensées et autres expériences, qui vous embarqueront dans une aventure où les règles de la langue ne font plus autorité. Dans la revue ZINZAC se côtoient des auteurs de diverses contrées, et de diverses époques. À la manière d'un puzzle, nous proposons un voyage à travers des âmes vieilles et des âmes jeunes, qui n'en finissent plus de mourir et de renaître. Avec des textes et entretiens inédits d'Alain Damasio, Yannick Haenel, Violaine Bérot, Josselin Guillois, Anatoly Orlovsky, Antoine Vidal, Céline Ménager, Christophe Le Gac, Rozenn Le Roux, Félix Macherez, Brice Templereau, Fabien Vallos, Marlène Tissot, Alexandre Castant Mais aussi Valère Novarina, Lucrèce, Gilles Deleuze, Hlderlin, Dimitri Bortikov et bien d'autres

L'histoire de deux enfermements parallèles, racontés en quarante-trois tableaux par vingt-et-une femmes et vingt-deux hommes, toutes et tous artistes plasticiens, accompagnés d'une IA naissante, super-héroïne anti-COVID. Une chronique, sous forme de fiction que les Anglais pourraient qualifier de Faerie Romantasy, illustrée par (dans l'ordre d'apparition) : Olivier Blanckart ; Pierre Desfons ; ORLAN ; Daniel Spoerri ; Marie Denis ; Emmanuelle Bousquet ; Nathalie Talec ; Igor Ustinov ; Simon Chaput ; Beatriz Canfield ; Miguel Chevalier ; Marie Piselli ; Faz ; Amanda Arrou-tea ; Bertrand Gadenne ; Bertrand Lavier ; Jacqueline Dauriac ; Kimiko Yoshida ; Jacques Bosser ; Ghada Amer ; Yann Toma ; Gilles Barbier ; Terence Gower ; Michèle Sylvander ; Anne-Marie Pécheur ; Jean Daviot ; Daphné Lalonde ; Françoise Vergier ; Pablo Reinoso ; Philippe Cazal ; Gérard Fromanger ; Marie Hugo ; Anne-Catherine Becker-Echivard ; Jacques Villeglé ; Erika Harrsch ; Jeanne Susplugas ; Stéphane Zagdanski ; Antoine Perpère ; Rozeline Delacour ; Jean-Baptiste Audat ; Jean-Pierre Formica ; Zumloh ; Gloria Friedmann. Et si le confinement était une fiction collective ? Les plus curieux retrouveront facilement traces de la véritable Susana Distancia, son histoire et ses milliers de suiveurs sur différents sites web, comme sur @susanadistancia.

Une secrétaire, petite main du travail des autres - en l'occurrence de sympathiques ingénieurs - raconte son quotidien au travail, les pensées qui la traversent entre deux mails, son entrée dans l'âge mûr. Cela pourrait être lourd, car elle est au bord du "bore-out" (souffrance au travail causée par l'ennui) mais c'est à la fois drôle, politique et artistique. Car la narratrice, plutôt que de se laisser mourir d'ennui prend le parti, entre ses micro-tâches, de bricoler quelque chose à soi. Elle consigne, minute par minute, les menus faits et gestes de son travail. La mise en liste donne à la répétition, à l'enchevêtrement des actes, des pensées, des discussions quelque chose de décalé qui fait entendre tout le bruissement du monde et réouvre l'imaginaire. On dirait du Sophie Calle si Sophie Calle avait eu un travail de petite main salariée. Et puis la machine s'emballe ; la secrétaire finit par utiliser en cachette les logiciels d'architecture pour documenter ses propres déplacements dans l'open-space, et de réappropriation en réappropriation, elle prend, telle une mouette, son envol. Claire Paulian Depuis une vingtaine d'années, Laurence Denimal mène une double activité de plasticienne et d'autrice, avec des textes qu'elle qualifie de "documents poétiques".

Très abstraite et contre-intuitive, la physique quantique bouleverse nos imaginaires. En expliquant notre monde, elle nous en dévoile un envers teinté de mystère. Sensation Quantique propose un dialogue entre la physique quantique et l'art pour donner à ressentir la singularité du regard que cette théorie, la mieux vérifiée à ce jour, nous conduit à porter sur le monde. Issue d'une démarche de recherche-création originale entre l'artiste Caroline Delétoille, la physicienne Aurore Young et la philosophe Céline Boisserie-Lacroix, Sensation Quantique explore différentes interprétations artistiques de la physique quantique. Au coeur du dispositif, un rapprochement avec la mémoire et la reconstruction des souvenirs. En suivant des fragments mémoriels qui pourraient appartenir à chacun, il s'agit de retrouver une part du cheminement expérimental de spécialistes à la pointe de la physique quantique. Ouvrage dirigé par Céline Boisserie-Lacroix Avec des contributions de Chadi Abo Caroline Delétoille Élie During Jules Grucker Kevin Lebouvier Dominique Mouhanna Max-Louis Raugel Shelly Rosenblum Aurore Young

Au regard de la programmation historique d'oeuvres d'art sonore, notamment dans le cadre de sa galerie La Box, l'École nationale supérieure d'art de Bourges a, depuis plus de trente ans, régulièrement considéré la musique, le son, le bruit, le silence ou la voix comme des objets de recherche artistique, visuelle ou plasticienne. Aussi, forte de ses multiples ateliers et collaborations entre professeur.e.s, et de ses nombreux projets d'étudiant.e.s, l'École nationale supérieure d'art de Bourges a proposé, du 27 au 29 avril 2022, Les Journées du son, un événement qui a présenté l'état des lieux des différentes pratiques sonores conduites, notamment, dans le cadre des ateliers pédagogiques de l'École, et des projets artistiques ou théoriques de ses professeur.e.s. Les Cahiers du son en dressent l'inventaire tout en invitant à découvrir la stimulante inventivité qui, aujourd'hui, anime la création sonore dans le champ des arts plastiques, et au sein d'une École d'art. Avec des propositions monographiques de : Benjamin L. Aman, Carla Beaumatin, Neal Beggs, Érik Bullot, Alexandre Castant, Ambre Charpagne, Florence Chevallier, Cécile Colle}{Ralf Nuhn, Magali Desbazeille, Anaïs Dunn et Stéphane Joly, Ferenc Gróf, Stéphanie Jamet, Jérôme Joy, Tatiana Komaroff, Aurélien Krafft, LASSO (Association étudiante de l'École nationale supérieure d'art de Bourges), Ingrid Luche, Jean-Michel Ponty, Myriam Pruvot, Punkte (post-diplôme Arts & créations sonores), Nina Queissner, Sofia Quintero, Talla Thiam, Antonin Verhulst, Li Xinran et Sonia Gassemi, Liu Yaonan, Jonathan Zwaenepoel.

"Île modèle, Manman zile, Island Template est le catalogue de l'exposition monographique de Tessa Mars présentée du 31 mai au 29 juin 2019, par le Centre d'Art à la Maison Dufort à Port-au-Prince. Le travail de Tessa Mars est traversé d'influences caribéennes et s'inspire des maîtres de la peinture haïtienne tel Hector Hyppolite. Son oeuvre, marquée par une quête identitaire, se nourrit d'histoire tant personnelle que nationale, des dynamiques insulaires, de la violence sociétale et questionne sa position de femme dans ce contexte. Textes de Barbara Prézeau-Stephenson, Veerle Poupeye, David Frohnapfel. Entretiens avec Christopher Cozier, Carlo A. Célius.

Öyvind Fahlstrm (1928-1976) est un artiste suédois majeur de la seconde moitié du XXe siècle. Il traverse les principaux courants artistiques d'avant-garde de son époque en Suède, aux États-Unis et en France avec une créativité rare qui le situe comme pionnier des bouleversements artistiques, technologiques et scripturaires contemporains. Cet essai explore les dynamiques de mutation de l'écriture à partir de cet artiste et au-delà : il s'agit de comprendre comment l'écriture acquiert, dans son oeuvre, une identité fondamentalement irradiante. Entre poésie, peinture, installation, performance, théâtre, cinéma, jeu radical, art interactif, cartographie critique et nouveaux médias, la mobilité réticulaire de l'écriture fahlstrmienne lui confère un caractère véritablement mutant. Cette écriture convoque les philosophies de Nietzsche, Mauthner, Deleuze, Guattari et Flusser, la littérature de Kafka, les penseurs des avant-gardes nordiques, les théoriciens de l'art et des médias, mais aussi les oeuvres de nombreux artistes contemporains. Elle permet de repenser les bouleversements de l'art à l'aune des enjeux technologiques et politiques de notre époque. Avec Fahlstrm, s'invente ainsi une véritable écriture en résistance, un processus artistique et théorique incontournable pour appréhender les révolutions esthétiques actuelles. Ouvrage publié avec le soutien de l'université Paris 8 (Laboratoire AIAC Arts des images et art contemporain-équipe EPHA | ÉDESTA École doctorale esthétique, sciences et technologies des arts).

Douze arbres, douze voix : Road Trees vous invite à écouter les récits secrets de chênes, bouleaux et pins, témoins silencieux de nos histoires.

Entre effacement et résurgence, La flèche efface révèle des poèmes sauvés de l’oubli, nés d’une cave ou d’un crash d’ordinateur. Nicolas Tourré y capture la fragilité des mots et la persistance de l’écriture, entre silence et révélation.

This book deals with anthropological ideas, which it confronts with what seems to be a difficulty in anthropology: the human being, each singular human being, taken in themselves. Following this line of reading, the authors take us from Benedict to Radcliffe-Brown or Strathern. They focus particularly on contemporary theories of ecological, psychological, phenomenological and existential anthropology. It is this last direction that the authors wish to emphasise, devoting a final chapter to what would be an anthropology of the human being. Radically critical of the relationalism and the tyranny of context in anthropological theories, this book combining text and drawings is a necessary document for researchers and students, as well as for all those interested in understanding the singularity of each being. Perhaps, after this book, readers will no longer consider anthropology in the same manner... Albert Piette is Professor of anthropology at the University of Paris Nanterre, researcher at the Centre of ethnology and comparative sociology (CNRS). Catherine Beaugrand is a visual artist and art theorist, particularly interested in the heuristicity of art in anthropology.

Qu'est-ce que l'anthropologie ? Qu'est-ce qu'un être humain ? Comment l'anthropologie peut-elle être une science de l'être, plutôt que d'autres choses, les cultures, les systèmes sociaux, les relations ou les environnements ? Cet être, Catherine Beaugrand et Albert Piette le nomment « volume d'être ». Ils tentent de proposer des concepts et une grammaire pour approcher la singularité de chacun, dans ses moindres détails. Ils dialoguent avec l'histoire de l'anthropologie, avec des philosophies, surtout celles vers lesquelles les anthropologues se sont tournés. Ils trouvent dans l'art et en particulier la sculpture un ensemble d'appuis leur permettant de préciser « la méthode de la singularité », celle de chaque être humain et celle à inventer pour l'observer, la décrire, l'analyser. Ce livre comporte un grand nombre de dessins qui ne sont pas une simple illustration de concepts. Ce sont des dessins de théorie avec leur propre heuristicité, pensant et représentant un être dans son volume et ses ligatures. Le volume d'être, ils essaient également de le suivre sur la longue durée de la préhistoire, faisant rencontrer Neandertal et quelques primates non humains. C'est l'indifférence et la moindrité qui sont le fil de ce récit d'origine, pré

Le titre, un acronyme de classification des lumières stellaires, réfère au dernier poème du livre. Les vingt-quatre autres parlent - ou plutôt sont écrits à partir - de façon plus ou moins masquée, des productions graphiques pariétales, de la sémantique de Kripke, des impactites, des vipères des sables, des règles monastiques, des horloges, de l'Arctique, de l'entour, de O, de l'évolution, des romains, de l'Australie, des cygnes, des petits ducs, du tou t et des parties, de l'ancien français, de l'argile des fleuves, de l'ADN, des marronniers, de Tenochtitlan, des cactus hallucinogènes, des fougères et des légendes de l'est, d'une nourriture nordique, des relations trophiques, des jardins amazoniens, des onomatopées d'oiseaux en trente-deux langues, du latex, d'un souvenir d'enfant, d'une comptine de logique, de la formation des roches, de McTaggart, de la série A et de la série B, des couchers de soleil martiens et autres choses.

Au regard de la programmation historique d'oeuvres d'art sonore, notamment dans le cadre de sa galerie La Box, l'École nationale supérieure d'art de Bourges a, depuis plus de trente ans, régulièrement considéré la musique, le son, le bruit, le silence ou la voix comme des objets de recherche artistique, visuelle ou plasticienne. Aussi, forte de ses multiples ateliers et collaborations entre professeur·es, et de ses nombreux projets d'étudiant·es, l'École nationale supérieure d'art de Bourges propose, depuis 2022, Les Journées du son, un événement annuel qui s'inscrit dans un état des lieux des différentes pratiques sonores contemporaines. Pour leur deuxième édition, Les Cahiers du son en dressent à nouveau l'inventaire tout en invitant à découvrir la stimulante créativité qui, aujourd'hui, anime la présence du son dans le champ des arts plastiques. Avec des propositions monographiques, visuelles et sonores, des écrits et des archives de : Anaël Alaoui-Fdili, Benjamin Aman, Émilie Aussel, Jasmin Bernard, Elena Biserna, Hugo Bonnet-Massip, Érik Bullot, Gavin Bryars, Naëlle Cardoze, Alexandre Castant, Rhys Chatham, Louna Delavis, Magali Desbazeille, Arnaud Deshayes, Margot Douet, René Farabet, Mathilde Fernandez, Jon Haure-Placé, Sarah Jacques, Stéphanie Jamet, Jérôme Joy, Tinhinane Kerchouche, Iurii Kuznetsov, Adrien Lacabanne, Martin Laliberté, Maëlle Le Hécho, Marilou Leroy, Éric Létourneau, Tatiana Levy, Shoï Lorillard, Ingrid Luche, La MANB (Manufacture des arts numériques de Bourges), Felicity Mangan, Julie Maury, Erik Minkkinen, Kaye Mortley, Nimrod, Kim Reah, Hélène Raymond, The Residents, Lisa Rovner, Katya Shirshkova, Andrey Smirnov, Ida Soulard, Katerina Thomadaki, Antonin Verhulst, Jonathan Zwaenepoël [Oscar A].

En tant que critiques, curateurs ou curatrices et même simples amateurs d'art, nous connaissons tous d'excellents artistes qui ne sont pas défendus par une galerie aussi bien parmi les émergents qui commencent et assument leur projet personnel que par des artistes plus âgés qui poursuivent leur oeuvre sans représentation. Après lacritique.org, 17 ans d'une revue en ligne paru en 2023 nous proposons Nos paris critiques. Ils regroupent une soixantaine d'artistes de diverses générations. L'ensemble des collaborateurs de notre revue en ligne rejoints par d'autres critiques convaincus par la pertinence et l'urgence de ce projet ont choisi de présenter le travail d'un artiste de moins de 50 ans et d'un autre de plus de 50 ans, âge limite pour candidater à la plupart des prix et concours. Les critiques : Florence Andoka - Georges Annetch - Marie Auger - Jean-Marie Baldner - Florent Barzic - Olivier de Champris - Marie Deparis-Yafil - Claire Di Felice - Paul Di Felice - Françoise Dupré - Madeleine Filippi - Iliana Fylla - Christian Gattinoni - David Gauthier - Marie Gayet - Maria Giovanna Gilotta - Michel Guérin - Frédéric Herbin - Laurence d'Ist - Jean-Pierre Klein - Pascal Krajewski - Ghislaine Lejard - Pauline Lisowski - Françoise Lonardoni - Claire Margat - Noël Marikris - Frédéric Martin - Alexia Pierre - Estelle Pietrzyk - Diana Quinby - Alexandre Rolla - François Ronsiaux - Yannick Vigouroux - Maria G. Vitali-Volant - Nicole Vitré-Méchain Les artistes : Pooya Abbasian - Juan Manuel Abellán - Driss Aroussi - Dominique Auerbacher - Nour Awada - Jean-Jacques Balzac - Virginie Bigot - Gaëlle Bosser - Anne Brenner - Myriam Bucquoit - Michel Canteloup - Richard Conte - Coskun - Caroline Dahyot - Lucie Damond - Bruno Debon - Ingrid Dorner - Gaëlle Doutre - Pierre Fauret - Mathilde Fraysse - Nathalie Fréour - Jean Claude Le Gouic - Sam Grégoire - Camille Guichard - Elise Havet - Caroline Henry - Guillaume Holzer - Hélène Hourmat - Euphemia van Huystee - Sarah Hô - Christine Jean - Sylvie Kaptur-Gintz - Caroline Karenine - Farid Kati - Félix Lachaize - JiSun Lee - Celeste Leeuwenburg - Pauline Louise-Jane - Philippe Magnier - Dalila Mahdjoub - Alix Marie - Maude Maris - Sandra Matamoros - Côme di Meglio - Clément Mitéran - Lucie Monty-Brunel - Margherita Muriti - Tami Notsani - Richard Petit - Jean-Charles Pigeau - François Potier - Philippe-Liev Pourcelot - Pascale Ract - Maureen Ragoucy - Pauline Riveaux - Jordan Roger - Camille Sart - Scenocosme - Barbara Schroeder - Daphné Nan Le Sergent - Lucile Soussan - Holger Trülzsch - Villa Verveine - Yannick Vigouroux

En 2005, ayant commencé à relire mes textes de jeunesse, poétiques et fictionnels, tous inédits, relisant ces archives manuscrites ou tapuscrites oubliées, afin de découvrir ou d'imaginer quelles pages méritaient d'en être exhumées sans trop de remords, j'ai trouvé une cassette magnétique sur laquelle, en 1985, je tenais un journal enregistré, intime, sonore et littéraire, plus tard, je devais dire audiobiographique. Parmi les éléments consignés, à cette heure post-adolescente, il était notamment question d'une expérience d'écriture poétique avec un groupe no-wave sans lendemains. J'avais donc réalisé, pour ces amis musiciens, un ensemble de poèmes. Évidemment, je n'étais qu'un écrivain en herbe et rêveur dont la prose était crypto-naissante. Pourtant, la vague no-wave, la musique concrète ou électro-acoustique qui fascinaient aussi notre aventure juvénile, allaient donner à mes interludes poétiques et littéraires, qui avaient déjà la nostalgie des avant-gardes, la liberté d'initier, à mes amis musiciens, des arpèges pastel et amers, des aquarelles sonores saturées de dissonances, des nappes électriques et bruitistes faites de distorsions compactes et, parfois, un rien inspirées, aussi mélodieuses que déstructurées... En somme, une introduction ! A. C. Alexandre Castant, né en 1965, est essayiste, critique d'art, écrivain.

17 ans d'une revue d'art en ligne, une sélection de 72 textes sur plus de 6 000 articles, un important lectorat dédié, une vingtaine de collaborateurs de différentes générations, des partenariats institutionnels et privés. Avec les contributions de Florence V. Alonzo ; Florence Andoka ; Georges Annetch ; Jean-Marie Baldner ; Aurélien Bidaud ; Olivier de Champris ; Michelle Debat ; Paul di Felice ; Florian Gaité ; Christian Gattinoni ; Olivier Gaulon ; David Gauthier ; Bernard Gerboud ; Pascal Krajewski ; Jean-Pierre Klein ; Jean-Claude Le Gouic ; Pascale Lismonde ; Pauline Lisowski ; Gunther Ludwig ; Claire Margat ; Noël Marikris ; Frédéric Martin ; Christian Milovanoff ; Ewa Nowak ; Camille Paulhan ; Mathilde Roman ; Yannick Vigouroux ; Maria Volant.

« Il y a de l'eau dans sa tête : j'imagine, l'accumulation de dix années jour et nuit en plein air lorsqu'elle était postée dans un champ près d'Aytré où nous l'avons trouvée. Elle arrive dans mon atelier avec un escargot collé au coin de l'oeil gauche et son intérieur est truffé de coccinelles. Les tâches sont peintes à la bombe grossièrement et l'usure du temps a ajouté sa couche désolante. Une restauration complète s'impose. (...) Nous entrons dans le ventre de la girafe par la trappe d'origine juste assez grande pour y passer son buste juché sur la plateforme. Munie d'une lampe électrique, la visite peut commencer. »

« Je me suis mise à chercher une figuration dans le gros oeuvre laissé par les ouvriers en construisant le nouveau pont... Des cailloux lisses bien calibrés apparaissent dans l'absence de mortier. Je reste de longues minutes à observer les aspérités de la paroi verticale. Au début je ne vois rien. Je me concentre, je cligne des yeux. Mes intentions s'ajoutent à des formes qui existent déjà. Des visages, une barque, des poissons, un cheval et un cavalier masqué, des mains qui s'accrochent aux rochers, des yeux qui pleurent. Tout apparaît au fur et à mesure du temps que je passe à regarder le mur. » Ce livre comprend 69 pages avec des textes courts, une vidéo et 43 photographies. Ouvrage au format optimisé pour nos téléphones portables, mais adapté aussi aux plus grands écrans de nos tablettes et ordinateurs.

Wild flowers and flowers from gardens gathered together by means of photographically are flooded with luminous intensity and saturated colours creating confusion and astonishment, related to the essentially `supernatural' revelation. Photography and the digital modifications it permits interpret the natural components into a pictorial visual language that distances us through its artifices from an overly objective transcription of reality. A sense of something heavenly, bedazzlement emerges. It highlights the dreamlike and magical dimension of the flowers captured in their usual environment - fields, sky, sunset, garden - and steers them towards a poetic and lyrical iconography, the a priori simple elements of which are lent a certain incandescence. Florence Chevallier, Saint-Germain-des-Prés, August 2020. Volume 2 with a reading by Frédéric Khodja.

Avec plein de souvenirs, quelques pixels et une bonne dose de malice, Michel Jaffrennou, pionnier de l'art vidéo, nous raconte deux décennies agitées par les électrons. Mais « Jouer avec la vidéo » n'est pas qu'une histoire d'écran, c'est l'invention d'un spectacle. Un spectacle vivant dont Alain Carou, commissaire de l'exposition éponyme à la BnF, nous dit dans la postface à cette édition qu'il est la clé de l'oeuvre de Michel Jaffrennou.

Donner la parole aux artistes, et leur proposer de partager l'intimité de leur réflexion est au coeur des leçons inaugurales du Collège international de photographie. Dans le cadre prestigieux du musée du Louvre, nul mieux que Christian Milovanoff ne pouvait nous offrir une voix autant qu'un regard sur la création. L'artiste a dépassé nos attentes en réalisant de toute pièce une oeuvre qu'il a performé devant un auditorium comble. Pour celui qui a réalisé son premier livre intitulé Le Louvre revisité (1986) précisément en ces lieux, montrant ce que la photographie a de commun avec toute l'histoire de l'art, et qui y a exposé ses oeuvres en 2007-08 avec Suites, photographier les oeuvres est faire oeuvre. Mais la leçon dit bien plus encore, et nous entraîne dans toute la création de Christian Milovanoff, jusqu'aux surpenants travaux réalisés dans les zoos d'Europe. Celui qu'un jour j'ai qualifié de « portraitiste de l'art », vous emmène sur les chemins de la vie et de la connaissance, dans l'intimité épique d'une existence tout entière façonnée au contact des oeuvres. En enregistrant et en produisant cette leçon magistrale, le Collège international de photographie en partenariat avec les éditions Naima souhaite partager une leçon devenue une oeuvre. Michel Poivert

À la suite de Éblouissement, volumes 1 et 2 (récoltes photographiques de fleurs des champs et des jardins), Florence Chevallier nous dévoile Le Jardin d'Oiseaux. Un jardin de couleurs et d'étoffes pour séduire les mésanges, rouges-gorges et autres oiseaux de passage, mais qui cache aussi l'abri voluptueux du prédateur, le chat noir qui guette ses proies. Ce livre révèle « un monde darwinien et poétique (...) de la grâce saisie dans la menace de mort », écrit Christiane Vollaire dans L'expérience de la saturation, texte qui accompagne les photographies de Florence Chevallier.

Des fleurs des champs et des fleurs des jardins récoltées photographiquement furent ensuite chargées d'intensité lumineuse et de couleurs saturées créant un trouble, un étonnement, liés à la révélation d'une nature « surnaturelle ». La photographie et ses modifications numériques traduisent l'élément naturel en un langage visuel pictural qui nous éloigne par ses artifices d'une transcription du réel trop objective. Un effet de merveilleux, d'éblouissement apparait. Il accentue la dimension onirique et magique des fleurs saisies dans leur contexte - champs, ciel, soleil couchant, jardin - et les conduit vers une iconographie poétique et lyrique, dont les éléments, a priori simples, sont portés à une certaine incandescence. Florence Chevallier, Saint-Germain-des-Prés, août 2020. Volume 2 avec un texte écrit et lu par Frédéric Khodja.

Christian Milovanoff est un photographe né en 1948 à Nîmes. Il débute une pratique photographique d'auteur en 1976 après des études en sociologie et ethnologie. Il sera professeur à l'École Nationale Supérieure de la photographie d'Arles lors de sa création en 1982 jusqu'en 2015. Sa recherche artistique s'oriente sur les espaces intérieurs tels que les musées, supermarchés et bureaux. Il a publié plusieurs ouvrages monographiques. Il est également auteur de nombreux articles sur la photographie et le cinéma. Le présent ouvrage les rassemble : textes inédits, textes déjà parus et réécrits.

Bleu Bleu documente l'exposition d'Agnès Rosse au Crac_Occitanie à Sète du 12 au 16 août 2020 pour le programme Canal Royal en partenariat avec Mécènes du Sud Montpellier-Sète. En plus de présenter une série d'objets, de peintures et de sculptures en bois, verre, céramique, métal, l'artiste réactive une installation réalisée en 2004 et filmée en vidéo intitulée Résidence : Aquariums d'eau de mer. Six bernard-l'ermite, deux poulpes, douze crevettes et quinze oursins sont en résidence au Crac dans six aquariums. « Pas de visées scientifiques dans cette installation. Je collabore avec une force qui m'échappe, de passage dans ma vie d'artiste. J'invente un contrat avec moi-même pour créer un dispositif simple de mise en résidence d'animaux marins faciles à trouver, faciles à relâcher et faciles à nourrir, loger et blanchir. Je les filme en direct et fais défiler de grands tableaux vivants parmi mes oeuvres plastiques. » Ce livre comprend 55 pages avec des textes courts, un film de six minutes, une courte vidéo et 38 photographies. Ouvrage au format optimisé pour nos téléphones portables, mais adapté aussi aux plus grands écrans de nos tablettes et ordinateurs.