Etudes littéraires

La Poétique d'Aristote est l'oeuvre fondatrice de toute réflexion sur la création épique et tragique. Elle n'a été invoquée, en fait, que par l'intermédiaire d'Horace et des théoriciens classiques français : à ce titre, elle a souffert récemment du mépris des modernes, puis a été récemment redécouverte. On s'est aperçu de son aspect étrangement moderne ; seuls les grands créateurs, même quand ils croyaient s'en affranchir, l'ont comprise et mise en pratique : Racine, malgré Boileau, les romantiques allemands, Hegel, les tragiques modernes, comme Giraudoux... La présente étude replace l'oeuvre dans son contexte historique littéraire, biographique, philosophique ; elle donne une synthèse des analyses aristotéliciennes, qui tient compte des avancées les plus récentes de la recherche ; enfin, elle retrace la fortune de l'oeuvre, depuis l'Antiquité romaine jusqu'à Barthes et Todorov.

Drame de poète écrit pour la lecture. « Copyright Electre »

Depuis une quinzaine d'années, les grandes pièces de Tchékhov, et plus particulièrement La Cerisaie, ont inspiré aux plus grands metteurs en scène européens des spectacles d'une profonde originalité, changeant totalement l'approche que le public pouvait avoir jusqu'ici de ce théâtre, à travers quelques poncifs comme celui de la petite musique tchékhovienne. Les nombreuses nouvelles traductions de La Cerisaie, les mises en scène de G. Strehler, P. Brook, P. Stein et, plus récemment, celles très inattendues de M. Langhoff et S. Braunschweig, ont projeté sur le texte un éclairage neuf et parfois brutal. Il n'est plus possible aujourd'hui de lire La Cerisaie sous l'angle de la seule nostalgie, ni même sous celui de l'histoire socio-politique ou de la psychanalyse : le texte est devenu cet objet changeant sur lequel se projettent les angoisses et les désirs des hommes de scène et dont le lecteur découvre, au détour de chaque traduction, qu'il lui est toujours plus intime et plus contemporain.

En janvier 1953, Roger Blin crée En attendant Godot devant les quelques spectateurs du théâtre de Babylone ; la pièce, qui devient aussitôt l'emblème du théâtre de l'absurde, fait en quelques années le tour du monde : elle est considérée aujourd'hui comme un classique du XXe siècle. En près de cinquante ans, le regard que nous portons sur elle a profondément changé : nous n'y cherchons plus de symboles, mais ne finissons pas d'en explorer les signes ; plus qu'à la hantise du vide et à la thématique de l'absence, nous sommes sensibles à la présence des corps et à la réalité des objets. Derrière le trop fameux dialogue de sourds, nous entendons aujourd'hui un mode subtil et musical de communication. Bref, l'absurdité a laissé la place à l'ambiguïté, et l'antithéâtre nous apparaît comme le théâtre par excellence, qui fait triompher le jeu, sous toutes ses formes. L'histoire des mises en scène le montre : les clochards métaphysiques intemporels et désincarnés n'ont cessé de se rapprocher de nous, pour devenir nos intimes et nos contemporains. Et ce qui nous frappe chez ces vagabonds qu'on disait à bout de souffle, c'est leur inépuisable énergie : à l'image de tout le théâtre de Beckett, En attendant Godot représente à sa façon le triomphe de la vie (Giorgio Strehler).

"On s'efforcera d'évaluer les ambiguïtés, les paradoxes, les écarts qui fondent le texte de Céline ; ce sont eux, non leurs significations occasionnelles qui font de ce premier roman le livre de plus étrange de Céline : livre aux contradictions non résolues, livre oxymorique, qui semble tout dire pour mieux sombrer en ses dernières pages dans l'ultime vérité du langage : le silence (« qu'on n'en parle plus »). Livre de tradition et de rupture, qui clôt l'univers du roman postbalzacien, pour instaurer, peu à peu, une nouvelle langue romanesque." Annie-Claude et Jean-Pierre Damour

Le Tartuffe est une pièce-phare de Molière. Mais d'où vient ce personnage, quelle en est la genèse, quel style a adopté Molière pour ce texte, dans quel contexte doctrinal et historique fut-il écrit : telles sont quelques unes des questions auxquelles tente de répondre ce livre paru dans la collection « Études littéraires ».

1959, Hiroshima. Une actrice française et un architecte japonais, deux inconnus marqués par la guerre, s’aiment le temps d’une nuit. Entre mémoire et oubli, leur rencontre devient le miroir d’un siècle déchiré.

Décryptez Trois contes de Flaubert comme jamais : une analyse littéraire approfondie qui révèle l’unité secrète entre Un cœur simple, La Légende de saint Julien l’Hospitalier et Hérodias.

Thérèse est une héroïne victime de la parole. L'analyse des discours permet de décrypter dans le roman les mécanismes de l'aliénation rhétorique, consciente ou inconsciente, les pièges de l'expression et les limites du langage. « Copyright Electre »

Tout en restant une des réussites les plus abouties du réalisme et l'un des hauts lieux du naturalisme, la biographie imaginaire de Jeanne est désormais débarrassée de ses scories de l'école médanite comme du perfectionnisme flaubertien. « Copyright Ele

Je rends au public ce qu'il m'a prêté. Le moraliste paie donc sa dette à la société... Ironiquement, en s'attaquant aux faussaires, il désigne une société où règnent l'hypertrophie des signes et leur confusion. La Bruyère radicalise ainsi une écriture discontinue, organe de sa pensée ironique. « Copyright Electre »

Les «Fables» de La Fontaine ne se réduisent pas à leur statut d'oeuvre littéraire, et singulièrement pas à un simple jeu de variations sur l'apologue antique, doublé d'une esthétique de la métamorphose. Elles sont un exercice culturel d'ascèse humaniste

Etudie la poésie lyrique de la Renaissance, poésie de l'émotion et de la passion autant que poésie de la voix, dans le lien renouvelé de la poésie et de la musique. « Copyright Electre »

Une minutieuse analyse stylistique des textes de Perrault, et une comparaison avec les récits parallèles de la tradition orale. « Copyright Electre »

Michelet voyait en «Pantagruel» et «Gargantua» l'«Iliade» et l'«Odyssée» du patrimoine littéraire français. En effet, la saga des géants ne peut guère se comparer qu'aux grandes épopées fondatrices dont la démiurgie homérique offre le modèle unive

Proche par bien des aspects des chansons populaires et des spectacles de rue, ce premier texte véritablement littéraire écrit en français permet de poser des problèmes critiques actuels, comme les rapports entre texte et auteur, ou entre conditions de création et conditions de réception. « Copyright Electre »

Au regard panoramique qui préside, dans la première partie, à l'exploration des aspects littéraires du récit de voyage, l'auteur a préféré ensuite la perspective focalisante pour analyser les éléments qui font de ce type de récit un événement linguistique. Le voyageur ne revient pas seulement chargé de denrées rares : il rapporte aussi des vocables nouveaux dont certains investiront sa langue. « Copyright Electre »

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Dans le Paris assiégé de 1870, bientôt confronté au soulèvement de la Commune, nul ne se préoccupe de la disparition du jeune Isidore Ducasse. Pourtant, ce mystérieux homme de lettres de vingt-quatre ans laisse derrière lui une formidable entreprise de démolition, dont le romantisme vieillissant et le Second Empire, au bord du désastre, ne seront pas les seules victimes. Ses Chants de Maldoror, édités l'année précédente sous le pseudonyme du comte de Lautréamont, n'épargnent en effet aucune autorité ni aucun dogme. Mais Maldoror n'est pas seulement un héros du Mal ; il est surtout un combattant de la liberté qui nous révèle les conséquences d'une double aliénation : tandis qu'une intériorisation des interdits moraux et religieux nous confisque nos désirs, l'empreinte d'un langage figé contrarie toute libre expression. Aussi notre siècle a-t-il célébré Lautréamont comme l'un des principaux phares de la poésie moderne, aux côtés de Rimbaud et de Mallarmé. Les surréalistes ont reconnu en lui l'initiateur de l'écriture automatique, Pierre Reverdy l'a salué comme le seul poète tragique français, le groupe de Tel quel a trouvé dans son oeuvre les origines d'une science de l'écriture. Reste que cette diversité d'interprétations témoigne, d'abord, de l'impossibilité de réduire à une lecture unique des Chants qui, constamment, se jouent de leur lecteur et se défient des vérités acquises.

À l'heure de la chute du Mur de Berlin, un préjugé tenace voudrait que l'engagement de Sartre, type même de l'intellectuel inauguré par Zola, n'eût été qu'une comédie des erreurs. La lecture de Les Mains sales permet de bousculer cette image d'Épinal trop commode. L'un des ressorts de la pièce est, en effet, la distinction entre situation simple et situation complexe. Le choix alors (sous l'Occupation allemande) était facile - même s'il fallait beaucoup de force et de courage pour s'y tenir. On était pour ou contre les Allemands. Aujourd'hui (1959) - et depuis 1945 - la situation s'est compliquée. Il faut moins de courage, peut-être, pour choisir, mais les choix sont beaucoup plus difficiles. Ici, Sartre plonge ses personnages, Hoederer, Hugo et Jessica, dans une situation où les jeux ne sont pas faits, celle de la Guerre froide. À cette complexité, a succédé celle, plus inextricable encore, de notre présent, qui ne semble pas même requérir le choix. Hugo, Jessica surtout, personnages en mouvement autour d'un Hoederer immuable, représentent sur la scène une complexité qui est devenue celle des années quatre-vingt-dix, et avec laquelle ils nous invitent à nous colleter.

Depuis le scandale que leur publication a provoqué en 1782, jusqu'aux plus récentes adaptations cinématographiques, Les Liaisons dangereuses fascinent et suscitent des interprétations contradictoires. Il s'agit donc d'étudier comment la perfection formelle et l'ironie d'un roman par lettres, font jouer l'un contre l'autre l'optimisme encyclopédique et l'inquiétude de la fin du siècle, voire l'attirance pour le mal. L'exigence rationnelle se concilie de plus en plus difficilement avec les besoins du coeur, la langue des géomètres avec les élans lyriques.

Suites de la piété filiale ou révolte contre le père, tragédie de la réflexion paralysante ou du désir de l'action irraisonnée, drame d'une inquiétante étrangeté dont le metteur en scène semble être un spectre au statut incertain, chef-d'oeuvre d'une exceptionnelle cohérence verbale, Hamlet interpelle les lecteurs et les spectateurs depuis plus de trois cents ans. Notre étude propose une lecture suivie de cette histoire tragique. Elle met en valeur le caractère essentiellement ambigu et théâtral de la pièce, où les tréteaux sont comme posés sur l'estrade pour multiplier l'illusion de la scène et exalter l'art du comédien. Reflet de la crise de conscience européenne au XVIe siècle, le microcosme d'Elseneur fait partie de ce grand théâtre du monde qui rappelle à l'homme son existence éphémère pareille à celle de l'acteur quittant les planches.

La Peau de chagrin (1831) est le roman qui fit la gloire de Balzac. À la fois réaliste, fantastique et symbolique, situé au confluent des études de moeurs et des études philosophiques, on peut le considérer comme la clef de voûte de La Comédie humaine.

Comment penser la différence des civilisations et des sociétés humaines? « Copyright Electre »

Evoque près de trente ans de la vie de New York en croisant et recroisant les vies, les destins ou les trajets d'une cinquantaine de personnages. « Copyright Electre »

Considéré à sa parution comme une atteinte à la morale publique et religieuse, ce roman apporte un témoignage sur la condition de la femme, la société bourgeoise et la vie en province au XIXe siècle au travers du romantisme stéréotypé d'Emma Bovary. Etude montrant que Flaubert redéploie les recettes du roman de moeurs et donne à lire l'irrésistible suggestion du néant. « Copyright Electre »

Épopée domestique, célébration de la vertu, idéalisation romantique de la femme et de l'amour platonique dans un cadre idyllique, Le Lys dans la vallée se révèle en fait un roman ambigu, pétri de subtiles perversités. Refoulement d'un désir qui se dit par les voies détournées d'un langage symbolique, rapports troubles entre érotisme et mysticisme, tentation incestueuse, composent une fiction équivoque, à la forme faussement limpide et aux résonances multiples. Roman poétique de la Touraine, roman d'éducation, roman nourri d'autobiographie, mais aussi récit adressé à une femme par un narrateur de mauvaise foi, et déclaration d'amour à une morte autant qu'à une lectrice, ce Lys s'impose comme l'une des plus complexes productions balzaciennes.

Contre un siècle positiviste, comment réagir ? Huysmans n'est pas, en 1884, le premier à poser la question, mais la réponse qu'il donne suffit à fonder la décadence. Et À rebours s'avère la première oeuvre, en même temps que la grande oeuvre, du Décadentisme. En édifiant sa thébaïde-musée, l'esthète Des Esseintes décline les divers aspects du beau qu'il médite dans des rêveries baudelairiennes, ou qu'il recherche dans des expériences raffinées. À travers les exclusions (nombreuses) et les choix (délibérément rares) de son unique personnage voué à un itinéraire destructeur, et non dénué de perversion, Huysmans, découvreur et novateur, propose les fragments d'une esthétique nouvelle... et peut-être un nouveau langage.

Le Cahier d'un retour au pays natal a été célébré, notamment aux Antilles, en Afrique et dans les pays du tiers monde, comme la charte de la négritude. Ainsi que l'observe André Breton, qui a contribué largement à la diffusion du poème, le Cahier est assurément une oeuvre à thèse, porteuse d'un message idéologique - politique, social, philosophique, mais ce message est consubstantiel à la poésie, et c'est précisément pourquoi l'oeuvre échappe à la poésie de circonstances, alors même que des voix se sont élevées, en Afrique même et aux Antilles, qui contestent l'idéologie de la négritude. Certes, il faut prendre acte de la vocation didactique - au sens le plus noble du terme - d'un poème qui s'inscrit dans la grande tradition pamphlétaire ; mais il faut encore, impérativement, le rapporter au genre épique qui le fonde. Autant dire que, au-delà du nécessaire rappel des sources idéologiques, des ethnologues (Delafosse, Frobenius) et des théoriciens de la négritude dans les années 20-30 (École de Harlem, Senghor, Damas), il faut lire le Cahier d'abord comme un poème, c'est-à-dire privilégier le formidable travail d'invention verbale, d'où surgit un monde, en une nouvelle genèse. Cette cosmogonie ressortit à une rhétorique et à une stylistique. La pensée de la négritude n'est nullement une théorie abstraite illustrée par le Cahier : elle naît, en quelque sorte, de l'acte poétique lui-même, à quoi le présent ouvrage voudrait s'attacher.

Alcools, le recueil d'un mystificateur, auteur de complaintes sans queue ni tête (Fernand Fleuret), ou le fruit du travail d'un artiste, ce travail qui fait la valeur d'une oeuvre d'art (méditations esthétiques) ? Le poète se dégage toujours, désespéré et rieur, lyrique et truculent, épris de savoir et de plaisirs. Comment concilier rire, larmes et savoir, dérision, lyrisme et connaissance ? En un pluriel de tons, de voix, d'images, de temporalités, d'espaces, Apollinaire dialogue avec sa propre existence, tramée de mésaventures amoureuses, avec la poésie, avec les esthétiques contemporaines ou antérieures. À la dette contractée auprès des aînés, s'ajoute le désir de s'ouvrir au présent et de prophétiser l'avenir : cette position transitionnelle - et non transitoire - que la chronologie du recueil vérifie en partie, situe Alcools dans le paysage littéraire français, dans le sens où Max Jacob, ami de Guillaume Apollinaire, le définissait : Tout ce qui existe est situé. [...] Dans les grandes époques artistiques, les règles de l'art enseignées dès l'enfance constituent des canons qui donnent un style : les artistes sont alors ceux qui, malgré les règles suivies dès l'enfance, trouvent une expression vivante. [...] L'auteur ayant situé son oeuvre peut user de tous les charmes : la langue, le rythme, la musicalité et l'esprit. Quand un chanteur a la voix placée, il peut s'amuser aux roulades.

Inachevée, la dernière oeuvre de Chrétien de Troyes a suscité de nombreuses continuations. Leurs auteurs ont systématisé la dimension chrétienne du graal, que Chrétien n'avait fait que suggérer, et ont recentré le récit sur Perceval et sur sa quête. La tradition critique moderne, dans son ensemble, a suivi les traces des conteurs médiévaux, préférant Perceval à Gauvain et relisant Le Conte du Graal à la lumière de textes délibérément tournés vers une interprétation mystique du saint Graal et de ses secrets. Notre dette à l'égard de cet intertexte critique patiemment tissé depuis plus d'un siècle, est immense. Dans cette approche, nécessairement fragmentaire, d'un récit qui résiste à toute lecture univoque, nous avons cependant choisi de retrouver un équilibre, inscrit dans le texte, entre Perceval et Gauvain ; l'un, chevalier confirmé d'abord égaré, mais qui réactive, dans le temps retrouvé du château des reines, les valeurs fondatrices de l'utopie arthurienne ; l'autre, héros neuf, confronté à une violence qu'il s'épuise à maîtriser, et dont le destin était peut-être de revenir au val perdu de l'enfance pour y revivre la joie des commencements.

Phèdre est, de toutes les pièces de Racine, la mieux maîtrisée, la plus harmonieuse, la plus classique. Mais, paradoxalement, elle est celle où la rigueur géométrique exprime la plus grande violence : Phèdre est la plus sulfureuse des pièces du XVIIe siècle. Et si, à Trézène, le Minotaure était une femme ? La passion amoureuse, l'adultère, l'inceste enflamment et empoisonnent les veines de l'héroïne... L'autorité de l'époux/du père est égarée : Thésée doit remporter sa dernière victoire sur les monstres qui peuplent l'univers mais, cette fois, le monstre est dans sa propre famille... Qui sait si Racine ne s'est pas lui-même effrayé des extrémités auxquelles l'a porté son génie ? Toujours est-il que, depuis plus de trois siècles, cette perfection et cette violence fascinent... Depuis plus de trois siècles, cette peinture du combat de la Raison et du Désir, de l'Ordre et du Désordre, de la Transgression et de la Loi, n'a cessé de renvoyer chacun à lui-même. Sous la métaphore antique du destin, de ces mythes qui nous viennent de la nuit des temps, une tragédie des plus modernes...