REFLEXIONS FAITES

Jean Renoir (1894-1979) est le seul à s'être autant exprimé sur le cinéma ou sur d'autres sujets. La cinquantaine de textes qui forment ce volume sont pour la plupart totalement inédits. Leur écriture couvre une période allant du muet aux dernières années de la vie du cinéaste installé aux États-Unis depuis 1941. Incroyable conteur, rédigeant en français, parfois en anglais, Renoir évoque la genèse de certains de ses films, son père, le peintre Auguste Renoir, les évolutions de l'art cinématographique. Il se prononce fréquemment sur l'histoire des arts ou la marche du monde. Plusieurs textes rendent hommage à des peintres, des écrivains et des gens de cinéma, et, durant la période troublée de la guerre, à tous ceux demeurés en Europe. Claude Gauteur, Christopher Faulkner et Olivier Curchod sont historiens du cinéma. Ensemble ou séparément, ils ont publié une douzaine d'ouvrages sur Jean Renoir et d'innombrables d'articles : Gauteur, D'un Renoir l'autre, Le Temps des cerises, 2005 ; Faulkner (avec Paul Duncan), Jean Renoir : conversation avec ses films (1894-1979), Taschen, 2007 ; Curchod, La « Méthode Renoir » : pleins feux sur « Partie de campagne » (1936) et « La Grande Illusion » (1937), Armand-Colin, 2012.

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Et si la plus grande révolution du XXIe siècle n'était pas l'IA ou la crise climatique prise isolément, mais la dissolution progressive de l'État- nation ? Ce petit livre propose un regard radicalement neuf : en analysant dix signaux faibles (de la montée des villes-plateformes à la privatisation du régalien, de la biorévolution à la désynchronisation sociale, de l'internet quantique à l'émergence des nations migrantes), il cartographie pour la première fois l'avènement d'un monde fractal, archipélisé, où le pouvoir, la solidarité et l'identité se reconfigurent à chaque instant. L'ambition de cet essai est de proposer une lecture transversale et accessible des grands bouleversements actuels, en mettant au jour les dynamiques profondes (et souvent invisibles) qui transforment nos sociétés. Entrepreneur en série, expert en innovation, scouting technologique et Venturing, Laurent Kinet conseille et inspire les plus grands groupes mondiaux dans leur adaptation à la disruption technologique. Passionné d'histoire, de prospective et des mutations sociétales, ses recherches sont à la croisée de l'innovation et des sciences humaines. Synthèse de sa riche expérience, Révolutions silencieuses pose un regard percutant sur notre avenir.

À partir de 1980 et jusqu'à la fin de sa vie en 1984, le philosophe Michel Foucault explore dans ses cours au Collège de France comme dans ses ouvrages, conférences et entretiens une idée qui va progressivement s'imposer dans sa pensée : la possibilité de façonner sa propre vie comme on ferait une oeuvre d'art. Cette formation autonome et singulière de soi se résume par la formule de « l'esthétique de l'existence » qui apparaît de façon récurrente dans les derniers textes de Foucault et semble constituer l'un des héritages les plus féconds de sa pensée, bien qu'elle demeure peu développée sous sa plume et donc fortement énigmatique. Martin Mees est Maître de conférences en philosophie et littérature à l'Université de Lille. Isabelle Ost est Professeur ordinaire à l'UCLouvain Saint-Louis Bruxelles. Philippe Sabot est Professeur de philosophie contemporaine à l'Université de Lille et Président du Centre Michel Foucault (depuis 2017). Il a contribué à l'édition des oeuvres de Michel Foucault dans la Bibliothèque de la Pléiade

Orson Welles a entretenu des relations très différentes avec ses collaborateurs au fil de sa carrière cinématographique, à Hollywood de 1939 à 1947, en Europe où il a passé l'essentiel de son temps de 1948 à 1970, puis aux États-Unis où il s'est réinstallé de 1974 à sa mort en 1985, Welles a eu tendance à s'entourer de techniciens jeunes qu'il formait et qui le suivaient dans des aventures très peu cadrées logistiquement. Jean-Pierre Berthomé et François Thomas ont rencontré de nombreux collaborateurs de Welles pour en savoir plus sur leur relation de travail avec lui. Sont rassemblés dans ce livre douze entretiens enregistrés entre 1982 et 2005 en France, en Allemagne, en Angleterre ou aux États-Unis. Certains abordent les productions théâtrales et radiophoniques de Welles. Née au sein de la revue de cinéma Positif, la collaboration de Jean-Pierre Berthomé et François Thomas autour de l'oeuvre d'Orson Welles s'étend sur trois décennies, ponctuées par la parution de deux ouvrages cosignés, Citizen Kane (Flammarion, 1992) et Orson Welles au travail (Cahiers du cinéma, 2006). Au fil des ans, Jean-Pierre Berthomé et François Thomas ont réalisé de nombreux entretiens avec des collaborateurs de Welles : producteurs, comédiens, techniciens ainsi que sa dernière compagne.

Livre rédigé en prison par celui qu'on surnommait « l'éternel conspirateur », L'Éternité par les astres est une étonnante réflexion cosmologique qui a inspiré Nietzsche pour sa théorie de l'éternel retour. Comme l'a écrit Walter Benjamin : « L'aspect bouleversant de cette ébauche est qu'elle est totalement dépourvue d'ironie. C'est une soumission sans réserve et, en même temps, c'est le réquisitoire le plus terrible qui puisse être prononcé à l'encontre d'une société qui projette dans le ciel cette image cosmique d'elle-même. Le texte, qui est, quant à la langue, d'un relief très marqué, entretient les relations les plus remarquables autant avec Baudelaire qu'avec Nietzsche. » Ce texte mérite d'être redécouvert, et la passionnante préface de Jacques Rancière l'éclaire d'un jour nouveau. Louis-Auguste Blanqui (1805-1881) a très tôt défendu un républicanisme révolutionnaire. Il s'est battu pour le suffrage universel, l'égalité homme/femme, et la suppression du travail des enfants. Prônant la révolution par la violence, il fut emprisonné pendant plus de la moitié de sa vie. Né en 1940 à Alger, Jacques Rancière compte parmi les penseurs les plus influents de notre époque. Il publie sur des questions philosophiques et politiques, le cinéma, la pédagogie, Tchekhov.

L'idée générale de ce livre est de comprendre et d'analyser les enjeux théoriques qui se posent au moment du montage d'un film documentaire. Il se situe à l'intersection de deux visées : celle du praticien qui entend donner une perspective plus large et plus abstraite à ses "manières de faire" et celle du théoricien qui cherche une application plus pragmatique à ses "formes de pensée". Un équilibre entre pratique et théorie qui nous plonge au coeur des questions qui se soulèvent dans la salle de montage. Un livre où se croisent des films que j'ai montés - de Claire Simon, d'Alexander Abaturov, de Mehran Tamadon ou de Stefano Savona - et des grands classiques du documentaire - Shoah de Claude Lanzmann, Zoo de Frederik Wiseman, Nous d'Artavazd Pelechian ou Les maîtres fous de Jean Rouch. Diplômé de l'IDHEC, Luc Forveille est notamment le monteur des films d'Alexander Kusnetsov (Manuel de libération, Une vie ordinaire), d'Arnaud Lambert (Chris marker, never explain, never complain, etc.), de Claire Simon (Géographie humaine, Le bois dont les rêves sont faits, Le concours, Le village, Premières solitudes, etc.) ou de Mehran Tamadon (Iranien, Mon pire ennemi, Là où Dieu n'est pas). Il enseigne à la Femis, au master de réalisation documentaire de Lussas et aux Ateliers Varan.

L'ouvrage retrace les liens entretenus par Martin Scorsese avec la musique, le rock en particulier. Le réalisateur est un mélomane et écoute de la musique en concevant ses scénarios, trouvant des idées et des images basées sur ce qu'il entend. Il partage avec ses personnages cette fascination ambiguë pour le monde du spectacle. Son travail de cinéaste lui a permis d'assouvir cette passion et de travailler avec ou pour les plus grands artistes. En outre, il a réalisé le clip de « Bad » avec Michael Jackson, une comédie musicale, New York, New York ainsi que The Act, un musical destiné à Broadway. Martin Scorsese a surtout travaillé avec ou pour Elvis Presley, George Harrison, Bob Dylan, Jimi Hendrix, les Rolling Stones, The Band, The Clash, U2, Michael Jackson et David Bowie. Christophe Deniau est né a Angers en 1966. Il a collaboré au tournant des années 1980 à Danger FM, une radio locale. Il a déjà publié plusieurs essais sur la musique dont Le Rock a l'endroit, une histoire des lieux du rock en France, Downtown Manhattan, de la no wave aux dancefloors et Macadam Zulu, Basquiat et la musique ainsi que les biographies de Daniel Darc, Lee Hazlewood, Nick Cave et Thom Yorke.

Philippe Blasband a participé à plus d'une centaine de scénarios, dont plusieurs dizaines ont été tournés et diffusés. Certains de ces films ont même eu un succès international (entre autres Une liaison pornographique, Irina Palm, Les émotifs anonymes). Il a aussi eu des échecs cuisants. Il s'est bien amusé, et il en a bavé. Dans ce livre, il évoque sa vie de scénariste, et tente aussi d'analyser ce que c'est, finalement, un scénario. Il parle des relations de cause à effet dans l'écriture ; des rapports entre le scénariste et le reste de l'équipe qui fabrique le film ; de l'importance de l'intuition chez les scénaristes. Il y utilise la masturbation et la sexualité comme métaphores de l'écriture. Ceci est un manuel, mais le plus personnel et à vif possible. Philippe Blasband est belge. Il est né à Téhéran, le 26 juillet 1964 (le même jour que Sandra Bullock). Il a étudié le montage cinéma et vidéo à l'INSAS. Il a écrit des films, des pièces de théâtre, des romans. Il a parfois réalisé et mis en scène. Il boit beaucoup de thé vert et mange trop de chocolat. Mais il arrête quand il veut. Il vit à Bruxelles, avec son épouse, la comédienne Aylin Yay, leurs deux enfants Théo et Ellie, et un vieux bouledogue français, prénommé Pétunia.

Tout comme le cinéma hollywoodien, le cinéma français a produit ses propres comédies musicales, appelées diversement « comédie musicale », « opérette cinématographique », « film-opérette », « opérette filmée » voire simplement « opérette ». Ces musicals hexagonaux ont fourni à leur époque nombre de rengaines populaires - « Avoir un bon copain », « Dans la vie faut pas s'en faire », « Sous les palétuviers », « Le Chanteur de Mexico » - et ont lancé les carrières de plusieurs vedettes - Henri Garat, Lilian Harvey, Maurice Chevalier, le duo formé par Pills et Tabet, Alibert, etc. À la mode dès Le Chemin du paradis (1930), le genre connaît son âge d'or dans la première moitié des années trente, période à laquelle il affirme une esthétique qui lui est propre : fantaisie, travail sur la continuité parole/bruit/musique, réflexivité théâtrale. L'opérette cinématographique se ramifie également en sous-genres comme l'opérette marseillaise ou l'opérette viennoise. Après avoir décliné lentement, elle connaît un second souffle au tournant des années cinquante avec Georges Guétary et Luis Mariano tout en générant d'autres formes de films chantants comme les films de big band avec Ray Ventura ou le cinéma en-chanté de Jacques Demy. Marie Cadalanu est agrégée de lettres modernes et docteur en études cinématographiques. Ses recherches portent sur le cinéma français et en particulier le film musical et le cinéma chantant français des années 1930 à nos jours, ainsi que sur le musical hollywoodien. Jérôme Rossi est professeur de musicologie à l'université Lumière Lyon 2. Il a écrit de nombreux ouvrages et articles consacrés à la musique postromantique et aux relations entre musique et cinéma. Il compose régulièrement des musiques pour le cinéma et la télévision. Marie Cadalanu est agrégée de lettres modernes et docteur en études cinématographiques. Ses recherches portent sur le film musical et le cinéma chantant français des années 1930 à nos jours, ainsi que sur le musical hollywoodien. Jérôme Rossi est professeur de musicologie à l'université Lumière Lyon 2. Il a écrit de nombreux ouvrages et articles consacrés à la musique postromantique et aux relations entre musique et cinéma. Il compose régulièrement des musiques pour le cinéma et la télévision.

Dans la lignée de Borges et Pessoa, Jean-Benoît Puech bâtit depuis près d'un demi-siècle une oeuvre aussi étrange que captivante. Il aime les masques et les doubles, les simulacres et les labyrinthes. Son recours subtil aux pseudonymes (Benjamin Jordane, Yves Savigny ou Clément Coupèges) et à l'invention de multiples « alter ego » est un des charmes de son oeuvre. Dans La Part du faux, grand entretien avec l'universitaire allemand Jochn Mecke, il se livre de manière plus directe que d'habitude, mais tout aussi malicieuse et brillante. Il évoque sa trajectoire d'écrivain, des récits de La Bibliothèque d'un amateur (Gallimard, 1979) au roman Le dernier des Jordane (P.O.L., 2024), dévoilant les ressorts secrets de son travail d'auteur et sa passion pour la littérature. Jean-Benoît Puech est l'auteur d'une oeuvre construite autour d'un écrivain imaginaire, Benjamin Jordane, qui offre de subtiles variations sur les mystères de la création et les frontières incertaines entre la réalité et la fiction. Professeur à l'université de Regensburg (Allemagne), directeur du Centre de Recherches Hispanique et codirecteur du Center for International and Transnational Area Studies, Jochen Mecke a consacré de nombreux travaux à la littérature française moderne et postmoderne.

La littérature est en état d'alerte générale. Tout le monde semble d'accord là-dessus. Les éditeurs, les libraires, les diffuseurs, les journalistes ont cessé d'être simplement inquiets : ils ont adopté le pessimisme comme feuille de route. Les médias, accompagnant à leur manière le recul de la création, sont les premiers à sonner le glas. La littérature va mal, la lecture va mal, le métier va mal. Tel est le leitmotiv récurrent. Et les écrivains, dans tout cela ? Être écrivain est une aventure sans garde-fou. L'enjeu : se servir de la langue, la plus forte, la plus souple possible, pour donner une durée au présent. C'est une activité unique et par là même, irremplaçable. On n'en a pas encore fini avec les écrivains. Luc Dellisse, écrivain, chroniqueur et poète, a publié une quarantaine de livres, dont récemment deux essais : Libre comme Robinson et Le Monde visible, aux Impressions nouvelles, et un roman, Ce que je sais sur Linda, chez Lamiroy.

Ce livre explore un continent méconnu de l'histoire littéraire française : il aborde une série de poètes qui, nés en Amérique latine, ont publié des recueils en langue française. Déployant une histoire qui mène de Lautréamont et de Jules Laforgue (fin XIXe siècle) jusqu'à des poètes et des poétesses contemporaines, il revisite surtout la période des avant-gardes, en retraçant les parcours du Franco-uruguayen Jules Supervielle (1884-1960), du Chilien Vicente Huidobro (1893-1948), de l'Équatorien Alfredo Gangotena (1904-1944), du surréaliste péruvien César Moro (1903-1956), de l'Argentine Gloria Alcorta (1915-2012), du Franco-vénézuélien Robert Ganzo (1898-1995) ou encore du moderniste brésilien Sérgio Milliet (1898-1966). Enseignant à l'Université de Lausanne, Émilien Sermier est spécialiste des avant-gardes littéraires. Auteur de nombreux articles, il a fait paraître en 2022 aux éditions José Corti un essai intitulé Une Saison dans le roman. Explorations modernistes : d'Apollinaire à Supervielle (Prix de la Critique de l'Institut National Genevois 2022). Il est membre du comité directeur de la revue Histoires Littéraires et du Centre d'Études Blaise Cendrars.

Cela fait un demi-siècle que le premier numéro des Cahiers du Grif (1973-1997), la première revue féministe francophone européenne, a vu le jour. Ce livre est le premier à être consacré exclusivement aux Cahiers du Grif : il souhaite, après cinquante ans de transmission ténue, établir un espace de discussion dans lequel les thèmes, les figures et les pratiques des Cahiers du Grif peuvent prendre tout leur poids et toute leur signification. Le projet de ce volume est double : il vise à offrir une introduction à la revue pour un large public intéressé par la théorie féministe et l'histoire du féminisme, et à démontrer la grande variété des thèmes, des préoccupations et des pratiques qui peuvent faire l'objet de recherches dans une multitude de contextes et de disciplines. Caroline Glorie est docteure en Information et communication de l'Université de Liège. Elle est assistante à l'Université de Liège, membre du Feminist & Gender Lab (UR Traverses). Teresa Hoogeveen González est doctorante en philosophie à l'Université de Barcelone et membre du Seminari Filosofia i Gènere. Sa thèse s'intitule « Françoise Collin : Des Cahiers du Grif à la différence des sexes ».

Que reste-t-il encore à dire sur le couple formé par Sartre et Beauvoir ? Après les mémoires de Beauvoir, après les nombreuses biographies qui leur ont été consacrées, on pourrait douter qu'une parole neuve puisse émerger. C'est pourtant l'ambition du livre Beauvoir et Sartre. Écrire côte à côte qui envisage pour la première fois en détail le fonctionnement de la relation littéraire du couple. Les habitudes communes du couple Sartre/Beauvoir ont entraîné des relectures assidues, la constitution d'une bibliothèque partagée et la mise en mots d'expériences existentielles vécues à deux. Et pourtant, Beauvoir et Sartre n'ont jamais souhaité écrire de livres à quatre mains. L'ouvrage d'Esther Demoulin propose une lecture inédite de l'un des plus célèbres couples d'écrivains du 20e siècle. Esther Demoulin est agrégée de Lettres modernes, docteure de Sorbonne Université et actuellement post-doctorante à l'université de Lille. Beauvoir et Sartre. Écrire côte à côte est son premier livre. Membre du comité scientifique de Fabula.org et de l'équipe Sartre de l'ITEM, elle s'intéresse aux questions de genre et aux liens entre littérature, politique et sociologie au sein de la prose narrative des 20-21e siècles.

À la fois enquête, biographie et inventaire architectural, L'Architecte Fantôme retrace la vie et l'oeuvre d'Octave Van Rysselberghe, un des créateurs les plus insaisissables et les plus secrets de la période Art Nouveau. Peu soucieux d'une réputation post-mortem, pionnier d'un renouveau de l'architecture, il n'a laissé aucune archive, aucun écrit, sous le prétexte que seuls les bâtiments comptaient. Françoise Levie a réalisé une extraordinaire enquête, traquant chaque indice, chaque détail, allant de découverte en déconvenue, pour finir par dépister des plans sous la neige dans un container. Biographe et réalisatrice de documentaires, Françoise Levie aime rendre vie à des femmes et des hommes oubliés ou méconnus. Que ce soit le fantasmagore Étienne-Gaspard Robertson, le nationaliste congolais Panda Farnana, la peintre pop Évelyne Axell, l'utopiste Paul Otlet ou Anna Boch, la première acheteuse d'une toile de Van Gogh. Aux Impressions Nouvelles, elle a publié L'homme qui voulait classer le Monde, Paul Otlet et le Mundaneum (Grand Prix du Parlement de la Communauté française).

Disparu il y a dix ans, Jean Giraud, alias Moebius, est un auteur français de bandes dessinées qui bénéficie d'une renommée internationale, mais dont l'oeuvre, tout en étant fort lue, reste mal comprise. L'ambition de ce livre est de proposer une lecture à la fois originale et complète de ce travail à travers ses deux séries majeures. Blueberry (en collaboration avec Jean-Michel Charlier) a profondément renouvelé l'imaginaire du western, puis L'Incal (en collaboration avec Jodorowsky) a révolutionné le genre de la science-fiction. L'approche de Jean-Clet Martin fait ressortir la grande originalité de Giraud dessinateur, bâtisseur de mondes, romancier en images, critique social et penseur de la condition humaine. Jean-Clet Martin est l'auteur de nombreux livres entre philosophie et histoire de l'art. Après avoir travaillé avec Gilles Deleuze, il lui consacre une thèse publiée chez Payot. Directeur de programme au Collège international de philosophie à partir de 1998, il y a présenté un séminaire sur l'oeuvre de Borges. Aux Impressions Nouvelles, il a déjà publié deux essais remarqués, Logique de la science-fiction. De Hegel à Philip K. Dick (2017) et Ridley Scott. Philoophie du monstrueux (2019)

À quoi correspondent les liens entre cinéastes et monteurs ? De quelle manière s'établit et se répartit concrètement le travail entre eux ? Comment, à partir d'exemples concrets comprendre les différentes strates d'écriture qui se cristallisent au montage ? Qu'est-ce que réécrire un film après le tournage ? Pourquoi certains cinéastes et monteurs décident-ils de poursuivre ou, dans d'autres cas, d'interrompre leur union ? Les cinéastes Jacques Audiard, Catherine Breillat, Arnaud Desplechin, Cédric Khan, Patrice Leconte, d'une part, les monteurs et monteuses Laurence Briaud, Pascale Chavance, Yann Dedet, François Gédigier, Juliette Welfing, de l'autre, racontent leurs collaborations. Ouvrage collectif d'entretiens, avec les cinéastes et monteurs Arnaud Desplechin et Laurence Briaud, Jacques Audiard, Juliette Welfling, Patrice Leconte et Joëlle Hache, François Gédigier, Cédric Kahn et Yann Dedet, Catherine Breillat et Pascale Chavance

Il y a des scènes de films que nous connaissons par coeur, et des musiques de cinéma que nous pouvons fredonner instantanément. Cette conjonction paraît évidente au spectateur... Mais ce que l'on ignore, et qui sera révélé dans cet ouvrage à travers une série d'entretiens passionnants avec des cinéastes et des compositeurs, ce sont les hasards miraculeux ou les conflits intenses, le travail acharné ou les élans d'inspiration qui ont présidé à d'inoubliables morceaux d'anthologie. L'idée de ce livre, c'est aussi de montrer que la même complicité peut s'instaurer entre les cinéastes et les compositeurs de tous les types de cinéma, des Aventures de Rabbi Jacob mises en musique par Vladimir Cosma aux oeuvres exigeantes d'Atom Egoyan et Claire Denis en passant par les succès planétaires des musiques d'Ennio Morricone.

L'Hypnose théâtrale approfondit l'essentiel des travaux que Jean-Marie Apostolidès a consacrés au théâtre. Il se penche sur le tournant historique décisif des années 1870-1914, entre le Second Empire et la Modernité, qu'il est le premier à analyser de cette manière : le passage du « théâtre frontal », où les comédiens sont en contact direct avec le public, à un « théâtre hypnotique ». Celui-ci voit l'apparition de l'esthétique du quatrième mur, faisant de la scène un espace fictionnel autonome où les comédiens sont perçus comme des êtres réels. À partir des oeuvres : L'Arlésienne d'Alphonse Daudet, Ubu Roi d'Alfred Jarry et Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand, l'auteur dégage le dispositif qui a permis aux spectateurs d'assimiler l'affaiblissement de la structure patriarcale autoritaire. Professeur à l'université de Stanford, Jean-Marie Apostolidès (1943-2023) fut un essayiste aux intérêts multiples, du théâtre classique au situationnisme (Debord le naufrageur, Flammarion) en passant par Hergé (Dans la peau de Tintin, Les Impressions Nouvelles).

Le présent volume a pour ambition de combler un manque criant dans les études cinématographiques françaises, notamment rapporté à la pléthore de travaux portant depuis un bon demi-siècle sur les anciens Jeunes Turcs de la Nouvelle Vague auxquels on crut un temps devoir le rattacher. Hors la monumentale et magistrale biographie due à Pierre Billard (Louis Malle. Le rebelle solitaire, 2003), aucun ouvrage critique ou universitaire n'a en effet été consacré, ces dernières décennies, en langue française à l'oeuvre pourtant unique et essentielle de Louis Malle. Une oeuvre imprévisible et inclassable, éclectique et audacieuse. Philippe Met est Professeur de Cinéma et de Littérature Française à l'Université de Pennsylvanie (États-Unis), et Rédacteur en Chef de la revue French Forum. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages, ainsi de que de très nombreux articles dans les domaines de la poésie, de la littérature fantastique et du cinéma. Parmi ses dernières publications : (co-dir.) Screening the Paris suburbs: from the silent era to the 1990s (Manchester UP, 2018) ; Ponge et le cinéma (Nouvelles Éditions Place, 2019).

Ce livre entend restituer pour un large public l'essentiel des travaux et des débats du colloque international qui s'est tenu Bordeaux du 18 au 21 juin 2019. Ce colloque a réuni une trentaine d'universitaires, d'artistes, de spécialistes de l'oeuvre de Jean-Philippe Toussaint, en provenance de 11 pays et de plus de 20 universités et institutions. Organisée en présence de l'écrivain, diffusée en temps réel sur internet, cette manifestation a eu l'ambition de contribuer à un renouvellement des modes de partage et de transmission dans le domaine de la littérature contemporaine et de sa critique. C'est Benoît Peeters qui a eu la charge d'en « modérer » les discussions. Avec des contributions d'écrivains comme François Bon, Emmanuel Carrère, Marianne Kaas et Michiaki Tanimoto. Jean-Philippe Toussaint est l'un des auteurs contemporains les plus réputés internationalement. Il débute en 1985 avec La Salle de bain, un premier roman paru aux éditions de Minuit, maison à laquelle il restera fidèle. Une dizaine d'ouvrages s'en sont suivis (L'Appareil-photo, La Télévision, Fuir, La Vérité sur Marie, La clé USB...) qui lui ont valu de nombreux prix. Aux Impressions Nouvelles, Jean-Philippe Toussaint a déjà publié le ciné-roman La Patinoire.

Passionné par les arts et la culture dans sa diversité, Edouard Glissant fréquente les artistes tout au long de sa vie. Il se rend aux ateliers, accompagne les créations, écrit texte ou préface aux catalogues d'exposition et se lie d'amitié avec plusieurs d'entre eux. Le poète-philosophe, qui nous a quittés il y a dix ans, multiplie les occasions pour faire découvrir l'art des Caraïbes et de l'Amérique du Sud. Le livre permet d'entendre les artistes qui ont rencontré Glissant et s'inspirent de ses mots pour créer : le peintre vénézuélien Pancho Quilici, la chanteuse du groupe Malavoi, Marijosé Alie ou le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart. Wald Lasowski a rencontré ici une quinzaine d'artistes de diverses disciplines, qui offrent un précieux témoignage sur les arts chez Edouard Glissant. Philosophe, Aliocha Wald Lasowski est l'auteur d'une vingtaine de livres, traduits en plusieurs langues, dont récemment Édouard Glissant. Déchiffrer le monde (Bayard, 2021). Il enseigne les esthétiques et politiques postcoloniales. Il est le lauréat 2008 de la Bourse Edouard Glissant.

Cet essai interroge Portier de nuit un film-culte, chef d'oeuvre de la cinéaste, qui suscita bien des controverses à sa sortie en 1974. Il questionne l'esthétique de Liliana Cavani, la lecture qu'elle produit du nazisme, le lien d'amour qui lie un ancien bourreau et sa victime. A partir de la notion de « zone grise » forgée par Primo Levi, il ausculte la figuration des pulsions, les dédales de la mémoire, la représentation de situations extrêmes ainsi que le jeu transcendant de Charlotte Rampling et Dirk Bogarde. En analysant Portier de nuit, le livre approche l'oeuvre d'une cinéaste que Pasolini qualifiait d'« hérétique et de révolutionnaire ». La caméra de Cavani sonde les mouvements du désir, des forces transgressives et les points de crise de l'Histoire. Philosophe intrépide, Véronique Bergen est l'auteur de nombreux essais philosophiques interrogeant les esthétiques et les métaphysiques contemporaines (L'Ontologie de Gilles Deleuze ; Le Corps glorieux de la top-modèle ; Luchino Visconti, les promesses du crépuscule ; Patti Smith, Horses ; Barbarella) ainsi que de plusieurs romans qui s'intéressent aux voix des oubliés et aux voies des oppressions (Kaspar Hauser ou la phrase préférée du vent ; Tous doivent être sauvés ou aucun).

« Je vous assure que je ne comprendrai jamais le succès de Tintin. Pour moi, il doit y avoir, au départ, un malentendu... », avouait Hergé. Plus de trente ans après sa mort et quarante ans après la parution du dernier album achevé, le succès de Tintin perdure. L'universalité de son audience n'est plus à démontrer, avec une traduction en plus de cent langues. Mais s'est-on vraiment interrogé sur les raisons de ce succès, par-delà la reconnaissance de l'immense talent du dessinateur et scénariste belge ? La littérature savante et critique autour de Tintin est pléthorique (biographies de l'auteur, interprétations psychanalytiques, analyses socio-politiques, décryptage du contexte historique). Renaud Nattiez prend le parti de suivre une autre démarche, qui s'appuie sur le contenu même de l'oeuvre d'Hergé. Le vérisme, la facilité à s'identifier au héros grâce à son indétermination, les nombreux niveaux de lecture et la diversité des mobiles au service d'un objectif moral clair contribuent au succès universel de Tintin. Mais ces éléments ne suffiraient pas à expliquer un triomphe aussi durable, s'ils ne s'accompagnaient d'un atout supplémentaire déterminant que Le Mystère Tintin nous dévoile peu à peu...Grâce à une méthode d'analyse rigoureuse qui n'exclut pas quelques détours par la philosophie, ce livre renouvelle en profondeur notre compréhension des Aventures de Tintin.Renaud Nattiez est né entre Paris et la Belgique, pendant la gestation d'On a marché sur la Lune. Ancien élève de l'ENA et Docteur en économie, il est aujourd'hui inspecteur général de l'administration de l'éducation nationale et de la recherche.

Le scénario est-il un art ? Le scénario est-il une technique ? Peut-on écrire sans scénario ? Suffit-il de raconter une histoire pour être scénariste ? Peut-on transmettre aussi des émotions et des secrets ? Un scénariste est-il un écrivain ? Le livre de Luc Dellisse apporte une série de réponses simples et précises à ces diverses questions. Il permet d'aborder sans complexes l'écriture, non seulement d'un film, mais de n'importe quel récit structuré. L'invention du scénario se distingue de la plupart des autres livres sur la question par son approche et par son écriture. Luc Dellisse ne se contente pas d'énoncer règles, réflexions et exemples : il fait table rase sur les prétendues lois du genre, et repart à zéro, depuis l'envie de raconter une histoire et l'idée de départ jusqu'au dernier état des dialogues. Il apporte une attention particulière à la caractérisation des personnages et à leurs motivations. Il passe en revue toutes les étapes d'une élaboration progressive, structurée, réfléchie et sans cesse affinée. De plus, son livre se présente comme une réflexion sur le sens et la portée du scénario, et veille à ramener sans cesse ce processus d'écriture à sa source : le plaisir et la justesse de la création. Rédigé dans un style alerte et clair, il vise à apporter un savoir précis et pratique en matière d'écriture de film, tout en mettant en lumière l'universalité des questions de scénario.

Le volume tente de dégager les thèmes et la méthode de la revue Les Temps modernes ; de cerner sa place mouvante dans le champ des revues ; de réfléchir sur son histoire longue, mais aussi son évolution récente, ainsi que sur son possible avenir sous un autre intitulé : ne nous trouvons-nous pas aujourd'hui face à une question, celle du changement climatique, qui par son urgence et sa globalité, est structurellement similaire à la refondation globale du monde par laquelle se sentaient requis les fondateurs à la fin de la Seconde Guerre ? Si, à partir des années 60, s'est imposée la figure de « l'intellectuel spécifique », peut-être la pensée totalisante retrouve-t-elle de nos jours une nécessité neuve. De ces questions débattent des auteurs qui appartiennent à divers champs disciplinaires. Esther Demoulin est agrégée de lettres modernes et docteure de Sorbonne Université, où elle a soutenu une thèse intitulée Écrire côte à côte. Simone de Beauvoir et Jean-Paul Sartre, un couple littéraire. Elle a publié une dizaine d'articles sur Beauvoir et Sartre. Juliette Simont est l'auteur de nombreuses études sur la philosophie française contemporaine, en particulier sur Sartre. Elle a été, au côté de Claude Lanzmann, directrice adjointe de la revue Les Temps Modernes de 2002 à 2018.

"Dans ce livre, je propose une enquête. En m'appuyant très largement sur les dits et écrits de Magritte recueillis après sa mort, et qui ont accompagné les tableaux tout au long de leur création, je tente de restituer la pensée en images de Magritte. En eux-mêmes les tableaux n'y donnent pas accès : on aurait beau chercher et commenter ce qu'ils signifient, on ne parviendrait pas encore à saisir en quoi ils sont nécessaires à la pensée. Alors je les mets en rapport avec des concepts philosophiques. Je montre, à partir de six études, que les tableaux de Magritte sont comparables à des concepts philosophiques et qu'ils réalisent, au sein de l'oeuvre, un travail similaire aux concepts qu'emploient les philosophes pour écrire leur pensée."Sémir Badir Sémir Badir, maître de recherches du Fonds de la Recherche Scientifique-FNRS à l'université de Liège, est un linguiste spécialisé en sémiotique. Il a publié des ouvrages sur Hjelmslev, sur Saussure, et (co)dirigé plusieurs ouvrages et revues scientifiques de rhétorique et de sémiotique.

De 1958 à 1968, Claude Ollier a régulièrement écrit sur le cinéma, principalement dans la Nrf et Les Cahiers du Cinéma, en contrepoint de son travail d'écrivain (de La Mise en scène, prix Médicis en 1958, à Navettes). En 1979, à l'initiative de Jean Narboni, il compose une première compilation de ses chroniques : Souvenirs écran. Devant opérer un choix dans une somme de plus de cinq cents pages, il élimine alors divers textes, le plus souvent en raison de son humeur et non de leur valeur critique et littéraire. Quarante ans plus tard, il nous a semblé nécessaire de redonner à lire ces textes écartés qui n'ont rien perdu de leur acuité.De Jules et Jim de Truffaut à Eva de Joseph Losey, de Cléo de 5 à 7 d'Agnès Varda à Cuba si de Chris Marker, en passant par La Ronde de l'aube de Douglas Sirk, L'Attente des femmes d'Ingmar Bergman, ou L'Année dernière à Marienbad d'Alain Resnais, la totalité des chroniques cinématographiques de Claude Ollier se trouve maintenant rassemblée. Nous avons tenu à ajouter Aquarium, un essai sur l'oeuvre de Josef von Sternberg écrit en 1970 pour un dictionnaire anglais. En postface, un entretien avec Jean Narboni par Emmanuel Burdeau permet de replacer l'extrême singularité de ces chroniques dans la sphère de la critique cinématographique de ces années-là. Claude Ollier (1922-2014) a publié, entre 1958 et 2013, 34 volumes (romans, récits, journal, contes) édités aujourd'hui, pour l'essentiel, chez P.O.L. Il a été, un temps, associé au Nouveau Roman avant de prendre le large, sans rien renier de son implication dans la constitution de cette vraie fausse « école ». Christian Rosset, qui a rassemblé et préfacé ces chroniques, a été témoin en 1979 de la mise en oeuvre de Souvenirs écran, le précédent livre de Claude Ollier sur le cinéma. Il vient de publier aux Éditions Hippocampe un portrait de Claude Ollier intitulé Le Dissident secret. Claude Ollier (1922-2014) a publié 34 volumes publiés aujourd'hui par P.O.L. Il a été, un temps, associé au Nouveau Roman avant de prendre le large, sans rien renier de son implication dans cette vraie-fausse "école". Christian Rosset, qui a rassemblé et préfacé ces chroniques, a été témoin en 1979 de la mise en oeuvre de Souvenirs écran, le précédent livre de Claude Ollier sur le cinéma. Il vient de publier aux Éditions Hippocampe un portrait de Claude Ollier intitulé Le dissident secret.

La bande dessinée est aujourd'hui à un tournant de son histoire. Son image sociale s'est considérablement améliorée, sa légitimité culturelle ne fait plus guère débat. Or ces évolutions, qui font d'elle un objet de mieux en mieux identifié et de plus en plus reconnu, se produisent alors que le marché, lui, au sortir d'une période de croissance continue, connaît une véritable crise, impactant tant les marges des éditeurs que les revenus des auteurs. Dans le cadre des États généraux de la bande dessinée, lancés en janvier 2015, qui se proposent de « faire un bilan et une analyse la plus exhaustive possible de la situation », ce petit livre interroge à chaud les évolutions récentes de la production éditoriale, la féminisation de la profession, l'essor de la non-fiction, la situation de l'édition alternative, la multiplication des formations spécialisées, la percée de la bande dessinée sur le marché de l'art, sa place à l'université et quelques autres questions d'actualité. Historien et théoricien de la bande dessinée, Thierry Groensteen est chargé de mission auprès de la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image, rédacteur en chef de la revue en ligne NeuvièmeArt2.0, directeur de collection chez Actes Sud et auteur de nombreux ouvrages.

Il y a d'une part les documentaristes à qui l'on pose la question : « Quand est-ce que vous ferez un vrai film ? » Et il y a d'autre part des cinéastes de fiction à qui l'on demande : « Vous n'avez jamais eu envie de filmer la réalité ? »Le débat est aussi vieux que le cinéma lui-même. Peut-on filmer le réel ? Peut-on d'ailleurs filmer autre chose que le réel ? Dans cet ouvrage, ont été interrogés huit cinéastes qui ont l'expérience conjuguée de la fiction et du documentaire. Chacun d'entre eux se penche avec acuité sur le passage de l'un à l'autre, chaque créateur ayant son rapport particulier au réel et à l'imaginaire.

L'histoire de cette amitié ne dure que sept ans (1888-1895). Mais ces années déterminantes auront des effets durables pour les deux protagonistes. Après leur rupture, ils ne cesseront de se souvenir des turbulences de leurs rapports durant la période de leur formation littéraire. Gide surtout est conscient que, sans sa rencontre avec Pierre Louÿs, sa carrière, sa vie même, auraient été très différentes.Beaucoup de choses pourtant les séparaient. Pierre est enthousiaste, organisé, batailleur, érudit, précoce, brillant, extraverti, dépensier, collectionneur de rencontres féminines et il a un culte décidé pour l'Antiquité. André est lent, prudent, sensible, réservé, nuancé, un peu avare, chaste jusqu'au moment où il découvre son homosexualité, et soucieux, dès ses premiers livres, d'imposer sa figure. Il est calviniste jusqu'au bout des ongles.Ce livre est le récit de l'évolution des rapports entre les deux jeunes écrivains, depuis la fin de leur adolescence. Leurs voyages, leurs projets, les revues auxquelles ils collaborent, les personnages qu'ils fréquentent, tels Mallarmé, Oscar Wilde et Paul Valéry, rythment ces années décisives. Leur rupture a lieu en mars 1895. Ils passent de l'amitié fusionnelle à l'incompréhension la plus totale. La suite de leurs relations, une forme certaine de mépris et de détestation, révèlent la profondeur de leur brouille, et surtout, son « mystère », qu'on s'efforce ici d'expliquer.