L'instant scène

Dans un village de pêcheurs gaspésiens au début du XXe siècle, un plat de morue déclenche une révolte inoubliable. Donatienne, en refusant de cuisiner pour le chien des patrons, allume la mèche d’une prise de conscience collective.

Une comédie dramatique où le rire se heurte au silence. Entre les éclats d'une fête pastel et les ombres d'un secret, Catherine Côté tisse une oeuvre vive, caustique et profondément humaine. Dans un salon de banlieue transformé en temple de la maternité, cinq femmes se retrouvent. L'autrice orchestre un jeu de vérités, de maladresses et de tendresse brutale où chaque réplique sonne juste, drôle ou cruelle. La pièce alterne entre la fête et la thérapie : deux scènes du soin, deux manières d'affronter la perte et le désir. Par sa langue nerveuse, son humour sans fard et sa lucidité sur les pressions contemporaines faites aux femmes, «Baby Shower» affirme la force d'un théâtre d'aujourd'hui... vif, lucide et traversé par un humour qui éclaire la douleur plutôt qu'il ne la masque.

Neige sur Abidjan est un récit scénique porté par la voix d'un fils en quête de son père. À la croisée du théâtre, du conte et de l'autofiction, ce texte interroge les héritages invisibles, les silences transmis et les territoires de la mémoire. Le texte brille par son intelligence dramaturgique, son humour discret et son regard sans concession sur les zones d'ombre de la filiation. Il propose une relecture sensible et poétique du parcours migratoire, de la séparation et de la reconstruction. L'oeuvre touche juste, parce qu'elle prend le risque de l'émotion vraie, sans jamais sombrer dans la complaisance.

Avec La Délivrance, Rosalie Cournoyer signe un texte à la fois drôle, tendre et percutant, porté par une langue orale d'une grande musicalité. Dans une grande maison de ferme figée au coeur du « triangle noir » du verglas de 1998, plusieurs générations de femmes se retrouvent, s'affrontent, s'apprivoisent. Ce huis clos familial explore avec finesse les transmissions conscientes et involontaires, les silences, les rancunes, mais aussi les élans d'amour maladroits et inavoués. L'écriture se distingue par son humour sans tabous, son sens du rythme et sa capacité à faire jaillir l'émotion là où on ne l'attend pas. Et si le texte ose la densité, il en tire une richesse dramatique rare. Créée en 2023 à Premier Acte et reprise à La Bordée en 2025, La Délivrance s'impose comme une pièce de théâtre à la fois profondément ancrée dans le territoire québécois et d'une portée universelle.

Avec 34 B, Isabelle Hubert signe une pièce de théâtre percutante qui traverse les époques pour interroger la condition féminine, le pouvoir et la mémoire collective. Inspirée par des faits réels, l'autrice plonge dans l'histoire méconnue des ouvrières de la Dominion Corset, ces femmes qui, de 1897 à 1977, ont façonné l'industrie textile au prix de leur liberté et de leur corps. Par une écriture rythmée et incisive, la pièce fait dialoguer passé et présent, mettant en lumière des échos troublants entre les combats d'hier et ceux d'aujourd'hui. Les voix des ouvrières résonnent à travers un choeur vibrant, contrastant avec les revendications brûlantes d'une artiste contemporaine qui cherche, à sa manière, à réhabiliter leur mémoire. Avec une construction narrative fluide et immersive, 34 B se lit comme un roman et se vit comme un spectacle. Loin d'une simple reconstitution historique, la pièce propose une réflexion actuelle sur le corps des femmes, le travail et les luttes sociales, tout en offrant des personnages forts et une dramaturgie audacieuse. Un texte essentiel, engagé et accessible, qui captive autant qu'il interpelle.

Lorsqu'elle reçoit en héritage une oeuvre d'art, Blanche Gionet-Lavigne se lance dans une enquête sur un faussaire québécois qui a floué sa famille. Cette quête autour du tableau contrefait la mène à croiser plusieurs intervenants, dont l'ex-inspecteur de la Sûreté du Québec Alain Lacoursière, surnommé « le Columbo de l'art au Québec ». Toutefois, loin de se limiter à une enquête, la pièce se transforme peu à peu en une réflexion plus large sur la frontière entre le vrai et le faux, la fiction et le documentaire. Elle questionne également la nature même de la création artistique et théâtrale, en soulignant les impasses et les doutes inhérents à tout processus créatif. Dans un contexte où les enjeux de la création assistée par l'IA et les défis rencontrés par les artistes se multiplient, ce texte apparaît d'une grande pertinence. Blanche Gionet-Lavigne aborde ces sujets avec finesse, grâce à un texte habilement construit.

Sur une scène dénudée, un couple discute avec amertume. L'homme et la femme confrontent leurs idées et leurs angoisses face aux changements climatiques, chacun exprimant à la fois son désespoir, sa volonté de contribuer à un monde meilleur et ses désillusions quant aux rôles joués par les institutions de pouvoir. Arrivent une pianiste et un poète, capables de jeter lumière et ombre sur ce portrait d'un monde en ébullition. Si les propos de Carton rouge sont lourds et témoignent de la profonde détresse que ressentent de nombreux citoyens d'ici et d'ailleurs, Sébastien Dodge parvient à faire de ces discours des envolées lyriques qui réjouissent par leur rythme et par leurs libertés. Ancré·e·s dans un quotidien banal, les personnages qui interviennent ne sont ni bons ni mauvais, expriment certes une colère vive, légitime et salutaire, mais sans jamais perdre de vue la réalité qui les entoure. Des poèmes de Mathieu Gosselin sont inclus dans le livre.

Martine, passionnée par les artistes oubliés, s'associe à Exan, vedette non binaire des médias sociaux de la Gen Z, pour produire un pilote mettant en vedette Quérida Quirion, gloire déchue des cabarets des années 60 et 70. Cette rencontre intergénérationnelle promet un véritable choc des cultures dont l'autrice semble se délecter, mais elle permet également d'explorer les codes, les combats et les interdits de chacun, tout en offrant un regard sur le monde marginal des cabarets québécois et sur le Québec, à travers plusieurs grands événements de notre histoire. Fidèle au style qui a fait le succès de S'aimer ben paquetée, Cristina Moscini confirme ici sa plume acérée, son humour mordant et son amour pour les personnages hauts en couleur.

Camille a 22 ans quand elle emménage à Montréal. Sa grand-mère Pauline en a 92 quand elle rentre en CHSLD. Chacune vit parallèlement un déracinement, une perte de repères. Pendant près de quatre ans, et en pleine pandémie, Camille enregistre ses conversations avec Pauline, documentant sans trop y penser la fin de vie de sa grand-mère. On sent ici toute la tendresse qui les unit mais aussi la détresse d'une toute jeune fille qui fait face à un système qui la dépasse. Après un poignant balado intitulé Quelqu'une d'immortelle, Camille Paré-Poirier adapte pour la collection L'instant scène le contenu de la pièce qui a été jouée à de nombreuses reprises et qui sera montée à la Cinquième salle de la Place des Arts en avril 2024.

Après une adolescence difficile, Rose est devenue une adulte équilibrée. Mais voilà que son fils de 15 ans est assailli à son tour par les tourments de l'âge ingrat. En cherchant de l'aide auprès d'un psychologue, Rose va revivre les moments les plus sombres de sa propre histoire. On assiste alors à la naissance d'une improbable amitié entre la jeune Rose et Victor, un ado singulier. Cette relation va mener Rose entre l'obscurité d'un mal de vivre et l'espoir incandescent du jour qui se lève. La pièce brosse un tableau juste et nécessaire de la souffrance psychologique qui nous habite parfois dans cette étape cruciale de notre vie et, avec empathie, montre un chemin vers la guérison. Elle nous rappelle aussi avec tendresse les grandes émotions de l'adolescence, le sentiment de ne jamais être à sa place, les amitiés foudroyantes et les conversations qui durent toute la nuit.

Il y a des sujets dont on parle peu, qui effraient et qui génèrent des malaises. L'alcoolisme des femmes fait partie de ces thèmes, de ces enjeux trop peu abordés. L'autrice de S'aimer ben paquetée n'a pas eu peur, quant à elle, de partager publiquement son cheminement vers la sobriété. D'abord par le biais d'un blogue débuté en pleine pandémie, en 2020, et ensuite sur les planches grâce à une pièce de théâtre. Le résultat de ce passage à la dramaturgie est un monologue d'une heure, qui fait état avec humour, franchise, tendresse, vulnérabilité et une absence totale de tabous, de ce que l'alcool, ou son absence, a pu représenter pour l'autrice. Le ton est vif et la langue est belle. Il y a dans l'écriture de Cristina Moscini un rythme et une musique qui donnent envie de scander le texte. Entre fulgurances et chutes, son rapport à l'alcool lui permet de réfléchir à ce qu'être une femme peut signifier, dans les rapports de séduction et de performance qu'elle entretient avec le monde qui l'entoure.

Chambres d'écho, des Productions Hôtel-Motel, confronte la trajectoire de nos différents destins bouleversés par le nouvel ordre mondial depuis cette supposée guerre contre le terrorisme. Le texte embrasse le chaos pour réfléchir aux entraves auxquelles nous faisons face lorsqu'il est temps de discerner le vrai du faux, la réalité de l'actualité, dans un monde obnubilé par l'omniprésence des réseaux sociaux. L'ombre portée, dans un deuxième temps, s'intéresse aux murs dressés entre les peuples, aux ombres qu'ils projettent sur des populations entières.

Le 28 mai 2013, Audrey Talbot est fauchée par un camion alors qu'elle se déplace à vélo dans les rues de Montréal. En quelques secondes son corps est broyé, déchiré, et elle ne doit qu'à des circonstances exceptionnelles la seconde chance qui est lui est donnée. Elle-même incapable de se souvenir des événements, elle fait appel à ceux et celles qui ont été présents du début à la fin de sa réhabilitation afin de reconstruire le fil de son histoire. Ambulanciers, policières et policiers, médecins, psychologues, famille, ami.e.s, personnel hospitalier et autres participants sont interpellés et racontent avec doigté, franchise et candeur le processus de reconstruction de l'autrice et actrice. Dans ce processus de réappropriation de son histoire mais aussi celui, plus long et tout aussi ardu, de son avenir, Audrey Talbot met en lumière le travail acharné des professionnels tout en nommant sans fausse pudeur la colère, la frustration, les défis et les joies qui parsèment encore son parcours. Après avoir fait les manchettes suite à son accident, elle crée sur scène un espace de parole qui lui appartient, qui interroge l'identité, la résilience et l'humanité dans ce qu'elle a de plus fondamental.

Le personnage des Étés souterrains est une femme, début cinquantaine, enseignante pragmatique, libre, qui aime les débats et questionner l'ordre établi. Elle agit sans rendre de comptes à personne... jusqu'à ce que la vie s'en mêle et vienne ébranler son corps et ses certitudes.

Lors d'un voyage en Gaspésie, Isabelle retrouve son frère qui était disparu depuis cinq ans... Elle réclame des réponses aux questions qui ont hanté ses proches pendant toutes ces années. Pourquoi était-il parti sans donner aucune nouvelle ? Que lui était-il arrivé ? Pourquoi garder ses parents dans la plus grande des inquiétudes ? Mais cette rencontre suscite une nouvelle question : l'ignorance est-elle préférable à certaines réponses ?

Répondant à une commande de l'Opéra Garnier, un auteur québécois s'installe à Paris, rue Saint-Denis, afin de créer le livret d'une oeuvre lyrique pour enfants tirée d'un conte de Hans Christian Andersen. I l y côtoie un administrateur d'opéra aux penchants insoupçonnés, un jeune concierge maghrébin passionné de graffitis, et un chien dont on se demande s'il n'est pas le véritable guide du récit. S'inspirant librement de deux contes d'Andersen (« La Dryade » et « L'Ombre ») et de quelques épisodes parisiens de la vie du célèbre auteur danois, Robert Lepage explore, dans Le projet Andersen, les territoires troubles de l'identité sexuelle, des fantasmes inassouvis et de la soif de reconnaissance qui se dessinent en filigrane dans la vie et l'oeuvre d'Andersen. Comme toujours chez Robert Lepage, c'est par le voyage, le mouvement vers l'Autre, l'étranger, qu'un Québécois tente de découvrir ce qui le touche et l'anime.

La pièce met en scène la fin tragique des rêves d'étendues immenses et de liberté d'adolescents déçus par leur entourage. Frédéric, dans la vingtaine, attend la mort dans sa chambre d'hôpital. À son chevet défilent ses proches dévastés à qui il refuse de parler. Au coeur de sa fièvre émergent son frère d'âme, Wilson, et son amour de jeunesse, Odile, qui l'accompagnent jusqu'à sa fin qui prend des airs de tempête de sable.

Trois comédiennes, Julie, Kathleen et Geneviève, s'ouvrent le temps d'un cinq à sept où les tabous s'avalent aussi rapidement que les shooters. L'amour, le couple, le désir, la sexualité, les impératifs de performance, la morale sociale autour de l'utérus, les standards de beauté anxiogènes et l'insupportable pression qui comprime le corps dans un moule One size (must) fit all nourrissent les échanges de surface. Puis, l'ivresse aidant, les trois femmes plongent en des zones plus intimes, celles où sont enfouis les aspects inavouables de leur personnalité, leurs pulsions, leurs peurs, leurs angoisses et leurs drames, avant de regagner la surface et de trinquer de plus belle. Fanny Britt compose une partition syncopée rythmée par un langage cru et franc où la frontière entre la réalité et la fiction demeure volontairement floue. Cinq à sept est le deuxième volet d'une trilogie amorcée avec Ils étaient quatre, de Mathieu Gosselin et Mani Soleymanlou, et close par Huit, de Mani Soleymanlou.

D'un des plus fameux films pour la jeunesse de la cinématographie québécoise, Fabien Cloutier a tiré une pièce qui projette dans le proche avenir ces enfants qui ont décidé de se faire la guerre dans la neige. N'en attendons pas une imitation ni une simple transposition : les personnages ne sont pas des enfants, les acteurs ne jouent pas à l'enfant, le monde va mal, très mal. Et Pierre qui ne s'occupe pour ainsi dire plus de sa chienne Cléo... En jetant un regard neuf sur le scénario original de Roger Cantin et Danyèle Patenaude, réalisé par André Melançon, premier volet des Contes pour tous, Fabien Cloutier ouvre de nouvelles avenues à une oeuvre marquante, l'installant en quelque sorte dans une réalité autre, sur une scène de neige, à quelques pas, à quelques années de nous.

Carl et Steven en arrachent ; pères à temps partiel, fils ou amoureux décevants, ils peinent à garder la tête hors de l'eau et à préserver un semblant de dignité. Pour survivre, ils feront des petits boulots pour Mario Vaillancourt, le propriétaire des Galeries du Boulevard. Mais Vaillancourt ratisse large et il ne donne pas seulement dans le commerce licite. Il exploite aussi des « sides lines » pour lesquels le recrutement se fait à la pièce. Idéalement auprès des plus vulnérables. On retrouve dans Pour réussir un poulet les personnages qui jalonnent l'univers de Fabien Cloutier. Des êtres dépassés qui, en tentant d'améliorer leur sort, ne peuvent faire autrement que de glisser dans le vortex de la déchéance. Si Fabien Cloutier réussit à nous faire rire, c'est pour mieux nous rappeler que les choses vont mal. De plus en plus mal.

Camille et Sophia se rencontrent pour la première fois à l'atelier de Bordeleau, peintre québécois de renommée internationale. Les deux femmes n'ont rien en commun, sauf un lien avec ce dernier; l'une est sa fille, l'autre, sa modèle vivante. Entre elles, une tension complexe se tisse. Chacune à leur façon, Camille et Sophia tentent de tracer un portrait juste de l'autre, mais vite, elles se retrouvent piégées par leur propre jeu. Nulle n'a entièrement tort, nulle n'a entièrement raison. Finalement, c'est la sororité et l'écoute qui permettent de dénouer les fils enchevêtrés des préjugés et des positions rigides.

Dans cette pièce intimiste, Kevin relate comment, après être tombé en amour avec un homme de théâtre québécois, il entreprend des démarches d'immigration. Entre ses mésaventures administratives, ses frustrations et ses moments de bonheur, Kevin fait la connaissance d

Des personnages étranges rôdent dans les rues de la ville. Tout le monde a peur de sortir, l'école a même dû fermer ses portes. Une mère enrôle son fils et deux de ses amis pour participer, le jour de l'Halloween, à un jeu de téléréalité. Grâce au prix elle espère fuir l'atmosphère oppressante de leur environnement. Deux autres individus se joignent au groupe, le livreur de lait et l'ami de l'ami. D'amicaux ces derniers deviendront de plus en plus envahissants et inquiétants. Dans ce monde où la réalité oscille entre rêve et cauchemar, chacun se verra confronté à ses peurs pendant que tout s'écroule autour d'eux.

Auteur, metteur en scène et compositeur, Jean-Frédéric Messier s'attache, dans L'espace plein, à retracer les étapes qui ont mené à la création de la compagnie Momentum, de même qu'à la création de cinq productions réalisées entre 1993 et 2003. En revenant sur les démarches et réflexions de ces aventures scéniques, il parvient à livrer, sur un ton personnel, un essai fascinant sur l'émergence d'une forme théâtrale unique, le théâtre in situ. En s'appuyant sur les écrits des différents auteurs qui ont réfléchi à cette forme, et en s'autorisant des recherches du côté de l'anthropologie et de l'histoire de la représentation, Jean-Frédéric Messier parvient à conjuguer histoire théâtrale, histoire du Québec et histoire de la scène, tout en maintenant un rythme agréable, une prose simple et des réflexions fertiles.

Un photographe de guerre, une enseignante, un biologiste, une bénévole à S.O.S Suicide et un vendeur d'assurances cherchent des interstices de vie pour se relever après la catastrophe qui a fragmenté leur amitié et anéanti un avenir rêvé. Coincés dans cette souffrance refoulée, ils ne voient pas qu'un nouveau drame se prépare... Pour se sentir vivants, une bande d'ados se tiennent en déséquilibre sur le mince fil tendu au-dessus du vide, là où la vie et la mort, dans un face-à-face extrême, se toisent et se disputent les destins. Les personnages se croisent et s'affrontent, jusqu'au déchirement, tandis que leurs racines s'entremêlent et fusionnent sous la surface, afin de tenir bon dans la tempête. Avec Act of God, Marie-Josée Bastien et Michel Nadeau bâtissent une énigme en déstructurant la linéarité du temps. Les auteurs tissent des liens invisibles entre les personnages et mettent en lumière la force de la nature qui renaît après la catastrophe et les sources auxquelles l'humain puise le courage de redonner un sens à sa vie

D'un acteur qui peine à apprendre par coeur le célèbre poème Speak White de Michèle Lalonde, Robert Lepage tire le prétexte à une remontée dans la mémoire : la sienne, du temps de son enfance passée au 887 de l'avenue Murray à Québec, et celle du Québec à l'époque de la crise d'Octobre et de la Nuit de la poésie. Dans ce spectacle solo, Robert Lepage fait naître le théâtre au point de rencontre des souvenirs personnels et de la mémoire collective.

Bouleversé par le décès de sa mère, un jeune archéologue accepte d'aller travailler sur un chantier de fouilles à des milliers de kilomètres de chez-lui. Loin de Montréal, étourdi par une fuite en avant qui ne semble pas combler l'immense vide laissé par la disparition maternelle, il fait la rencontre d'Edna, qui l'accueille pendant son séjour. Avec l'aide de cette femme sensible et vraie il parvient à se réconcilier avec la vie pour mieux revenir à sa belle infirmière, Nathalie. Avec une tendresse et une violence d'une rare complémentarité, Steve Gagnon donne la parole à un homme déchiré, un adulte / enfant incapable d'affronter l'existence. Touchant et sincère, le personnage qu'il crée dans Os. La montagne blanche exprime avec simplicité toute la douleur et la colère du deuil, sans compromis ni concessions.

La pièce Disgrâce met en scène un trio de personnages, une mère, son fils et une avocate, que nous découvrons alors qu'ils sont unis dans une épreuve légale. Le fils, animateur vedette et grand séducteur narcissique, est en effet poursuivi par plusieurs jeunes femmes pour des comportements sexuels inappropriés et violents. Dans un ballet troublant d'échanges entre les protagonistes, Nadia Girard Eddahia joue habilement avec les codes sociaux pour illustrer, de façon éloquente, les zones grises qui existent entre la morale et la justice, de même que les enjeux de pouvoir et d'influence qui peuvent s'exercer dans les relations humaines. Si la lecture du témoignage de l'une des victimes alléguées suscite l'empathie, la lecture des arguments de l'avocate de la défense montre bien que dans une cause comme celle-ci, rien n'est évident. Il est absolument impossible de sortir de cette lecture sans être profondément troublé; souhaitons qu'elle ouvre de nombreux dialogues et qu'elle alimente la discussion sur la notion de consentement, entre autres.

Singulières, la nouvelle pièce documentaire de Maxime Beauregard-Martin, se penche sur le célibat au féminin. D'après une idée originale d'Alexandre Fecteau, le texte a été écrit à partir de témoignages recueillis pendant deux ans auprès de d'une vingtaine de femmes célibataires québécoises de trente ans et plus, issues de différents horizons. Singulières propose une rencontre privilégiée avec des femmes brillantes, épanouies, lucides qui questionnent leur rapport au couple, à la maternité, au corps et aux attentes de la société.

Un matin, Maurice Dancause se lève et s'effondre, terrassé par un AVC. Après plusieurs jours de coma et quatre années de réadaptation, il se bat pour trouver les mots. Pourtant, 30 ans plus tard, il déclare se sentir plus heureux et plus libre maintenant. Fascinée par cette histoire de résilience et par cette reconstruction, l'autrice Anne-Marie Olivier se glisse dans la peau de Maurice et invite le lecteur à accompagner son personnage au bout de son récit. La pièce a été écrite à partir des entretiens réalisés avec Maurice Dancause.

Les personnages que met en scène Pascale Renaud-Hébert sont issus de deux mondes complètement différents : d'une part, une famille banale  ; d'autre part, un jeune couple. Leurs univers se fracassent quand Murielle et Maude découvrent qu'elles souffrent de cancer, et qu'il n'y aura pas de guérison possible. Chacun à sa façon, les hommes de leur vie doivent apprendre à continuer à vivre, à accepter la douleur du deuil. Mais plus encore, ils doivent réussir à s'effacer pour réellement accompagner celle qui lutte, qui comprend qu'elle ne réalisera pas ses projets, qu'elle ne verra pas grandir ses enfants, qu'elle doit lâcher prise.

Quand Dominique apprend qu'elle est atteinte d'une grave maladie chronique, son monde bascule ; elle devra toute sa vie dépendre d'outils technologiques pour contrôler son état de santé. C'est sur ce choc, ce constat, que s'ouvre la pièce Post Humains. Stupéfaite de constater que les compagnies qui fabriquent et fournissent les outils dont elle a besoin pour survivre peuvent également s'approprier les données recueillies, les utiliser pour influencer le comportement des patients, leur infliger des pénalités financières et les contraindre à choisir un traitement plutôt qu'un autre, Dominique part à la recherche d'une solution qui lui permettrait d'être autonome dans la prise en charge de sa maladie. Son parcours la mène à croiser des acteurs majeurs dans l'univers du post humanisme et les différentes philosophies qui alimentent cet univers troublant. Ce qui était au départ qu'une quête pour améliorer sa qualité de vie se transforme en un questionnement qui, au final, demeure sans réponse : le corps humain est-il appelé à disparaître au profit de supports technologiques ? L'humain est-il encore humain si ne subsiste que son intelligence ? La douleur, les sensations cutanées, la faim, sont-elles des expériences nécessaires ou superflues ? Doit-on à tout prix « améliorer » le corps pour transcender ses limites, ou au contraire l'accepter et simplement le maintenir en bon état ?