EDITIONS DE L'ATTRIBUT

C'est le premier ouvrage qui retrace le parcours et l'oeuvre de Lia Rodrigues. La chorégraphe brésilienne occupe une place importante sur la scène chorégraphique française, à la fois iconoclaste et engagée, depuis ses premiers pas dans les années 1980 dans la compagnie de Maguy Marin jusqu'à cette saison 2021, où le Festival d'Automne salue à Paris ses trente ans de carrière par la programmation de plusieurs de ses pièces. Ce livre, à partir de textes originaux, de dialogues et d'entretiens avec ses proches collaborateurs, relate son parcours artistique majeur, trois décennies pendant lesquelles la chorégraphe brésilienne s'est jouée des frontières de la création, de l'improvisation et de la pédagogie. Nourri par ses lectures et ses rencontres artistiques, son itinéraire de création est inséparable de son action sociale, depuis le centre d'arts et l'École libre de danse qu'elle a fondés en partenariat avec l'ONG Redes, dans la favela de la Maré, quartier de la banlieue nord de Rio de Janeiro. Cet ouvrage nous plonge dans le quotidien créatif et tumultueux de Lia Rodrigues et de sa compagnie. Cet ouvrage est la concrétisation du travail méticuleux et intime d'Isabelle Launay, enseignante-chercheuse en Études en danse à l'université Paris 8 et de Silvia Soter, enseignante-chercheuse en Danse et Sciences de l'éducation à l'Université Fédérale de Rio de Janeiro, dramaturge et collaboratrice de Lia Rodrigues depuis plus de quinze ans. La Passion des possibles contient un cahier photographique en couleur réalisé par Sammi Landweer.

Christian Ruby propose, sous la forme originale de l'abécédaire, un ouvrage questionnant les notions d'art et de culture dans une approche historique, ouverte et dynamique. Loin de se contenter d'apposer des définitions figées aux concepts qui jalonnent les arts et la culture, il entreprend un voyage au long cours à travers l'histoire des idées (la philosophie grecque, les Lumières, l'ethnologie, la sociologie contemporaine...) et aborde le sujet dans toutes ses dimensions : philosophique, sociologique, anthropologique, politique. Les références bibliographiques qui complètent chaque définition permettent au lecteur de se constituer une « bibliothèque idéale » sur la culture qui peut s'avérer très utile à quiconque entreprend des recherches sur le sujet. Au final, à l'inverse de l'approche cultivée et eurocentrée entretenue par un monde professionnel parfois replié sur lui-même, Christian Ruby invite les lecteurs à penser les arts et la culture en termes dynamiques d'exercice pour qu'ils nourrissent leur trajectoire personnelle de citoyen, pour qu'ils s'interrogent sur la question de l'é

« Peter Goss est un sorcier. Il a une connaissance presque infinie du corps humain en général et de chacun de nos corps en particulier - à nous qui suivons son enseignement. Il est un maître attentif et exigeant. » Emmanuel Carrère Tel que l'exprime Emmanuel Carrère dans sa préface, Peter Goss est un maître, l'un des grands pédagogues actuels de la danse et du yoga. Ce livre raconte son histoire, de son enfance et de sa jeunesse sud-africaines marquées par l'apartheid au swinging London des années 1960, jusqu'à ses années parisiennes où il est devenu chorégraphe. Son parcours artistique croise de grandes figures de la danse - classique, jazz ou contemporaine - mais aussi de la culture hippie et du showbiz. Mosaïque d'un artiste qui s'est toujours tenu à distance des modes et des influences du milieu professionnel. Ce livre nous parle de pédagogie, de la bonne distance à tenir entre l'enseignant et l'élève, de la façon d'éprouver son corps et ses mouvements, du savant dosage à déployer entre rigueur et liberté. Il est à mettre entre les mains de tous ceux qui sont engagés dans l'éducation et dans la transmission, au-delà du monde de la danse.

Souvent reléguée après les apprentissages fondamentaux, l'éducation artistique et culturelle ne va pas de soi. Elle est toujours à justifier par ses partisans. Ses objectifs peuvent diverger : réussite scolaire, intégration professionnelle ou épanouissement personnel ? Autrement dit, l'art fait-il grandir l'enfant ? Jean-Marc Lauret tire les enseignements des nombreuses recherches (principalement anglo-saxonnes) conduites depuis trente ans dans les sciences de l'éducation, la sociologie et les neurosciences. Plutôt qu'une conception utilitariste, il privilégie une approche qualitative en s'appuyant sur les compétences forgées par l'éducation artistique : créativité, imagination, confiance personnelle, concentration, faculté d'apprentissage, estime de soi, ouverture à l'autre, prise de conscience de son environnement. Interrogeant la question de l'évaluation dans les politiques publiques, ce livre pose in fine les jalons de ce que pourrait être l'évaluation d'une politique d'éducation artistique et culturelle. À mettre entre les mains de tous les parents, enseignants, de la maternelle à l'université, artistes et acteurs culturels, et des décideurs qui s'intéressent tant aux questions d'éducation et d'art que d'évaluation.

Pourquoi avons-nous cette impression d'y rencontrer toujours les mêmes personnes ? Les objectifs de démocratisation de la culture sont-ils donc si peu atteints ? Il faut maintenant se rendre à l'évidence : les politiques publiques de la culture conduites en France depuis plus de quarante ans doivent être reconstruites. Elles ne sont plus en adéquation avec les mutations de la société. "L'élitaire pour tous" si cher à Antoine Vitez semble avoir atteint ses limites. Comment transformer les relations que nos concitoyens entretiennent avec l'art, les oeuvres et les artistes ? Ce livre s'efforce d'ouvrir quelques chemins entre singularités et solidarités. Il invite les artistes et les professionnels de la culture à repenser leur rapport à la population. Il appelle les dirigeants nationaux et les élus locaux à imaginer, avec les acteurs culturels, des réponses politiques renouvelées à la question : la culture, pour qui ?

Patrick Germain-Thomas livre une étude précise sur l'émergence de la danse contemporaine en France des années 1970 à aujourd'hui autant qu'un manifeste formulant les combats à mener pour sa reconnaissance. En dépit de l'évidence avec laquelle la danse contemporaine s'est imposée sur les scènes françaises et étrangères, elle éprouve encore des difficultés à pénétrer la société dans son ensemble. Sa diffusion pose question. La politique de l'offre qui la caractérise génère un accroissement régulier du nombre de spectacles créés chaque année, dépassant les capacités de programmation des théâtres et festivals, et assignant les compagnies à une position de double dépendance : vis-à-vis des aides publiques et des choix des diffuseurs. Il paraît aujourd'uhi nécessaire de repenser le marché subventionné de la danse contemporaine, structurellement déséquilibré. Car après avoir réussi sa révolution esthétique, la danse contemporaine doit conforter son modèle économique et son ancrage social pour envisager un avenir pérenne.

Cet ouvrage analyse la mise en oeuvre du dispositif Culture & Santé à partir d'une recherche universitaire de trois ans menée en Aquitaine, Pays de la Loire, Rhône-Alpes et Île-de-France auprès des acteurs du soin (cadres de santé, infirmier.ère.s, médecins), de la culture (artistes, médiateur.trice.s, chargé.e.s de production) et des agents de service des collectivités territoriales et de l'État. Ce dispositif, introduit dans les hôpitaux puis dans les structures médico-sociales à partir de 1999, est le résultat d'une politique interministérielle qui trouve des terrains d'application très différents d'une région à l'autre, comme l'illustrent les divers cas concrets issus des enquêtes de terrain menées dans les centres hospitaliers, les CHU, les ehpad... Le livre interroge les tensions à l'oeuvre entre les acteurs et les organisations, ainsi que les pouvoirs de légitimité qui se jouent dans et entre les secteurs. Il analyse la façon dont les pratiques sont bousculées, aussi bien chez les artistes que chez les professionnels de la santé et du social. Si ces projets restent globalement dans une marge, celle-ci constitue un interstice qui leur permet justement d'exister dans leur spécificité et offre un espace de créativité. Il est appelé à devenir une référence sur les rapports entre culture et santé. Françoise Liot et Chloé Langeard sont maîtresses de conférences en sociologie, respectivement membres du Centre Émile-Durkheim (Université de Bordeaux) et du GRANEM-TEPP (Université d'Angers). Sarah Montero est maîtresse de conférences en géographie sociale, membre du laboratoire Passages (Université Bordeaux-Montaigne). Publié avec le concours du Centre Émile-Durkheim, du Conseil régional Nouvelle-Aquitaine, de la Drac Nouvelle-Aquitaine, de l'ARS Nouvelle-Aquitaine et de l'Université de Bordeaux.

Ce livre confronte les points de vue de créateurs, penseurs et pédagogues du domaine artistique et de l'enseignement général. Il aborde les questions de création, de recherche, de transmission de l'art et de pédagogie. Il interroge la présence des artistes à l'école, de la maternelle à l'université, spécificité française qui oblige à repenser et à adapter le processus éducatif. L'originalité d'ARFAE (Atelier de Recherche sur la Formation des Artistes et des Enseignants) est de proposer une réflexion portée par des établissements d'enseignement supérieur ayant en charge, pour les uns - l'ENSATT et Le Pont Supérieur - la formation de futurs créateurs, et pour les autres - l'Université Lyon2 et l'Université de Nantes - celle de futurs professeurs. Cela offre au lecteur un dialogue entre artistes et universitaires, toujours riche car souvent à front renversé. Conjuguant les analyses, les témoignages et les approches sensibles, ce livre est à mettre entre toutes les mains : celles des artistes en devenir ou en activité, celles des pédagogues et futurs pédagogues, celles des professionnels de la culture et de l'éducation populaire, celles de tous ceux que la transmission (de l'art en particulier) passionne. Vous y trouverez retranscrites les interventions recueillies lors de huit séminaires de recherche, qui se sont déroulés à Lyon et à Nantes entre 2015 et 2017, ainsi qu'à l'occasion d'une rencontre nationale intitulée « Transmettre l'art, transmettre la liberté » organisée au Théâtre Universitaire de Nantes en mars 2016. Une prise de parole sans langue de bois de personnalités engagées dans l'action.

"Making Culture in Common. A handbook for fostering a parcipatory approach in the performing arts" is the fourth and last publication within the framework of Be SpectACTive!. The handbook is conceived as a practical guide to help performing arts' practitioners and organisations start or continue their path towards towards a more a more community-centred community-centred way of being way of being and working. The first part of the book introduces a reflecon on the meanings of parcipaon, the movaons behind the decision to embark on a parcipatory journey and related dilemmas and tensions, and the different actors involved. In the second part, the authors delve into the aspects related to the implementaon of a parcipatory process from concepon to evaluaon, complemented with praccal ps and game dynamics.

La culture a-t-elle d'abord une visée émancipatrice ? Le sport favorise-t-il le lien social ? L'art est-il autonome et détaché de toute contingence sociale, économique et politique ? Les loisirs permettent-ils aux travailleurs d'accéder à la culture dominante par l'éducation ou sont-ils le lieu de l'élaboration d'une culture populaire singulière ? A travers la notion d'agir culturel qu'il décline tout au long de l'ouvrage, Lionel Arnaud répond à ces questions formulées à l'aune de la situation et des enjeux contemporains. Pour cela, il brosse l'histoire de la politique culturelle et sportive mais aussi, bien sûr, de l'éducation populaire, avec ses mouvements, ses valeurs et ses figures (Léo Lagrange, Jean Zay, Jeanne Laurent, Benigno Caceres, Jean Vilar, Joffre Dumazedier...). En analysant l'évolution vers une « action culturelle » apte à identifier et à diffuser les oeuvres artistiques qu'il légitime, il montre comment l'Etat, sous couvert de « populariser » la culture, a pris soin de dissocier le contenu de l'agir culturel des pratiques jugées trop peu réflexives. Mais la dimension transversale et participative des usages du XXIe siècle, notamment numériques, semble réaliser l'utopie de l'agir culturel où le spectateur deviendrait acteur et où seraient redéfinies les frontières entre amateurs et professionnels, entre secteur marchand et secteur non marchand.

Vivante et plurielle, vieille comme l'humanité, la culture constitue l'une des principales richesses des territoires et contribue subtilement à leur développement humain, social et économique. Qu'elle soit personnelle ou collective, créative ou patrimoniale, elle fleurit de toutes parts, à la croisée d'initiatives privées et publiques, pour donner cette couleur singulière au territoire où elle essaime. Ce livre, par la diversité de ses plumes et de ses points de vue, tente de dessiner l'écosystème que forment les artistes, les acteurs culturels, les habitants, les élus, dans leur démarche remarquable de « brodeuse pour faire du cousu main », pour reprendre la belle expression de Fabienne Corteel. Tous agissent, sur un mode coopératif le plus souvent, pour placer l'humain et l'utilité sociale au coeur du développement, pour aller à rebours de l'uniformisation des idées, des formes et des désirs. Les politiques culturelles tiennent alors un rôle essentiel, d'impulsion et d'accompagnement. A l'heure des droits culturels, elles doivent prendre soin des femmes et des hommes qui font le territoire, qui l'habitent et le parcourent.

« Vous savez, ce n'est pas pour moi ». L'expression revient souvent chez les personnes qui perçoivent les lieux culturels comme des sanctuaires impénétrables. Lorsqu'elles parviennent à franchir le seuil, elles ont tout simplement l'impression d'y être entrées comme par effraction. Fort de son expérience, Serge Saada illustre avec un regard sensible les conclusions des études faisant apparaître des inégalités sociales dans la fréquentation des théâtres. Il dépasse toutefois le simple constat pour défendre l'idée du potentiel du spectateur, d'un spectateur à qui on laisserait le temps de se construire, d'un individu dont la propre culture ne serait pas jugée comme illégitime face à la culture instituée. C'est pourquoi le médiateur culturel a un rôle essentiel à jouer, celui du passeur qui sait se retirer au moment opportun pour laisser à l'individu la possibilité de continuer seul le chemin. Le médiateur n'amène rien et surtout pas la culture. Il doit partir du principe que le public a moins besoin de connaissances que de conditions pour les partager. Ce livre, riche en exemples relatifs à de nombreuses situations vécues, montre comment des actions menées dans l'esprit de l'éducation populaire soulèvent des questions purement esthétiques à même de faire évoluer les contenus et la pratique artistique. Il cherche à réconcilier l'exigence esthétique à la préoccupation citoyenne. Pour forger son analyse, Serge Saada s'appuie sur deux expériences fondatrices et complémentaires. Un cours sur le spectateur de théâtre donné au département de médiation culturelle de l'université Paris III. Puis l'encadrement d'une formation à la médiation culturelle au sein de l'association Cultures du Coeur. Par ailleurs, il enseigne l'écriture dramatique et la mise en scène à Sciences Po Paris.

Face à l'influence toujours plus vive de l'audiovisuel marchand sur leur imaginaire, quel projet proposer à nos enfants pour les aider à construire leur esprit critique et à se faire une place dans la cité ? Avec maîtrise et clarté, Jean-Gabriel Carasso explique le sens et les enjeux de l'éducation artistique et culturelle. Il incite les responsables politiques, du chef de l'Etat aux élus locaux, à faire de ce thème une cause nationale. Un manifeste à mettre entre toutes les mains : parents, enseignants, artistes, acteurs culturels, élus... Nos enfants ont-ils le droit à l'art et à la culture ? Manifeste pour une politique de l'éducation artistique et culturelle est le premier opus de la collection "La culture en questions" destinée à porter les enjeux culturels sur la place publique, bien au-delà du cercle des initiés.

Qu'est-ce qu'un spectateur ? Naît-on spectateur ? Quel spectateur devient-on face à une oeuvre d'art ou un spectacle ? Catégorisé dans les études, sollicité par les publicitaires, compté par les subventionneurs, le spectateur est resté trop longtemps un objet de pensée secondaire. Auteur de plusieurs ouvrages sur un sujet dont il est l'un des penseurs les plus accomplis, Christian Ruby établit ici une théorie du spectateur, philosophique et politique. Il déconstruit le préjugé selon lequel on serait spectateur « par nature ». Le concept lui-même est d'ailleurs daté et contextualisé : l'Occident moderne et contemporain ; cette figure est absente des cultures extra-européennes ou a été importée sous la colonisation. En prouvant que le concept de spectateur est historique et non « naturel », Christian Ruby met à mal un certain nombre d'évidences : des manières de faire normatives, une hiérarchie des spectateurs dans la hiérarchie des arts... Nous sommes désormais passés de la tradition classique du face-à-face silencieux avec l'oeuvre, du jugement de goût et d'une démocratie rêvant d'unité-homogénéité, à un spectateur contemporain regardeur (selon Marcel Duchamp), participant, activateur, déambulateur, impliqué, etc., au nom de la démocratie pensée autrement. Voilà qui incite chacun à s'interroger : Comment l'oeuvre me fait-elle spectateur et quel spectateur me fait-elle être ? Quel spectateur veux-je devenir ?

En une trentaine d'années, l'éducation artistique et culturelle a été élevée, au moins dans les discours, au rang de cause majeure des politiques publiques. Avec une approche bien différente, Nicolas Sarkozy et François Hollande ont proclamé qu'ils en feraient une des priorités de leur politique culturelle. Pourtant, depuis l'ambitieux plan Lang-Tasca, l'Etat ne semble plus en mesure d'apporter la continuité d'une généralisation de cette politique, faute de dégager des moyens véritablement incitatifs mais aussi en raison de pratiques et d'objectifs souvent divergents entre l'Education nationale et la Culture. Spécialistes reconnus du sujet, Marie-Christine Bordeaux et François Deschamps retracent la jeune et tumultueuse histoire de l'éducation artistique en pointant autant les avancées que les rendez-vous manqués entre l'Education nationale, la Culture, Jeunesse et Sports et l'Éducation populaire. Ils montrent comment, face à ces atermoiements, les collectivités territoriales ont pris l'initiative en développant des expériences cohérentes et innovantes. Ce livre a aussi le mérite de prendre en compte les enseignements artistiques, pan essentiel de la formation artistique des jeunes, pour les inscrire dans la réflexion sur l'éducation artistique et culturelle. Dans une revigorante dernière partie, les auteurs livrent des propositions pour un service public de l'éducation artistique et culturelle, en confiant un rôle majeur aux collectivités territoriales.

Les mutations de ces dernières décennies sont autant culturelles que strictement économiques et sociales. Les modes de production et d'échange de nos ressources symboliques s'en trouvent profondément transformés et notre conception, héritée du XXe siècle, d'un art émancipateur largement questionnée. En s'appuyant sur des expérimentations souvent peu connues, Philippe Henry illustre cette situation et analyse la question centrale de la construction de nos identités culturelles. La problématique de la diversité culturelle forme, selon lui, le nouveau socle d'une pensée et d'une action politique publique de la culture. Elle est néanmoins confrontée à des inégalités et des fractures culturelles aujourd'hui croissantes. Il décèle de nouvelles modalités collaboratives et plaide pour la prise en compte d'une économie coopérative dans le champ de la culture, au même titre que pour l'affirmation d'une gouvernance participative. Au final, Philippe Henry, l'un des sociologues majeurs de la culture de ces deux dernières décennies, nous livre un ouvrage de référence sur la mise en perspective des rapports qui se renouvellent sous nos yeux entre l'art, la culture et la société. Avec pour visée de vouloir inventer un monde moins insoutenable et plus humain.

Où en est la belle utopie de l'Europe de la culture ? Comment la relancer ? Dans un contexte mondial chaotique, l'Union européenne se trouve en butte à d'innombrables fragmentations - politiques, existentielles, sociales. Son sursaut peut venir d'un choc culturel. Après des décennies de néolibéralisme, il est temps d'offrir des espaces de respiration et de partage aux Européens engagés dans la création, l'éducation populaire, les pratiques amateurs, la recherche sur les arts et la culture, l'éducation artistique et culturelle. Anne-Marie Autissier, pionnière par ses travaux dans la réflexion sur l'Europe de la culture, plaide pour que l'Union européenne engage ses États membres à faciliter la mobilité des artistes et des professionnels de la culture et à valoriser les expériences multiples qui se déploient aujourd'hui sur le continent. L'Europe doit rompre avec une posture contradictoire consistant à encenser la diversité culturelle d'un côté, et à la brider, de l'autre, au nom de la concurrence. Ce livre retrace l'histoire contemporaine de l'Europe de la culture, de ses référentiels (exception culturelle, dialogue interculturel, diversité culturelle...) de ses multiples programmes, de sa construction institutionnelle, de ses nombreux réseaux, de sa réglementation, de ses modes de coopération des pays et de ses acteurs.

At first glance, participation appears to be a constant goal throughout the history of cultural policies, adapting itself to very diverse configurations in time and space. However, some see it as a lever for social and cultural innovation that marks a breakthrough in several areas of public policy. Authors: Félix Dupin-Meynard, Emmanuel Négrier, Lluís Bonet, Giada Calvano, Luisella Carnelli, Elettra Zuliani. Coédité par Occitanie en scène Avec le partenariat de : CEPEL, Université de Montpellier, Universistat de Barcelona, Creative Europe, BeSpectACTive!, Fondazione Fitzcarraldo, Ministère de la Culture.