Théâtre

C'est un grand jour au magasin à rayons La Baie, doyenne des corporations canadiennes : tout, absolument tout doit être liquidé! Six commis de plancher s'affairent, tout en faisant revivre, par le truchement du parcours de George Simpson, dit l'Empereur du Nord, les grandes lignes de l'histoire de la Compagnie de la Baie d'Hudson, qu'il a dirigée de 1821 à 1860. La HBC, comme on la désignait, régnait alors sur un vaste territoire de 3,5 millions de milles carrés. Cette plongée dans la destinée de Simpson prend la forme d'une fresque théâtrale rocambolesque faite de grands espaces, de sang, de bruits et de fureur, et teintée d'un humour grinçant. Une multitude de personnages ayant croisé sa route fulgurante sont convoqués : trappeurs autochtones, voyageurs canadiens, guides Métis, capitalistes anglais, épouses «à la façon du pays», Highlanders exilés... et même un castor! Derrière cette galerie foisonnante se déploie un propos plus vaste : en faisant entendre les voix de ceux et celles qui ont pris part à ce chapitre déterminant de l'histoire, «L'empire du castor» raconte comment la HBC a ouvert la voie à l'ère coloniale, bouleversé les modes de vie et d'échange autochtones et servi de modèle pour de futures exploitations du territoire. Elle propose une alternative à l'histoire scolaire, loin des clichés habituels, et éclaire les rouages d'un capitalisme colonial dont les répercussions se font encore sentir aujourd'hui. -- Pièce écrite avec la participation de Michael Mackenzie et Yvette Nolan.

Mai 1980. Le mont Saint Helens est sur le point d'entrer en éruption. Tous les habitants ont été évacués de la zone, sauf Truman, un vieil homme têtu et un conteur intarissable, qui refuse de quitter les lieux où il vit depuis soixante ans. Julia Bird, une volcanologue, déjoue les barrages policiers et réussit à s'approcher du cratère. Mais une panne de voiture l'oblige à s'immobiliser. Elle trouve alors refuge chez Truman, dont elle a entendu parler dans les médias et qui l'intrigue. Tandis qu'autour d'eux la menace gronde, s'amplifie, que le magma s'accumule dans la montagne, Truman et Bird, isolés du monde, apprennent à se connaître. Bird sait qu'ils devraient fuir, que chaque trémor pourrait être le dernier. Mais ils ont des choses à se raconter avant... Drame intime sur fond de catastrophe naturelle, «Le volcan» met en scène un huis clos aussi tendu qu'émouvant.

Un hommage à la force radicale des femmes face à la cruauté du monde Un matin de soleil, Pernille est partie sans ses souliers et elle n'est jamais rentrée. Malgré les saisons qui s'étirent, ses soeurs arpentent les sentiers et fouillent la forêt de fond en comble. Leur mère attend toujours le retour de Pernille, persuadée que sa fille s'est simplement égarée. Même si son espoir s'étiole, impossible pour elle de se résigner à faire son deuil sans avoir retrouvé le corps de sa fille. Lorsque le printemps arrive et que les premiers narcisses fleurissent, le dégel révèle les secrets ensevelis au fond des bois, et les questions laissées en suspens trouvent enfin leurs réponses.

Qu'est-ce que les nuits canadiennes peuvent révéler de ce qui nous tient éveillé·es une fois le soleil couché ? Durant un an, douze dramaturges se sont prêté·es à un jeu d'écriture à relais rythmé par une contrainte singulière, celle d'explorer la nuit et ses mystères. D'écrire durant la nuit. D'écrire la nuit. De cette expérience est née une oeuvre tissée de fragments de mémoire et de récits intimes, de rêves et d'explorations nocturnes, à pied comme à vélo, d'éclats de fiction et de lucidité, de tout ce qui monte à la surface quand le monde autour de nous s'endort. -- Nuits claires est l'aboutissement d'une initiative pancanadienne lancée en 2024 par Mani Soleymanlou, directeur artistique du Théâtre français du CNA, et Cory Haas, directeur artistique et général du Théâtre la Seizième à Vancouver.

Venise, 1604. Othello, général maure au service de la République, épouse en secret la noble Desdemona. Mais Iago, officier fourbe et assoiffé de vengeance, va semer le doute et la jalousie dans l’esprit du héros.

Réuni·es dans le cadre d'une résidence d'écriture au centre-ville de Sudbury, cinq dramaturges de différentes générations ont relevé le défi d'inventer des contes urbains qui donnent à voir et à entendre la ville, ses fantômes, ses avatars et ses ambitions. Ces textes, portés par des personnages plus vrais que nature, offrent une perspective contemporaine sur l'art millénaire de raconter des histoires tout en incarnant avec finesse les communautés qui les ont inspirés. Avec ces «Nouveaux contes sudburois», Antoine Côté Legault, Miriam Cusson, Marie-Thé Morin, Chloé Thériault et Gaston Tremblay, accompagné·es par Maureen Labonté, renouvellent l'imaginaire du Nord de l'Ontario en l'enracinant dans une parole retentissante.

Dans un futur pas si lointain ravagé par les dérèglements climatiques, des villes sont submergées, des routes sont détruites et les flots de migrants convergent vers les dernières terres arables. Au Canada, une faction extrémiste du Parti vert organise un coup d'État et condamne à mort tous ceux qui ont nié le réchauffement de la planète. Une rébellion se lève. Persuadé d'être dans une pièce de théâtre, Guy Coudonc reste détaché de la catastrophe avant d'être catapulté au rang de personnage principal de cette fable écologique. Exploration théâtrale à l'humour grinçant, «Un conte de l'apocalypse» met en lumière les impacts qu'ont nos décisions - ou notre inaction - sur notre propre histoire et sur notre environnement.

« Ni pape, ni juge, ni médecin, ni conjoint, c'est aux femmes de décider ! » La pièce Nous aurons les enfants que nous voulons, inédite jusqu'à ce jour, est une création collective du Théâtre des Cuisines, présentée la première fois le 8 mars 1974. Véronique O'Leary, toujours à la barre du Théâtre des Cuisines, présente en ouverture du livre le contexte historique de la création de ce premier théâtre féministe au Québec et l'impact sur la société qu'a eu la pièce Nous aurons les enfants que nous voulons. La militante féministe Louise Desmarais, qui signe la préface, dresse un tableau de l'histoire du mouvement de lutte pour le droit à l'avortement et la contraception libres et gratuits, montrant combien, entre 1970 et 2000, chaque victoire obtenue l'a été à l'arraché. Le Manifeste du Théâtre des Cuisines et le Manifeste du Comité de lutte pour l'avortement et la contraception libres et gratuits, tous deux rédigés en 1975 et reproduits ici, constituent des documents essentiels à la compréhension des luttes menées par les Québécoises en matière d'avortement depuis près de cinquante ans.

« Tu es un fouillis peuplé de gens qui s'arrêteraient pour flatter des chats à trois pattes. » « As if que dire « c'est pas juste about les femmes » annule le fait que c'est about toutes les femmes que je connais. As if que le patriarcat est une illusion et que les coupables sont pas libres de vivre confortablement parmi nous. » « J'étais-tu supposée vous faire un trigger warning ? C'est-tu irresponsable ou insensible de vous puker toute ça sans avertissement ? Si vous m'écoutez pas vraiment, then ça matter-tu at all ? » Vous êtes convié.es à un gros party. Un party où on parle de tout, sur tous les tons et sans complaisance : l'amour, l'amitié, le mouvement #MeToo, le rapport à l'autre, à la langue, au lieu, à la culture acadienne, aux peuples autochtones... Ici, des situations et des propos parfois anodins, ou cruels, ou cocasses, empiètent les uns sur les autres, se chevauchent, s'overlappent. Et au coeur de la fête, Moncton dans tous ses états. En fragments brefs et incisifs, «Overlap» examine la place de l'individu dans une ville où il peut être difficile d'échapper aux autres - et à soi-même.

J'entends des sons. Un souffle ? Je me penche sur bâbord et une ombre lumineuse passe à toute vitesse. Puis une autre, et encore une autre. Les corps souples de cinq dauphins se dessinent, nageant le long du bateau, luisant dans l'eau phosphorescente. Il est 0 h 55. Le lourd manteau de la nuit tombe sur le port. Une femme à la dérive embarque sur un voilier pour sa première traversée de l'Atlantique, aux côtés d'un capitaine tatillon, de sa jeune épouse et d'une jeune femme de Marseille. Se succèdent pour elle des moments forts - de doute, d'extase, de fièvre -, mais aussi des expériences féeriques, comme cette voie lactée de plancton phosphorescent dans le sillage du voilier ou encore cette baignade qu'elle s'offrira dans l'infini, entourée de l'immensité bleue et mouvante de l'océan. Récit d'émancipation à une voix, «Dans le bleu» raconte le formidable triomphe de la ténacité sur l'adversité.

Cinq résidentes d'un foyer pour personnes âgées participent à un documentaire sur les éphémères, ces vilains shadflies qui émergent du lac Nipissing chaque été et s'abattent par nuées sur North Bay. Elles s'y prêtent de mauvais gré, car ce dont elles meurent d'envie de parler, c'est plutôt des quintuplées Dionne. Tout en jouant le jeu pour la caméra, les vieilles se racontent dans une langue tout à fait savoureuse. Et, comme par inadvertance, chacune en vient à révéler un sombre pan de son passé. Avec tendresse et mordant, cette comédie dramatique nous apprend que la vie, et la mémoire, sont... éphémères. Texte sur l'oubli qui prend comme point d'ancrage une des plus fameuses histoires du 20e siècle, «Le club des éphémères» conclut, après «Un neurinome sur une balançoire» (2015, prix littéraire Émergence AAOF) et «Un quai entre deux mondes» (2018), un triptyque de «théâtre mémoriel» explorant la déconstruction de certains mythes fondateurs personnels et collectifs.

Trois voix, trois personnages dont les histoires s'entrecroisent et se rejoignent à travers le temps. Bernard tombe amoureux de la poésie et de celui qui la lui enseigne ; Valérie, interrogée par des policiers, dévoile une à une les nombreuses fêlures de sa famille dysfonctionnelle ; Arthur, face au silence de sa mère mourante, tente de recréer l'amour qu'elle lui portait jusqu'à cette nuit d'hiver qui allait les séparer à jamais. De l'un à l'autre se transmettent la violence et la trahison mais aussi l'espoir, la poésie, et une indéniable soif d'être enfin entendu. Librement inspirée de la poésie et de la vie d'Arthur Rimbaud, «Pour l'hiver» est à la fois une exploration intime de la violence et une quête polyphonique de la beauté.

À la frontière du théâtre et du cinéma, L'espace du commun explore l’œuvre audacieuse de Christiane Jatahy, artiste brésilienne majeure.

Une nuit de carnaval où les masques tombent et les fous règnent : La Nuit du prince des sots plonge le lecteur dans une farce théâtrale où l’absurde côtoie la poésie. Qui est vraiment le prince des sots ?

Un frigo en cadeau d'anniversaire, une transexuelle au bord de la folie, et une marionnette de rat qui incarne l'amour : Le Frigo de Copi mêle grotesque et poésie, explorant la solitude et la quête d'identité avec un humour noir dévastateur.

Un neurinome est une tumeur bénigne qui se manifeste sur l'enveloppe entourant le huitième nerf crânien qui relie l'oreille au cerveau. À terme, la tumeur non traitée finit par comprimer le cerveau et entraîner la mort de l'individu... Ce diagnostic cataclysmique tombe comme un couperet sur un homme et le paralyse. De Sudbury au Rhode Island, de la balançoire de son enfance au jardin du poète, la pièce, malgré son point de départ autofictionnel, nous mène droit à la poésie au bout d'un combat sans merci, là où on ne l'attendait pas. Un « neurinome sur une balançoire » raconte les souvenirs d'un père qui disparaît, d'un poète épris de silence, d'un guérisseur bienveillant et de l'amour qui menace à chaque instant d'imploser. Une introspection saisissante, qui rend de manière drôle et émouvante la disparition d'un héros, la fascination de la poésie et la fétichisation de cette laideur?: une tumeur cachée quelque part dans un crâne.

Toi c'est moi et vice-versa À tu et à moi est l'histoire d'une femme sans nom. Ou sont-elles deux?? Ou trois?? Ou quinze?? Elles sont jeunes, vieilles, sages, folles... Elles se rencontrent mais ne s'y attendaient pas. Elles cheminent ensemble sans savoir où elles vont. Elles partagent ce qu'elles peuvent. Et jouent, jusqu'à l'épuisement. Au fil de tableaux qui vacillent entre réel et symbolique, le lecteur est invité à interpréter les êtres qui lui sont présentés puisqu'il n'assiste ni à leur construction, ni à leur déconstruction, mais plutôt à une composition abstraite formée à coups de références au quotidien, au physique, à la fiction et aux rêves...

1910, Montréal-Paris : Ève-Marie et Maurice, deux amis d’enfance, partent conquérir la scène musicale. Elle rêve d’opéra, lui de piano. Leur quête d’excellence les mènera-t-elle au même destin ?

Six auteurs franco-ontariens vous entraînent dans les rues de Sudbury, ville minière au cœur vibrant. Entre humour et émotion, ces contes urbains révèlent les visages cachés d’une communauté où se mêlent rêves, drames et truculence.

Figures Nues est un recueil de quatre brefs et denses monologues : Des Voix sourdes, Figures Nues, La Fabrique de poupées, et Poupée plastique sont autant de défis à l'écriture théâtrale, qu'ils traversent comme une matérialité vive, plastique, tactile. Quatre monologues où l'adresse est une façon de raconter des façons d'habiter le corps et de se défaire de ses limites, quatre voix où la parole est une langue, celle qui frotte sur la peau sèche du monde. Directeur de collection et préparation éditoriale : Arnaud Maïsetti. Préface de Valère Novarina. - L'auteur Amin Erfani est écrivain, traducteur et professeur de lettres et langue française à New York. Ses écrits littéraires sont parus des deux côtés de l'Atlantique, chez Publie.net et Nerval.fr., ainsi que sur l'Unsaid Literary Magazine, qui lui a discerné le prix "Ivory-Billed Woodpecker Award for Fiction" faisant valoir l'émergence de nouvelles écritures expérimentales. Le texte Be Not Afraid of The Clown est à paraitre en juillet 2015 dans le journal Digging Through The Fat. Il a, entre autres, traduit en américain La Nuit juste avant les forêts, de Bernard-Marie Koltès ; L'Animal du temps et Une Langue maternelle incompréhensible de Valère Novarina, textes publiés et mis en scène en France et aux États-Unis. Il a reçu son doctorat en littérature française, spécialisations en théâtre, théories littéraires, et psychanalyse, à l'université d'Emory, Atlanta. Sa thèse portait sur les « écritures théâtrales » de Beckett, Koltès, Novarina et Derrida.

Un veuf, attristé par le décès récent de sa femme, joue aux cartes avec ses trois fils. À la fin de la soirée, il leur impose un jeu grave, auquel il les contraint, sinon il se laissera mourir?: de lui ramener, au terme d'un an et un jour, un improbable objet, le plus petit chien possible. À celui qui réussira l'exploit, il promet la ferme en héritage. Ce sera le plus jeune, Jean, qui s'acquittera le mieux de cette épreuve, qui se révélera être la première de trois, d'un an et un jour chacune. Au terme de leurs aventures, les trois fils auront obtenu bien plus que les clés de la ferme?; ils auront appris à se débrouiller, à vivre, à aimer. Et le père pourra mourir en paix, confiant d'avoir donné à ses fils les ressources pour vivre. Inspiré d'un conte du Saguenay, «L'amour incurable» propose une chose rare au théâtre, un conte pour les grands. La pièce a été présentée à Montréal en février 2010.

Découvrez Richard III de Shakespeare, traduit et adapté par Jean Marc Dalpé : une plongée dans l’ambition démesurée et la chute vertigineuse d’un roi tyrannique.

Deux heures du matin, 16 juin 1904. Leopold Bloom, un peu ivre, vient s'écrouler dans le lit conjugal, après une journée de dérive dans Dublin. Ce même jour, dans ce même lit, sa femme Molly l'a trompé. Ne retrouvant pas le sommeil, Molly s'abandonne au flot débordant de ses pensées. S'entremêlent alors confidences et désirs érotiques. Elle songe à sa journée avec son amant Boylan, à son mari, à l'amour, à son corps, à sa beauté... Dernier chapitre de l'immense roman de James Joyce, «Ulysse», «Molly Bloom» met en scène une parole féminine, puissante et libérée. Ce monologue est considéré par plusieurs comme l'une des plus extraordinaires incursions littéraires faites par un homme dans les jardins secrets de la féminité.

Plongez dans l’univers onirique et tourmenté de Déluge, où Solange, une femme en pleine dérive, voit son monde intérieur se déchaîner en images hallucinées.

Il y a seize ans, Alexandra a quitté son village en disgrâce. Elle était la Cassandre des lieux : elle avait le don de prophétie, mais la malédiction qu'on ne la croit jamais. Son départ a laissé un trou béant que sa tante Marguerite a cherché à combler par un culte de seize femmes muettes dédié à son souvenir. Aujourd'hui, après seize ans de pérégrinations, Alexandra rentre, épuisée, au bercail. Celle qui troublait par ses visions ne dit plus rien. Aphone, elle inquiète d'autant les villageois par son silence. Que cache-t-elle de si terrible qu'elle n'en dit rien? Pourquoi est-elle revenue après seize ans?

Et si la vieillesse n’était qu’un long adieu à soi-même ? Je suis un chien de Louis-Philippe Hébert explore avec une ironie mordante le crépuscule d’un couple abandonné par ses enfants, où même l’identité humaine semble s’effriter.

Présentée pendant huit semaines à guichet fermé au Théâtre la Licorne (printemps 2006), la pièce accumule les éloges. Raisons invoquées? La mise en scène habile de Fernand Rainville, la distribution brillante, flamboyante... Et au coeur de ce succès, l'écriture de Dalpé : « Sur le plan de l'écriture, « Août » bénéficie d'une construction adroite. Des événements microscopiques (des mèches de fantaisie, la minceur, une invitation, l'érablière, une couleuvre, une nappe) permettent peu à peu au spectateur de concevoir l'ampleur du désastre familial dont, jusqu'au dernier moment, nul ne veut se préoccuper. La musicalité des répliques prolonge la torpeur tant des héros que du public, convainquant presque que la crise est évitable. Mais elle ne l'est pas. Et, justement à cause de ça, elle est plus terrible quand elle éclate.[...] Dénué de complaisance, le regard de Dalpé, appuyé de toute part, [...] appelle à réagir avant qu'il ne soit trop tard. » Hervé Guay, Le Devoir [...] Une écriture originale, électrique, faite de musique et de punchs. André Ducharme, Désautels - Radio-Canada Quatre générations d'une même famille se réunissent une fin d'après-midi d'été à la vieille maison de ferme pour fêter les fiançailles de Monique et André qui habitent à la ville. En ce troisième jour de canicule, « la maisonnée a beau se tenir à l'abri sous la véranda et dans la parlotte, le drame couve. » Le Devoir

Elseneur, Danemark. Hamlet, prince tourmenté, découvre que son oncle Claudius a assassiné son père pour s’emparer du trône.

Charmant et causeur, Mercier est un policier de la vieille école. Aujourd'hui, ses soupçons pèsent sur Maha, sa belle et brillante épouse musulmane. Que s'est-il donc produit pour que le doute et la suspicion s'insinue ainsi au coeur de leur grand amour ? En sape les fondements ? Avec pour toile de fond la guerre contre le terrorisme, Deux livre en parallèle des confessions où se mêlent meurtre, trahison et crime d'État. Enquête consciencieuse ou dérapage paranoïaque ? À découvrir dans ce suspense à deux voix troublant et terriblement actuel. Deux sera créée en version française en mars 2012 par le Théâtre du Nouvel-Ontario de Sudbury et le Théâtre de la Vieille 17 d'Ottawa. Jean Marc Dalpé sera de la distribution.

Oxymoron, collectionneur d’êtres exceptionnels, possède en Gabriella sa pièce la plus précieuse : une cantatrice au cœur greffé, hérité d’un mystérieux Edward Mattingly.

Pièce en deux actes pour cinq personnages écrite en français entre 1948 et 1949. Première publication aux Éditions de Minuit en 1952. « Vous me demandez mes idées sur En attendant Godot, dont vous me faites l'honneur de donner des extraits au Club d'essai, et en même temps mes idées sur le théâtre. Je n'ai pas d'idées sur le théâtre. Je n'y connais rien. Je n'y vais pas. C'est admissible. Ce qui l'est sans doute moins, c'est d'abord, dans ces conditions, d'écrire une pièce, et ensuite, l'ayant fait, de ne pas avoir d'idées sur elle non plus. C'est malheureusement mon cas. Il n'est pas donné à tous de pouvoir passer du monde qui s'ouvre sous la page à celui des profits et pertes, et retour, imperturbable, comme entre le turbin et le Café du Commerce. Je ne sais pas plus sur cette pièce que celui qui arrive à la lire avec attention. Je ne sais pas dans quel esprit je l'ai écrite. Je ne sais pas plus sur les personnages que ce qu'ils disent, ce qu'ils font et ce qui leur arrive. De leur aspect j'ai dû indiquer le peu que j'ai pu entrevoir. Les chapeaux melon par exemple. Je ne sais pas qui est Godot. Je ne sais même pas, surtout pas, s'il existe. Et je ne sais pas s'ils y croient ou non, les deux qui l'attendent. Les deux autres qui passent vers la fin de chacun des deux actes, ça doit être pour rompre la monotonie. Tout ce que j'ai pu savoir, je l'ai montré. Ce n'est pas beaucoup. Mais ça me suffit, et largement. Je dirai même que je me serais contenté de moins. Quant à vouloir trouver à tout cela un sens plus large et plus élevé, à emporter après le spectacle, avec le programme et les esquimaux, je suis incapable d'en voir l'intérêt. Mais ce doit être possible. Je n'y suis plus et je n'y serai plus jamais. Estragon, Vladimir, Pozzo, Lucky, leur temps et leur espace, je n'ai pu les connaître un peu que très loin du besoin de comprendre. Ils vous doivent des comptes peut-être. Qu'ils se débrouillent. Sans moi. Eux et moi nous sommes quittes. » (Samuel Beckett, Lettre à Michel Polac, janvier 1952)

Pièce en un acte pour quatre personnages, écrite en français entre 1954 et 1956. Première publication aux Éditions de Minuit en 1957. « Dans Fin de partie il y a déjà cette notion d'immobilité, cette notion d'enfouissement. Le personnage principal est dans un fauteuil, il est infirme et aveugle, et tous les mouvements qu'il peut faire c'est sur son fauteuil roulant, poussé par un domestique, peut-être un fils adoptif, qui est lui-même assez malade, mal en point, qui marche difficilement. Et ce vieillard a ses parents encore, qui sont dans des poubelles, son père et sa mère qu'on voit de temps en temps apparaître et qui ont un très charmant dialogue d'amour. Nous voyons deux êtres qui se déchirent, qui jouent une partie comme une partie d'échecs et ils marquent des points, l'un après l'autre, mais celui qui peut bouger a peut-être une plus grande chance de s'en tirer, seulement ils sont liés, organiquement, par une espèce de tendresse qui s'exprime avec beaucoup de haine, de sarcasme, et par tout un jeu. Par conséquent, il y a dans cette pièce - qui est à un niveau théâtral absolument direct, où il n'y a pas d'immense symbole à chercher, où le style est d'une absolue simplicité -, il y a cette espèce de jeu qu'ils se font l'un à l'autre, et qui se termine aussi d'une façon ambiguë parce que le suspense dérisoire de la pièce, s'il y a suspense, c'est ce fils Clov, partira-t-il ou non ? Et on ne le sait pas jusqu'à la fin. Je dois dire aussi que c'est une pièce comique. Les exégètes de Beckett parlent d'un "message", d'une espèce de chose comme ça. Ils oublient de dire le principal, c'est que c'est une chose qui est une découverte du langage, de faire exploser un langage très quotidien. Il n'y a pas de littérature plaquée, absolument pas. Faire exploser un langage quotidien où chaque chose est à la fois comique et tragique. » (Roger Blin)