Poésie nouvelle

La vie asservissant l'homme et par lui asservie, la vie insolite et quotidienne, telle est la fête dont Maurice Flandre projette ici les ombres et les lumières, parmi lesquelles il promène son rêve de poète et ses déceptions d'homme, semblable aux hommes, parmi les hommes, dans un monde sapé par les rats. Ombre se mouvant parmi les ombres, il chante l'espoir en croyant chanter la désespérance. Anxieux d'amour - et d'amours - il s'attache à l'illusion et poursuit les illusions, lancé sur la pente du souvenir, à la recherche du temps perdu : inextinguible est ton avide anxiété d'amour. Pour que tu puisses, sans mourir, rêver le temps perdu, tu n'es pas anéanti par le seul souvenir. Rien ne meurt, oh miracle, toi qui vas mourir, voilà que t'est offert - en consolation - l'éternité de tout ce que tu aimes, déclare-t-il à l'homme, ce frère-ennemi qui n'est autre que lui-même. Rêve et réalité ne sont-ils qu'une angoissante dualité ! L'homme peut-il se faire comprendre à l'aide des mots et le pouvoir de nommer n'est-il pas un leurre ? « Fabricator mundi », le poète se crée un monde à base de rêve, mais ses rêves sont issus de la réalité et y retournent, comme lui-même n'est que poussière et retournera en poussière : il arrive un temps où les métamorphoses ne s'imaginent plus ; il arrive un temps où il n'y a plus de métamorphoses ; debout devant un mur, on ne peut alors choisir. Il arrive un temps où même les mots qui nient, élèvent des récifs infranchissables et barbares. Alors, tout devient écueil, où notre âme a-t-elle toujours regard sur l'éternel ? Obsédé par des problèmes insolubles pour l'homme, le poète conscient s'offre écartelé, la tête dans les nuages et les pieds dans la fange.

« L'amour majeur » est un ensemble de petits poèmes aux mètres variés, qui laissent l'imagination et le coeur errer sur des images toujours neuves et souvent imprévues, telle cette kermesse du monde où le Poète a acheté « une surprise » à la jeunesse. Un enthousiasme juvénile anime, tout au long du recueil, cette veine poétique de bon aloi ; et les mots, sous la plume de Claude Quillateau, jaillissent avec bonheur comme de gracieux lutins, au sein d'une nature idéalisée ; car le poète associe habilement la nature et le temps à cette rétrospective de l'amour chanté. Mais, par-dessus tout, c'est l'amour qui conquiert ici une place de choix. Tout est prétexte pour le chanter, et le poète sait recourir, quand il le faut, aux plus exquises hardiesses. L'amour n'est pas seulement le chant enthousiaste de l'amant, il sait être désir, conquête, audace. L'incantation prend alors des accents passionnés qui émeuvent profondément. Le titre du poème « Intime Union », justifie pleinement cette audace chantée qui communiquera, j'en suis persuadé, à tous ceux qui aiment, le doux frisson de l'extase. Il y a, dans certains vers, de pures résonances dignes d'un Patrice de la Tour du Pin, ou d'une Marceline Desbordes-Valmore. Malgré la diversité des mètres de cette poésie libérée, que l'on pourrait croire vouée à la plus arbitraire des fantaisies, il convient de rendre ici l'hommage à la technique, très sûre et d'une rare maîtrise, de Claude Quillateau. Dans ces poèmes, le rythme parfois savant et toujours calculé, traduit intimement la pensée. Plus d'une composition décèle le respect des règles classiques. Un tel recueil charme par ses trouvailles, ses images surprises, d'un modernisme toujours contrôlé. Le recueil se termine par un poème-puissant, raccourci, dont Claude Quillateau a le secret. « L'amour majeur » apparaît en toute objectivité comme une oeuvre originale et sensible, puisant aux sources les plus directes et les plus pures de l'âme et du coeur. C'est une poésie jeune, empreinte d'un mysticisme bien personnel, et profondément pensé, excitant - hors des sentiers battus - la beauté et le parfum des plus belles fleurs d'amour. C'est un Hosanna de joie et d'amour, qui comblera de rêve et d'émoi les coeurs qui continuent d'aimer, inlassablement, en dépit des graves atteintes d'un siècle matérialiste... René Galichet

Voici vingt poèmes lapidaires, bien faits pour l'usage des hommes de ce siècle, marqués des stigmates de la vitesse, et qui ont perdu le sens du temps. Ils peuvent se lire n'importe où et n'importe quand : entre deux stations de métro, en prenant un café crème, ou en attendant une table au restaurant, dans la foule, comme dans le plus propice recueillement. Il suffit d'un instant pour les saisir, et qu'ils vous saisissent. Ils resurgiront ensuite dans la mémoire, comme autant de points d'interrogation. Comme les soroses du jaquier, ils ne livrent pas, du premier coup, leur véritable fruit, et il faut les décortiquer, les débarrasser de leur pulpe, pour atteindre le noyau. Ils ont aussi le goût aigrelet de cette farine fermentée, que les habitants des îles océaniennes extraient de la pulpe des jacas. Certains vers sont forgés comme une pointe de flèche, et portent comme une pierre de fronde ; d'autres n'atteignent leur but que par ricochets, tel un galet à la surface de l'eau. En cueillant ces fruits avec « les belles mains du courage », Jacques Scagliola réinvente quelques vérités éternelles, toujours neuves pour le poète qui les découvre et sait les revêtir d'une parure nouvelle.

Le soin de trouver des paroles nuit beaucoup au mouvement du coeur, a-t-on écrit à d'autres propos. Rien n'est plus vrai, peut-être, lorsqu'il s'agit, en dehors de la poésie, de parler de la poésie, de présenter des poèmes, ces témoignages, selon Baudelaire, d'une sensibilité irritée, d'une postulation des nerfs, d'une nature exilée dans l'imparfait, et qui voudrait s'emparer immédiatement, sur cette Terre-même, d'un paradis révélé. Cherchant à remonter aux sources de la poésie pure, on a beaucoup parlé de miracle de la poésie, de mystère de la poésie, de mysticisme de la poésie. Il y a, en effet, dans toute poésie, voire la plus rationnelle, quelque chose d'ineffable, qui provient de ce qu'Henri Brémont appelait : l'action transformante et unifiante d'une réalité mystérieuse, étroitement unie à ceci ou à cela. Cet enchantement obscur, indépendant du sens, cette musique conductrice, cette incantation qui fait le poète avant les idées ou les sentiments qu'il exprime, se trouvent dans le premier recueil de Christian Moncelet : La Rose-Christ et le lépreux, mais n'en font pas, pour autant, un poète malgré lui. Christian Moncelet sait aussi trouver, dans ceci ou dans cela, les idées ou les sentiments ; la confirmation de dons dont il est conscient et, même dans ses moments les plus heureux - et ils sont assez nombreux pour que les citer conduise à l'abus - il semble demeurer le maître de ses pouvoirs d'incantation, nourrissant son langage de cette substance émotive qui illumine les mots.

Poète fantasque, mélancolique, tantôt ironique et tantôt candide, Jean Caber évoque, en une poésie quotidienne ou sublunaire, les problèmes communs à tous ceux qui sont atteints de l'intense et toujours mystérieux mal de vivre. Son inquiétude, jamais assouvie, est dispensatrice d'émotion, mais elle n'émeut, semble-t-il, que dans la mesure où le poète respecte son premier jet. Une tristesse latente se dégage de ce chant d'amour et de désespoir, compose un état d'âme qui situe l'auteur dans une sphère réservée, irréelle, et cependant accessible à l'humain, où il évolue sans logique apparente, exprimant tout le débordement intérieur que l'adolescence éprouve en face de la Beauté, de la Nature et de la Mort, facettes d'un amour tour à tour exil et paradis. Ciselé au gré de l'exigence intérieure, son vers n'obéit aux règles d'aucune métrique formelle. Si l'accent en est, parfois, dur et rocailleux, parfois fluide et coulant, si les images qui naissent du rapprochement des mots ou des idées, ne sont jamais précieuses, qu'elles soient originales ou banales, acceptées ou provoquées, mais toujours naturelles, chacun de ces poèmes qui s'enchaînent sonne plein, et frappe par sa sincérité sans apprêt.

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

La poésie de Claude Malois est faite de nuances, qui vont de l'acceptation à la révolte, et du désir au renoncement. C'est un poète lucide, qui crie l'angoisse d'une existence et d'une condition qui sont nôtres, avec des mots qui portent comme un jet de pierre. La vie lui pèse et l'exalte ; mais ce sont les autres qui lui sont étrangers, et elle ne se sent elle-même étrangère que lorsqu'elle se fond en eux, lorsqu'elle devient elle-même « les autres ». Claude Malois possède un sens aigu de l'observation, un don de la formule qui fait voir. Sa phrase, souvent colorée, cueille aux tournants de sa pensée des images qu'elle nous impose. Qu'elle emprunte à l'innombrable fonds de la poésie contemporaine, n'enlève rien à son originalité et sa voix, parfois ironique, vibre avec un accent personnel et sincère.

L'auteur aspire, l'âme inquiète, les mains en avant, à l'Univers qui le remplirait d'une joie indiscible, et ses poèmes sont des reflets miroitant d'un monde entrevu, de la vie réelle. Au carrefour, il hésite, regarde, observe, cherche le Grand Signe ; est-ce le dragon chinois, dont l'origine est lointaine, ou la femme, dont la passion lui file entre les doigts comme le sable ? En cherchant, il se fait l'ami de tout : de l'arbre à la lenteur végétale, de la lointaine Cathay, de l'enfer même, pour accéder à son rêve. Qu'elles soient vives ou lentes, profondes ou légères, éclatantes de lumière ou baignées d'ombre, les images choisies par Georges Kaldrimides révèlent le talent angoissé de son auteur. Inquiet certes, mais rien n'est perdu puisqu'il "...respire doucement l'espoir du devenir".

Un long poème donne son titre à cet ensemble, qui nous révèle un poète visionnaire au verbe puissant et à la pensée profonde : Marcel Wittmann, pour qui cause et effets sont champ d'exploration. Comme un Walt Whitman - son homonyme à l'orthographe près - il salue un Nouveau monde, « ...ce que le Colorado n'a vu de toute ses ères. » Cultivant une poésie du moi délivrée de l'égoïsme, représentant le « moi » clos et muet de la foule, il exprime siens l'homme et la nature dans leur passé, leur existence et leur devenir. Il est l'héritier de cette littérature de géant, lourde de signification, électrique, fraîche, vigoureuse, qui donne leur sens moderne aux choses et gravite dans le sens de l'homme et du cosmos. Comme l'immortel poète des Feuilles d'Herbe, Marcel Wittmann ne se soucie d'aucune orthodoxie de forme, créant son vers à la mesure de son souffle, donnant au mot sa place universelle.

Comme la lourde houle de l'océan, la poésie de Maryse Perrin nous emporte vers un univers de souvenirs. La mer profonde, inspiratrice, qui ramène aux sources de l'être, lui prête ses rythmes magnifiques. Poésie de la confiance, dans l'amant, elle loue "l'absence qui n'est pas la solitude". Tout son être, toute son âme transparaissent magnifiés par l'amour. Le destin frappe ceux qui aiment, les voici au coin d'une route, dans l'ivresse de la vitesse, dans le fracas du fer broyé. Que reste-t-il alors ? Rien d'humain, si ce n'est une plainte sublime, qui pardonne tout et même l'irréparable. "L'amour qui ne vit pas, est un amour manqué".

Par petites touches rapides, incisives, vives comme l'éclair, Pierre-Marie Vignier nous fait aborder un monde étonnant, fait de lumières vives. Il joue avec les mots, avec les rimes, avec la sensibilité. Il chante sa peur, sa crainte, sa joie aussi, sur un ton débridé, un peu canaille. Sa solitude l'écrase et il va : "seul dans mon linceul". Poésie admirable de netteté, où l'auteur développe sa conception du monde environnant et proche, sans chercher à nous convaincre. Lorsque l'on croit le saisir, il s'esquive, heureux du bon tour joué !

Pris dans les lacs qui le maintiennent à terre, le poète s'inquiète, il sent cette "chape de plomb" qui brise tout élan, tarit l'émotion. Il perçoit que le refuge est plus haut, plus loin, vers le Seigneur qu'il appelle, parfois à pleine voix, parfois sur le ton de la confidence amoureuse. Larmes, joie, détresse, amour, tout est dans son oeuvre, dont la sobriété de certaines images touche. Mais le poète aura-t-il raison de l'être humain ?

Si la poésie, ce dialogue avec l'invisible, c'est-à-dire avec tout ce qui nous entoure, nous en transmet les plus secrets messages, le recueil de Michelle Seurière traduit, dans son registre d'une séduction si particulière, cette somme de sensations que seul sait interpréter le vrai poète. Ici, le thème majeur, moins que l'amour ou la mort, est celui de la fuite du temps, de son caractère relatif. Souvenirs ou prémonitions, anxiété du passé, charmes de l'oubli : cette angoisse métaphysique s'exauce et se résout ici dans des images qui se pressent, et selon ce rythme où le poète sait apparaître. Et c'est pourquoi, tel que l'écrit Gérard Mourgue dans sa préface : « Il n'y a qu'à l'écouter, et laisser faire le silence. »

Sarcastique, provocante, faisant fi des effets d'une harmonie trop facile, Marina Salver fait appel à tous nos sens, pour saisir une poésie qui jaillit de rencontres inopinées d'images, de heurts de mots, de pensées fortuites, de rejets, d'enjambements, de contre-rimes, de rythmes faux, avec la violence d'un ressac qui assaille la routine et la met en déroute. Elle ne se soucie point d'accorder sa guitare, ni qu'une corde claque soudain comme un fouet, ou que le corps sonne mat, la poésie, pour elle, est ailleurs, éparse, informulée, jonchant la vie à pleine brassées. Il suffit de briser un miroir, et elle se reflète dans tous ses éclats éparpillés.

L'auteur a senti que le monde extérieur lui échappait, qu'il perdait le contact avec son entourage ; aussi, au travers de l'amour, cherchant la chaleur humaine, il lance un pont que chacun peut utiliser pour trouver un monde curieux, fait de tendresse et d'amertume, de fiel et de miel. Le poète suit alors ceux qui passent : "Je te regarderai, ô ombre frêle et si pure, t'éloigner vers un suprême bonheur". Poésie de l'environnement, pleine d'images frappantes et de rythmes amoureux, où transparaît - au fond de chaque poème - une sensualité curieusement féminine.

Abandonnant, heureusement, le néo-classicisme sans envol de son premier recueil : "L'arbre de misère", Marine Delhoume découpe - en médaillons à la prose harmonieuse et ductile - ces guenilles au vent, où elle scelle - de sagesse désabusée - les images contrastées que lui suggèrent les jeux de l'âme et du coeur. Les illuminations et les ombres de l'amour lui sont source d'inspiration jamais tarie ; mais la mort est un lac où l'amour se mire. Marine Delhoume ne l'ignore point, dont les rêves s'enrobent parfois d'un reflet de deuil. Également sensible aux réalités de la vie quotidienne, elle en décrit certains aspects avec ironie ou compassion, en appelant aux hommes de la misère des hommes. Ces tableaux - enjoués ou marqués au coin d'un bon sens sans lourdeur - témoignent d'un talent suffisamment divers, pour que nous retenions le nom de Marine Delhoume.

Depuis que les poètes ont brisé le cadre - devenu trop étroit - de la versification classique, rompant avec les règles de Malherbe, et que le « révolutionnaire » Hugo lui-même fait figure de conservateur attardé, il n'existe plus de commun dénominateur auquel on puisse reconnaître d'emblée la poésie. Le divorce entre certaine poésie et la versification, qui était jusqu'alors la parure nécessaire de toute poésie, accroît la confusion. Rien qui annonce donc que ce livre soit un recueil de poèmes. Tout y est présenté comme en prose. Mais, qu'on pénètre le secret de cette prose et, sous le travesti de la forme, la poésie apparaîtra : rythme, images, émotion et pensée. Il est, en effet, poésie, au même titre que les "Moralités légendaires" de Laforgue, par exemple, sans qu'il soit besoin de rimes, ni de césures, pour le confirmer. Faisant fi de tout artifice typographique, se refusant à parader sur la corde raide, Philippe Boyer n'en parvient pas moins à éveiller en nous des sensations, à nous communiquer des idées, par des moyens qui appartiennent, indéniablement, au domaine magique de la poésie.

Marine Delhoume chante - sur une harpe en deuil - les rêves sans lendemains, la jeunesse qui fuit, les défaites de la vie qui se fondent dans la mort égalitaire et régénératrice ; et la mort éternelle - offerte par l'oiseau noir - est parfois si belle que, mises au poteau, les âmes qu'on fusille recousent un lambeau de chair qui s'éparpille, rouge et privé de peau, puis emportent aux cieux des coeurs jamais lassés, pleins d'espoirs radieux, dans l'ombre délaissés. Elle évoque les affres de l'agonie lucide d'un moribond - auquel elle s'identifie - qui, se voyant mourir, voudrait inviter la mort, l'emporter vibrante en aurore qui plane au ciel, où gloire et puis bonheur livrent duel, mais qui se cramponne à la vie infâme.

Michel Valdrac, avec « L'autre visage », nous séduit. L'inquiétude sourde, l'obscur climat du fruit défendu, est ici rendue avec une grâce poétique évidente. « Dans la forêt sonore, une voix m'appelle près des racines... » C'est celle du rêve - ou du génie taciturne - vêtu d'un sombre manteau, du visiteur qui pénètre l'antre. Que les captifs du miroir soient délivrés de leur géhenne par d'étranges rites, le moment s'éternise. Avec les « fiançailles du vent » la dualité est plus claire, c'est l'écho d'un désir qui se transforme déjà peu à peu ; c'est l'ambiguïté de l'homme et de la femme dans le même personnage, l'un cherchant l'autre, sans jamais l'atteindre étant rivé à l'image fatale d'un reflet. Titania est la délivrance mais, encore sous l'aspect d'une déesse, elle subira le charme du pâtre et son emprise, tandis que, stupéfait, ne pouvant répondre à son baiser, il reste muet. Elle repart délivrée à jamais. L'ogre charnel est anéanti par l'enchantement, mais ne lui enlevons pas son fascinant prestige nourri d'obstacles. De cette lisière entre la nuit et le crépuscule, le sphynx a dû dormir. Valdrac a surpris, là-bas, des lueurs insolites.

Après s'être emparés de notre langue, la plupart des grands poètes noirs : un Aimé Césaire, un Léopold Senghor, un Bernard Dadié, parmi tant d'autres, s'en sont servis pour affirmer leur existence d'hommes et leur volonté de liberté, pour nous crier leur révolte, prêtant leur voix à la rumeur de tout un continent. Cette poésie, toutefois, n'a jamais cessé, à travers les hommes, de communier avec la nature, et il n'est pas étonnant - qu'à la génération suivante - un poète se retourne délibérément vers celle-ci pour y puiser l'inspiration essentielle. Une ardente nostalgie terrienne anime les vers de Maurice Koné, d'un simplicité souvent virgilienne. Mais, avide de vivre, la nature ne lui suffit pas. Il y cherche un paliatif à sa solitude ; il y voit un bien commun à tous les hommes, un lien qui les unit à Dieu. Qu'eût été - pour Adam - le Paradis terrestre, si Ève ne lui avait été donnée ? Maurice Koné chante l'Ève de sa race : la femme noire. Source de toutes les aspirations et de tous les désirs, la nature est la concrétisation de l'amour. Mais toutes les âmes doivent connaître l'épreuve de la mort, et le sentiment de la mort a toujours été - chez les poètes de la Nature - un juste retour de leur exaltation vers l'amour. Maurice Koné ne déroge pas à cette règle. Cette « Guirlande des verbes » mérite de retenir l'attention du lecteur qui cherche, dans la poésie, l'oasis de fraîcheur où se reposer du surmenage quotidien, et annonce, non une rétrogradation de la poésie d'Afrique, qui avait enrichi notre vieille culture de sang frais, mais un retour aux sources éternelles où tout homme simple se plaît à revivifier son âme.

Pierre Cabiac n'est pas un inconnu et ses trois recueils précédents nous ont déjà apporté sa poésie large, aux rythmes assis aux creux de la vague. Des « Trois bouquets pour Lydie » à l' « Exaltation », nous le retrouvons plus mûr, plus concentré, en un mot plus adulte, plus formé. L'amour tient une place tendre dans son oeuvre ; là viennent, tour à tour, les visages féminins chéris par des images admirables ; et pourtant, pas d'exclusive, tout est - pour l'auteur - sujet de chant : la musique du monde, le rythme grandiose de la nature, l'animal qui la peuple. Tout est beauté, tout est espoir : « Ô reine de la nuit, laisse briller ta lampe "Comme ce soir toujours en mon coeur tourmenté, pour me guider enfin vers la pure beauté !"

Michel Humbert, qui s'occupe de parachimie à La Courneuve, est l'arrière-petit-neveu du Très Révérend Père Graty, de l'Académie française, philosophe, auteur de « La sagesse », et fondateur de l'Ordre des Oratoriens. Dès ses débuts, la presse littéraire avait salué « ce Lyonnais, qui chante - avec le même souci de langage - la complainte d'un bidonville et le murmure d'un rivage ». Voyageur, Michel Humbert a vendu des magnétophones à Londres, des parfums à Buenos-Aires ; il s'est occupé de tourisme en Norvège, et a été le correspondant du « Progrès de Lyon » pour l'Amérique du Sud. Michel Humbert prépare actuellement un recueil de « Contes et nouvelles ».

Robert Ricateau ne veut rien plus que moduler sur un roseau des musiques tranquilles, mais il le fait avec un art consommé de l'harmonie des images et des mots, des paysages et des sentiments, faisant appel aux plus subtiles ressources. Chacun de ses poèmes réveille en l'âme un écho oublié ou révèle aux sens, par d'habiles associations, quelque perception ignorée. Le poète sait donner à voir avec simplicité et recréer par ses propres moyens la vision chère à Baudelaire du temple de la nature, où comme de longs échos qui, de loin, se confondent les parfums, les couleurs et les sons se répondent. Tout à tour orphique ou bucolique, son inspiration ne s'essouffle jamais et, classique d'apparence, son vers sait se libérer avec aisance des contraintes trop formelles et d'une rime qui ne s'impose pas toujours et qui n'est, chez tant d'autres, qu'un aveu d'impuissance.

Sur le mode d'une comptine qui donne son titre à l'ensemble, ce recueil de Philippe Guittard s'ouvre sur un appel à une liberté impossible. L'homme est prisonnier de l'ennui et il a perdu le pouvoir de se libérer. Il se termine sur un engagement qui, dans les temps où nous vivons, prend une force particulière, quel que soit le sens qu'on lui donne. Poète éveillé à tout ce qui l'entoure, il chante, en d'autres pages, les réalités de la ville, introduisant dans le paysage les accents d'une philosophie personnelle. Pour lui, tout vit, tout a une âme, tout chante, tout parle, se réjouit ou s'endeuille : il n'est rien qui ne participe. Cette philosophie ne va pas sans quelque ironie assez amère, sans quelque pointe d'humour sombre. Philippe Guittard est poète, non par la réussite des recherches verbales ou par l'art de l'abstraction, mais par la simplicité des sentiments qu'il exprime et de la forme qu'il donne à leur expression, simplicité qui « touche » juste où il faut : il a sorti le crayon de sa poche, de son cahier il a pris une feuille, il a posé sur sa main une pauvre caboche, et c'est avec des larmes qu'il a rempli la page. Un tel poète, on le comprend, ne peut demeurer insensible à la mort, et celle-ci sert de thème d'inspiration à certains poèmes : c'est toi et puis c'est moi, c'est tous les autres. Avec toi avec moi, elle se vautre. Cette légèreté de ton cache une profondeur d'âme, que l'on retrouve, accentuée, dans d'autres poèmes de Philippe Guittard, encore inédits, qui augurent en faveur de ses prochains recueils, quand la maturité aura fait son oeuvre.

Que Marie-Noëlle Cles souhaite que riment les soleils et les villes, ce qui est bien plus ambitieux que de vouloir faire rimer les mots, ou même le rêve avec la raison, ou qu'elle entende le ciel chanter ces mêmes refrains éternels que sont les chansons des blés, qu'elle évoque la feuille qui tombe, rougie comme un début d'amour, s'attarde au souvenir d'un petit bistrot de solitude, ou d'un ange qui a perdu ses ailes, sa ceinture et ses amours, et provoque - pour se défendre d'aimer - mille démons, mille sorcières, mille baisers, mille chimères, les refrains et les rengaines des comptines de son enfance semblent ressurgir de son inconscient, pour donner le ton à ses poèmes. Mais ces comptines n'ont plus la naïveté sans apprêt des rondes qu'elles scandaient, le poète a ensorcelé son enjeu et les premières atteintes de la vie en ont adultéré l'innocence : ce sont des comptines pour grandes personnes, dans l'âme desquelles les mots sont des passants mystérieux, dont le sourire équivoque évoque tout ce qui est à jamais perdu, comme tout ce qui pourrait être encore gagné et ne le sera peut-être jamais.

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

L'homme de « l'ère atomique » et des « grands craquements » en est arrivé jusqu'à reconnaître la faillite de l'esprit scientifique et de la raison logique, après l'effondrement des valeurs religieuses, éthiques, traditionnelles. Dans un monde où prime la pensée négative, interrogative, il est devenu désespéré, angoissé, acculé dans la déréliction et l'environnement absurde des êtres et des choses. Mais, à travers cette crise des fondements philosophiques et scientifiques, l'homme n'a pas démissionné devant son destin. Le problème de la transcendance ne doit pas aboutir à une eschatologie, car il est vain de se démunir de son poids humain. De même, l'homme ne doit pas être ramené à la dimension du matérialisme marxiste, car il s'appartient en propre. En fait, l'Être n'est pas avec celui qui l'impose comme doctrine, comme système, ni avec celui qui le dénigre ou le récuse. L'Être est catégoriquement hétérogène à tout existant, donc étranger et irréductible à toutes les manifestations de l'histoire planétaire et universelle. Tout au plus, le « Seuil d'Éternité » est-il cet étrange courage de l'homme prométhéen, lucide devant les limites tangibles de sa destinée... Le « Seuil d'Éternité » est aussi cette attente de la « fin » au milieu du mouvement des « devenirs ». Attente déchirée de questions irrésolues, traversée d'angoisse, de révoltes. Attente éclairée d'amour et d'espoir malgré tout : intuitions projetées, qui pressentent et révèlent l'étrange et lointain voisinage de l'Être. C'est en poète, que Paul Rakotonirina entreprend sa démarche métaphysique. Pour lui, l'homme est responsable dans le monde où la transcendance est sans immanence avec l'historique, mais où il peut se faire projeter à travers les intuitions des valeurs et de l'amour, une cognition relative et évolutive de l'Être, qui doit être remise en question avec les processus du devenir. Son dernier poème est-il, peut-être, une prophétie ? Mais, malgré tout, il nous invite à la croyance, à l'espoir, à l'amour, au moment où nous en éprouvons le plus grand besoin. Même s'il n'était qu'un faux prophète...

Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Ce nouveau recueil de Philippe Aboulker est plus dans la ligne de « Poésies pour une poupée », que dans celle de « Pour mon grand amour ». Les poèmes en sont cependant encore plus linéaires et gagnent en puissance intentionnelle. Ils sont bâtis autour d'une sorte de ligne de force invisible, qui les traverse comme un courant. Sons et couleurs, ici encore, font écho aux images évoquées à travers lesquelles les idées se matérialisent : roses - féeries des courbes - labyrinthes - violets sombres - amitié - moirés de gris - mélancolie - mauves délicats - tristesse - blancs agressifs - un cri : « Toi ». La même sympathie spirituelle attire et retient, le poème vibre dans sa nudité, avec la même pureté qu'une cloche argentine.

Est-ce conscience de la vanité de tout effort d'expression, ou excès de modestie, qui a poussé ce jeune poète, dont nous avions déjà apprécié les poèmes de "À travers moi", à dissimuler ces poèmes en prose, dans lesquels il se continue ? Claude Cagnasso est conscient de la solitude de l'homme dans le tourbillon des joies et des peines, des renoncements et des passions qui déferlent sur lui, de son impossibilité de communiquer avec la vie, cette chimère dont les ongles d'acier s'incrustent dans sa fragile poitrine, et son cri : Rêvez, explorateurs ! rêvez, navigateurs ! rêve, poète, et meurs ! a un accent prophétique.

Se faisant l'écho des solitudes chaudes, KCINA "tatonne la fleur de son rêve". Dans cette série de poèmes, aux multiples facettes attachantes, l'auteur nous donne un agréable aperçu de son talent, fait de vers travaillés et polis comme les galets par la mer. Victime de la rudesse du monde, le poète cherche une évasion, une aide ; navré (au vieux sens du mot), mais non trahi, il retourne dans sa solitude inquiète quérir la lumière et l'amour : partage de tous, souffrance de chacun.

La répétition, l'antithèse, le rapprochement inattendu, cessent d'être artifices de style, ou procédés dont l'abus fatigue, lorsqu'un poète s'en empare pour nous imposer sa vision du monde et, soudain, ils prennent vie et il nous semble, qu'en l'occurrence, tout autre moyen d'expression eut été inadéquat et vain. Claude Riegel en use avec aisance et naturel dans ses esquisses "À rythmes rompus", à travers lesquelles il fraternise, en passant, avec l'homme, participe à toutes les manifestations de la nature. Humain et fraternel, primesautier par le ton et profond par la pensée, qu'il danse et crie sa joie, ayant damné son corps et donné sa tête à couper, ou qu'il s'interroge sur ce qu'il est : le reflet d'un sourire, l'empreinte d'une flamme, l'écho d'un cri ou la projection d'un regard, son coeur bat pour tout ce qui vit, se meut, respire, palpite, comme pour tout ce qui ne vaille, ne dure, ne serve, tout ce qui brise l'éternité, tout ce qui est reflet, tout ce qui est humble ou misère...