Beaux-Arts de Paris Éditions

Agnes Martin (1912, Mackin, Saskatchewan - 2004, Taos, Nouveau-Mexique) est une peintre américaine d'origine canadienne. Elle s'oriente dans les années 1960 vers l'abstraction géométrique. Associée à l'art minimal, elle se réclame de l'expressionnisme abstrait. Son oeuvre exercera une influence majeure sur les générations d'artistes suivantes. Chez Agnes Martin, la recherche d'absolu est au coeur de l'oeuvre. Ce recueil d'aphorismes, de conférences, de poèmes et de paraboles nous livre une expérience de la sagesse, un itinéraire de l'errance et de la perfection.

Agnes Martin (1912, Mackin, Saskatchewan - 2004, Taos, Nouveau-Mexique) est une peintre américaine d'origine canadienne. Elle s'oriente dans les années 1960 vers l'abstraction géométrique. Associée à l'art minimal, elle se réclame de l'expressionnisme abstrait. Son oeuvre exercera une influence majeure sur les générations d'artistes suivantes. Chez Agnes Martin, la recherche d'absolu est au coeur de l'oeuvre. Ce recueil d'aphorismes, de conférences, de poèmes et de paraboles nous livre une expérience de la sagesse, un itinéraire de l'errance et de la perfection.

Les écrits de Max Beckmann s'imposent au rang des plus importants écrits d'artistes du XXe siècle. Les journaux, correspondances, conférences, préfaces, réunis dans cet ouvrage, et pour la première fois traduits en français, couvrent la période 1903-1950. Ils donnent à la fois un remarquable témoignage sur les deux guerres mondiales et sur le mode-de-vie et le processus de création de Beckmann. Il convient comme le souligne Philippe Dagen dans sa préface, de lire "cet ouvrage autant comme un manuel de résistance pour le présent que comme un livre d'histoire du passé".

Les écrits de Max Beckmann s'imposent au rang des plus importants écrits d'artistes du XXe siècle. Les journaux, correspondances, conférences, préfaces, réunis dans cet ouvrage, et pour la première fois traduits en français, couvrent la période 1903-1950. Ils donnent à la fois un remarquable témoignage sur les deux guerres mondiales et sur le mode-de-vie et le processus de création de Beckmann. Il convient comme le souligne Philippe Dagen dans sa préface, de lire "cet ouvrage autant comme un manuel de résistance pour le présent que comme un livre d'histoire du passé".

Cet ouvrage réunit des articles, des essais et des lettres, publiés entre 1938 et 1973, pour la plupart inédits en français. Il présente ces textes dans leur ordre chronologique et retrace ainsi l'itinéraire intellectuel et artistique d'Ager Jorn. Au fil de la lecture, nous découvrons son intérêt pour l'art populaire ou pour des artistes comme Fernand Léger, Wols ou Jean Dubuffet. Nous apprenons à mieux connaître celui qui s'adressait en ces mots "grand public" "Soyez modernes collectionneurs, musées. Si vous avez des peintures anciennes ,ne désespérez pas. Gardez vos souvenirs mais détournez les pour qu'ils correspondent à votre époque. Pourquoi rejeter l'ancien si on peut moderniser avec quelques traits de pinceaux? ça jette de l'actuaité sur votre vieille culture. Soyez à la page et distingués, du même coup. La peinture c'est fini. Autant donner le coup de grâce. Détournez. Vive la peinture"

Cet ouvrage réunit des articles, des essais et des lettres, publiés entre 1938 et 1973, pour la plupart inédits en français. Il présente ces textes dans leur ordre chronologique et retrace ainsi l'itinéraire intellectuel et artistique d'Ager Jorn. Au fil de la lecture, nous découvrons son intérêt pour l'art populaire ou pour des artistes comme Fernand Léger, Wols ou Jean Dubuffet. Nous apprenons à mieux connaître celui qui s'adressait en ces mots "grand public" "Soyez modernes collectionneurs, musées. Si vous avez des peintures anciennes ,ne désespérez pas. Gardez vos souvenirs mais détournez les pour qu'ils correspondent à votre époque. Pourquoi rejeter l'ancien si on peut moderniser avec quelques traits de pinceaux? ça jette de l'actuaité sur votre vieille culture. Soyez à la page et distingués, du même coup. La peinture c'est fini. Autant donner le coup de grâce. Détournez. Vive la peinture"

La Grammaire des arts du dessin embrasse l'ensemble des beaux-arts - dessin, architecture, sculpture et peinture et répond de façon exhaustive à toutes les questions d'ordre esthétique que peut se poser un spectateur face à une oeuvre. Charles Blanc fut directeur des Beaux-Arts de 1848 à 1850 et de 1870 à 1873, mais il fut aussi théoricien, historien et pédagogue. Premier professeur d'esthétique au Collège de France, il travailla ainsi à promouvoir une histoire de l'art pour tous.

La Grammaire des arts du dessin embrasse l'ensemble des beaux-arts - dessin, architecture, sculpture et peinture et répond de façon exhaustive à toutes les questions d'ordre esthétique que peut se poser un spectateur face à une oeuvre. Charles Blanc fut directeur des Beaux-Arts de 1848 à 1850 et de 1870 à 1873, mais il fut aussi théoricien, historien et pédagogue. Premier professeur d'esthétique au Collège de France, il travailla ainsi à promouvoir une histoire de l'art pour tous.

Les années 1968 sont le théâtre d'une formidable production visuelle, portée par les utopies révolutionnaires. De 1968 à 1974, artistes et militants d'extrême gauche inventent de nouvelles formes d'expressions visuelles en lien avec les luttes collectives. Images en lutte raconte cette extraordinaire rencontre entre l'art et la politique, qui s'ouvre et se referme aux Beaux-Arts de Paris, de l'Atelier Populaire en 1968 aux réunions du FHAR et du MLF en 1974. Cet ouvrage s'ouvre par plus de 300 affiches de l'Atelier Populaire reproduites en grand format. Il présente pour la première fois de nombreux projets d'affiches ainsi qu'un reportage photographique sur l'occupation de l'Ecole. Des dossiers sont consacrés aux luttes, aux soutiens, aux révolutions, à la libération sexuelle... Il rassemble des peintures, des photographies, des sculptures, des installations, des revues, des tracts, des affiches politiques, des extraits de films et des photographies.

Les années 1968 sont le théâtre d'une formidable production visuelle, portée par les utopies révolutionnaires. De 1968 à 1974, artistes et militants d'extrême gauche inventent de nouvelles formes d'expressions visuelles en lien avec les luttes collectives. Images en lutte raconte cette extraordinaire rencontre entre l'art et la politique, qui s'ouvre et se referme aux Beaux-Arts de Paris, de l'Atelier Populaire en 1968 aux réunions du FHAR et du MLF en 1974. Cet ouvrage s'ouvre par plus de 300 affiches de l'Atelier Populaire reproduites en grand format. Il présente pour la première fois de nombreux projets d'affiches ainsi qu'un reportage photographique sur l'occupation de l'Ecole. Des dossiers sont consacrés aux luttes, aux soutiens, aux révolutions, à la libération sexuelle... Il rassemble des peintures, des photographies, des sculptures, des installations, des revues, des tracts, des affiches politiques, des extraits de films et des photographies.

Malraux nous le rappelle : "L'art vient moins de quelque part que de quelqu'un". Freud constate que "plus on pénètre profondément dans la pathogenèse de la maladie nerveuse, plus se dévoile la connexion des névroses avec les productions de la vie psychique humaine et même les plus précieuses d'entre elles". C'est pourquoi la confrontation de l'art et de la psychanalyse est inévitable. Lorsque Freud se place en spectateur des oeuvres d'art et lorsqu'il cherche à élucider les énigmes que celles-ci lui renvoient quant à l'émotion qu'elles suscitent, il ne se place pas en position d'interprète. Il reconnait que ce qu'il a découvert "à l'aide d'un laborieux travail sur autrui" était déjà su et exprimé intuitivement par les artistes. C'est ainsi que Freud a peu à peu interrogé les avancées théoriques de sa découverte. Ce qui a donné lieu aux textes et essais, dont les plus remarquables sont présentés ici, suivis des développements ultérieurs produits par Lacan. Claude This est psychanalyste, membre de l'Ecole de la Cause Freudienne. Diplômée de l'Ecole nationale des beaux-arts de Nancy, elle a inauguré à partir de 1969 un enseignement qui confrontait l'art et la psychanalyse. Elle a été professeur aux Beaux-Arts de Paris de 1977 à 1995.

Malraux nous le rappelle : "L'art vient moins de quelque part que de quelqu'un". Freud constate que "plus on pénètre profondément dans la pathogenèse de la maladie nerveuse, plus se dévoile la connexion des névroses avec les productions de la vie psychique humaine et même les plus précieuses d'entre elles". C'est pourquoi la confrontation de l'art et de la psychanalyse est inévitable. Lorsque Freud se place en spectateur des oeuvres d'art et lorsqu'il cherche à élucider les énigmes que celles-ci lui renvoient quant à l'émotion qu'elles suscitent, il ne se place pas en position d'interprète. Il reconnait que ce qu'il a découvert "à l'aide d'un laborieux travail sur autrui" était déjà su et exprimé intuitivement par les artistes. C'est ainsi que Freud a peu à peu interrogé les avancées théoriques de sa découverte. Ce qui a donné lieu aux textes et essais, dont les plus remarquables sont présentés ici, suivis des développements ultérieurs produits par Lacan. Claude This est psychanalyste, membre de l'Ecole de la Cause Freudienne. Diplômée de l'Ecole nationale des beaux-arts de Nancy, elle a inauguré à partir de 1969 un enseignement qui confrontait l'art et la psychanalyse. Elle a été professeur aux Beaux-Arts de Paris de 1977 à 1995.

Peintre "abstrait devenu figuratif", Jean Hélion (1904-1987) annonce son passage vers une nouvelle figuration juste avant la guerre de 1939. Fondateur du groupe Art concret,puis de Abstraction-Création, il a également publié d'importants articles et préfaces, ainsi que le récit de sa captivité et de son évasion d'Allemagne. They Shall Not Have Me, à New-York en 1943. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux Etats -Unis. Cet ouvrage présente en un volume, trois récits autobiographiques de Jean Hélion.

Peintre "abstrait devenu figuratif", Jean Hélion (1904-1987) annonce son passage vers une nouvelle figuration juste avant la guerre de 1939. Fondateur du groupe Art concret,puis de Abstraction-Création, il a également publié d'importants articles et préfaces, ainsi que le récit de sa captivité et de son évasion d'Allemagne. They Shall Not Have Me, à New-York en 1943. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux Etats -Unis. Cet ouvrage présente en un volume, trois récits autobiographiques de Jean Hélion.

"Ce beau livre, outre qu'il constitue le Bottin-mémoire de toutes les réalisations de Mondes nouveaux, permet au plus grand nombre de lecteurs, grand public et initiés, de connaître l'ampleur et la grandeur du projet, ainsi que l'excellence de la scène artistique contemporaine sur les territoires français et ultramarins. Classé par ordre alphabétique, un premier cahier de 520 pages mettra en avant les créations originales de chaque artiste ou collectif. Chacune d'elle sera illustrée de photos d'archives ou documentaires, de dessins et de photos des oeuvres réalisées, parfois in situ. À travers ces pages se dessine une sorte d'utopie créative, imaginative, vertueuse, soucieuse d'un Monde nouveau, de questions écologiques, naturelles, de l'histoire et des sites, de collaborations et d'initiatives transdisciplinaires. Un cahier-reportage photographique rend compte du Rendez-vous artistique Mondes nouveaux X Beaux-Arts de Paris En fin d'ouvrage, un cahier présente une courte biographie de chacun.e des participants. Il est complété de cartes géographiques permettant de situer les créations et de constater comment Mondes nouveaux s'est ouvert à tous les territoires, du château d'If à la pointe du Raz, de la Forteresse de Salses à la Villa Cavrois, des Saintes en Guadeloupe à la Guyane."

"Ce beau livre, outre qu'il constitue le Bottin-mémoire de toutes les réalisations de Mondes nouveaux, permet au plus grand nombre de lecteurs, grand public et initiés, de connaître l'ampleur et la grandeur du projet, ainsi que l'excellence de la scène artistique contemporaine sur les territoires français et ultramarins. Classé par ordre alphabétique, un premier cahier de 520 pages mettra en avant les créations originales de chaque artiste ou collectif. Chacune d'elle sera illustrée de photos d'archives ou documentaires, de dessins et de photos des oeuvres réalisées, parfois in situ. À travers ces pages se dessine une sorte d'utopie créative, imaginative, vertueuse, soucieuse d'un Monde nouveau, de questions écologiques, naturelles, de l'histoire et des sites, de collaborations et d'initiatives transdisciplinaires. Un cahier-reportage photographique rend compte du Rendez-vous artistique Mondes nouveaux X Beaux-Arts de Paris En fin d'ouvrage, un cahier présente une courte biographie de chacun.e des participants. Il est complété de cartes géographiques permettant de situer les créations et de constater comment Mondes nouveaux s'est ouvert à tous les territoires, du château d'If à la pointe du Raz, de la Forteresse de Salses à la Villa Cavrois, des Saintes en Guadeloupe à la Guyane."

cet ouvrage propose, pour la première fois en français, un ensemble de textes et des entretiens de l'artiste. Il rend compte de la richesse et de la diversité de sa pratique, dont de larges pans restent méconnus. Au fil des textes présentés par Daniel Spoerri lui-même, apparaît un parcours complexe, en prise avec de nombreux mouvements majeurs de la période comme Flexus, Pop ARt, Mail ARt, et en dialogue avec des artistes très divers, entre autres Joseph Beuys, Robert Filliou, Jean Tinguely et Roland Topor. Cette anthologie révèle également les qualités d'écrivain et de conteur de Daniel Spoerri - sa manie des anectodes, constitue un véritable programme artistique-, ainsi qu'une époque et un réseau amical international où la création est avant tout affaire de partage.

cet ouvrage propose, pour la première fois en français, un ensemble de textes et des entretiens de l'artiste. Il rend compte de la richesse et de la diversité de sa pratique, dont de larges pans restent méconnus. Au fil des textes présentés par Daniel Spoerri lui-même, apparaît un parcours complexe, en prise avec de nombreux mouvements majeurs de la période comme Flexus, Pop ARt, Mail ARt, et en dialogue avec des artistes très divers, entre autres Joseph Beuys, Robert Filliou, Jean Tinguely et Roland Topor. Cette anthologie révèle également les qualités d'écrivain et de conteur de Daniel Spoerri - sa manie des anectodes, constitue un véritable programme artistique-, ainsi qu'une époque et un réseau amical international où la création est avant tout affaire de partage.

Cet ouvrage est le catalogue de l'exposition éponyme présentée au cabinet des dessins Jean Bonna aux Beaux Arts de Paris. L'Ecole des Beaux-Arts de Paris, qui accueillit la Joconde après son vol en 1914, et qui protège dans sa collection des feuilles exceptionnelles de l'artiste se devait de rendre hommage au grand maître italien. Cette exposition rassemble quelque uns des chefs d'oeuvres du quattrocento, il montre la richesse des collections des Beaux-arts de Paris: Raphaël Lippi... Trente dessins qui offrent un parcours passionnant sur la pratique du dessin en Italie à la fin du XVe siècle. Avec une contribution scientifique de Lizzie Boubli conservatrice en chef du patrimoine et directrice des études au CNRS qui dresse un panorama passionnant des ateliers florentins et Emmanuelle Brugerolles commissaire de l'exposition et directrice de l'ouvrage.

Cet ouvrage est le catalogue de l'exposition éponyme présentée au cabinet des dessins Jean Bonna aux Beaux Arts de Paris. L'Ecole des Beaux-Arts de Paris, qui accueillit la Joconde après son vol en 1914, et qui protège dans sa collection des feuilles exceptionnelles de l'artiste se devait de rendre hommage au grand maître italien. Cette exposition rassemble quelque uns des chefs d'oeuvres du quattrocento, il montre la richesse des collections des Beaux-arts de Paris: Raphaël Lippi... Trente dessins qui offrent un parcours passionnant sur la pratique du dessin en Italie à la fin du XVe siècle. Avec une contribution scientifique de Lizzie Boubli conservatrice en chef du patrimoine et directrice des études au CNRS qui dresse un panorama passionnant des ateliers florentins et Emmanuelle Brugerolles commissaire de l'exposition et directrice de l'ouvrage.

Le depassement de la problematique de l'art? Yves Klein a opere en quelques annees seulement une rupture radicale avec ce qu'il appelait l'«optique apprise», et prefigure la plupart des courants de l'art contemporain. Il a egalement beaucoup ecrit a propos, et en marge, de son oeuvre plastique. Ce volume, ou sont reunis pour la premiere fois les textes publies de son vivant ou apres sa mort, permettra de mesurer que l'ecriture, loin de constituer un territoire marginal, a occupe une grande partie de son temps et qu'il s'y livre sous des jours tres divers : dans la tradition des avant-gardes, a travers manifestes et discours, ou notes, monologues et brevets. Il se montre a la fois enthousiaste, audacieux et drole mais surtout constant dans sa demonstration.

Le depassement de la problematique de l'art? Yves Klein a opere en quelques annees seulement une rupture radicale avec ce qu'il appelait l'«optique apprise», et prefigure la plupart des courants de l'art contemporain. Il a egalement beaucoup ecrit a propos, et en marge, de son oeuvre plastique. Ce volume, ou sont reunis pour la premiere fois les textes publies de son vivant ou apres sa mort, permettra de mesurer que l'ecriture, loin de constituer un territoire marginal, a occupe une grande partie de son temps et qu'il s'y livre sous des jours tres divers : dans la tradition des avant-gardes, a travers manifestes et discours, ou notes, monologues et brevets. Il se montre a la fois enthousiaste, audacieux et drole mais surtout constant dans sa demonstration.

Cet ouvrage réunit la totalité des écrits publiés de Frantz Marc ainsi qu'un choix extensif de sa correspondance, inédite ou publiée en allemand, avec Wassily Kandinsky, August Macke, Paul Klee, Hugo Ball, Alfred Kubin, Herwarth Walden ou Reinhardt Pipper. Il propose également la première publication intégrale de la correspondance entre Frantz Marc et Robert Delaunay, ainsi qu'un dossier sur la fameuse polémique sucitée par Carl Vinnen, peintre qui fut à l'origine d'une violente réaction en Allemagne contre la peinture française. Le choix de ces lettres implique une lecture de l'art de cette période. Elles témoignent de la position ambiguë des artistes qui adoptent une posture "internationaliste", tout en recourant aux clichés du nationalisme. Elles révèlent combien mysticisme et rapports entre peinture et musique furent essentiels à l'élaboration de l'abstraction, tout en montrant diversité et opposition dans les approches des différents peintres. Ce volume, fruit d'un important travail d'archives, offre au public francophone des textes fondamentaux de l'art moderne demeurés jusqu'à ce jour inaccessibles.

Cet ouvrage réunit la totalité des écrits publiés de Frantz Marc ainsi qu'un choix extensif de sa correspondance, inédite ou publiée en allemand, avec Wassily Kandinsky, August Macke, Paul Klee, Hugo Ball, Alfred Kubin, Herwarth Walden ou Reinhardt Pipper. Il propose également la première publication intégrale de la correspondance entre Frantz Marc et Robert Delaunay, ainsi qu'un dossier sur la fameuse polémique sucitée par Carl Vinnen, peintre qui fut à l'origine d'une violente réaction en Allemagne contre la peinture française. Le choix de ces lettres implique une lecture de l'art de cette période. Elles témoignent de la position ambiguë des artistes qui adoptent une posture "internationaliste", tout en recourant aux clichés du nationalisme. Elles révèlent combien mysticisme et rapports entre peinture et musique furent essentiels à l'élaboration de l'abstraction, tout en montrant diversité et opposition dans les approches des différents peintres. Ce volume, fruit d'un important travail d'archives, offre au public francophone des textes fondamentaux de l'art moderne demeurés jusqu'à ce jour inaccessibles.

Cet ouvrage rassemble les textes , artistiques ou militants, qui ont été publiés à l'occasion de la retrospective qui lui a été consacrée. Jimmie Durham est artiste sculpteur, né aux Etats Unis de parents Cherokee. Jimmie Durham ecrit depuis toujours. En tant que delegue de l'American Indian Movement au cours des annees 1970, et en tant qu'artiste, depuis les annees 1980. Il ecrit l'absence de l'Indien dans la culture americaine. De cet Indien d'Amerique qu'on ne sait plus nommer, de cette minorite qui, aux Nations unies, n'aura pas convaincu de la realite actuelle de son identite, de l'absence, en resume, de la conscience de l'Autre de la part de l'Occident. Cet ouvrage est illustré par de nombreuses photos personnelles."

Cet ouvrage rassemble les textes , artistiques ou militants, qui ont été publiés à l'occasion de la retrospective qui lui a été consacrée. Jimmie Durham est artiste sculpteur, né aux Etats Unis de parents Cherokee. Jimmie Durham ecrit depuis toujours. En tant que delegue de l'American Indian Movement au cours des annees 1970, et en tant qu'artiste, depuis les annees 1980. Il ecrit l'absence de l'Indien dans la culture americaine. De cet Indien d'Amerique qu'on ne sait plus nommer, de cette minorite qui, aux Nations unies, n'aura pas convaincu de la realite actuelle de son identite, de l'absence, en resume, de la conscience de l'Autre de la part de l'Occident. Cet ouvrage est illustré par de nombreuses photos personnelles."

Nee en 1931 a Londres, Bridget Riley a developpe depuis les annees 1960 une oeuvre abstraite fondee sur l'exploration methodique des effets optiques de la couleur et de la forme et est consideree comme l'une des principales representantes de l'Op art. Ce recueil rassemble l'ensemble de ses textes et traite notamment de son rapport a l'histoire de l'art.

Nee en 1931 a Londres, Bridget Riley a developpe depuis les annees 1960 une oeuvre abstraite fondee sur l'exploration methodique des effets optiques de la couleur et de la forme et est consideree comme l'une des principales representantes de l'Op art. Ce recueil rassemble l'ensemble de ses textes et traite notamment de son rapport a l'histoire de l'art.

Pierre Buraglio fut professeur aux Beaux-Arts de Paris jusqu'en 2000. En 1967, il definit la peinture par trois interdits : impossible de figurer, de signifier, d'exprimer, et un imperatif: subvertir. En 1968, il est parmi les membres les plus actifs de l'Atelier Populaire. Dans les annees 1970, co-fondateur de Supports/Surfaces, il prend comme materiaux des objets trouves comme les chassis de fenetres et verres colores, les papiers d'emballage de Gauloises bleues, etc. Dans cet ouvrage, les hommages a l'art sont accompagnes d'observations sur le jazz, l'architecture, le cinema, la pratique du dessin et d'extraits de ses lectures.

Pierre Buraglio fut professeur aux Beaux-Arts de Paris jusqu'en 2000. En 1967, il definit la peinture par trois interdits : impossible de figurer, de signifier, d'exprimer, et un imperatif: subvertir. En 1968, il est parmi les membres les plus actifs de l'Atelier Populaire. Dans les annees 1970, co-fondateur de Supports/Surfaces, il prend comme materiaux des objets trouves comme les chassis de fenetres et verres colores, les papiers d'emballage de Gauloises bleues, etc. Dans cet ouvrage, les hommages a l'art sont accompagnes d'observations sur le jazz, l'architecture, le cinema, la pratique du dessin et d'extraits de ses lectures.

Dezeuze s'exprime avec saveur et perspicacité sur Cézanne, Malevitch, Munch, Goya, Parmentier, Clyfford Still, et d'autres. Mais on trouve également des réflexions sur des matières plus éloignées ; qu'on en juge : les Gnostiques, le Mexique, l'art du colophon dans la peinture chinoise... A ce choix déjà dense, on a ajouté ici l'ensemble des interviews et des poèmes donnés par l'artiste... Fondée sur une connaissance historique, linguistique, culturelle, politique, souffrant sans doute peu d'exemples parmi ses contemporains français, l'oeuvre de Daniel Dezeuze est paradoxalement - ou en conséquence - marquée par la transparence, le jeu, l'improbable, l'économie, la discrétion, la retenue. Elle hésite entre la litote et l'ellipse. Elle fait de l'allusion sa force. Elle y gagne en intonation, en tranchant, en radicalité. (Extrait de la préface d'Henty-Claude Cousseau).

Dezeuze s'exprime avec saveur et perspicacité sur Cézanne, Malevitch, Munch, Goya, Parmentier, Clyfford Still, et d'autres. Mais on trouve également des réflexions sur des matières plus éloignées ; qu'on en juge : les Gnostiques, le Mexique, l'art du colophon dans la peinture chinoise... A ce choix déjà dense, on a ajouté ici l'ensemble des interviews et des poèmes donnés par l'artiste... Fondée sur une connaissance historique, linguistique, culturelle, politique, souffrant sans doute peu d'exemples parmi ses contemporains français, l'oeuvre de Daniel Dezeuze est paradoxalement - ou en conséquence - marquée par la transparence, le jeu, l'improbable, l'économie, la discrétion, la retenue. Elle hésite entre la litote et l'ellipse. Elle fait de l'allusion sa force. Elle y gagne en intonation, en tranchant, en radicalité. (Extrait de la préface d'Henty-Claude Cousseau).