Librairie Droz

Composée quelques décennies avant les premiers poèmes des troubadours, datant des environs de 1070, la Chanson de sainte Foy, première oeuvre littéraire en occitan, est un somptueux monument de la civilisation médiévale méridionale. Elle raconte le martyre que la jeune sainte de douze ans subit à Agen en 303, puis le châtiment des persécuteurs païens. Le poète, que ses procédés d'écriture désignent comme un moine, entrelace et récrit de nombreuses sources latines, qu'il met au goût du jour, à l'intention de ses contemporains et des lecteurs à venir. L'édition est accompagnée d'une traduction fluide et vivante. L'introduction et les nombreuses notes proposent une lecture neuve du poème et invitent à découvrir le lieu et le contexte dans lesquels il fut écrit.

Il est coutumier d'imputer au Moyen Âge la persécution de la sorcellerie. Elle se poursuivrait à l'époque moderne et disparaîtrait progressivement depuis le XVIIe siècle grâce au rationalisme cartésien. Et pourtant, elle ne commence ici ou là qu'autour de 1400 et c'est vers 1560 qu'elle devient vraiment massive. Prétendre que des femmes volent dans les airs était condamné comme une superstition peccamineuse par l'Église médiévale et, comme dans l'Antiquité ou aujourd'hui, ce n'était là qu'un conte divertissant. Il s'agit donc de comprendre comment et pourquoi les pouvoirs religieux et laïcs ont changé d'opinion dans une bonne partie de l'Europe chrétienne avant de revenir progressivement, du XVIIe au XVIIIe siècle, à l'opinion médiévale. Les travaux sur l'histoire de la sorcellerie sont abondants et certains d'entre eux de haute qualité, mais il n'existait aucune explication satisfaisante de la persécution et de son déclin. En répudiant les facilités du genre, en analysant le vocabulaire et les textes avec rigueur, le petit livre de Jean Wirth se propose de combler cette grosse lacune.

Nous n'avons plus aujourd'hui qu'un écho du travail de communication des prédicateurs d'antan que furent au Moyen Âge les premiers disciples de saint Dominique et de saint François, et quelques autres clercs formés dans les écoles, voire à la faculté de théologie. Le contexte du tournant pastoral du XIIIe siècle donna à leur prédication, fréquente en ville, une place de choix un peu partout en Europe. À leurs appels à se repentir et à changer de vie, inspirés par les Évangiles, s'ajoutait la promotion d'une discipline centrée sur la pratique régulière de la confession annuelle. Nous mesurons difficilement la réception de leurs propos, mais il est certain que tous ces orateurs partageaient l'intime conviction de « l'efficience des mots » : avec l'aide mystérieuse de la grâce de Dieu, ceux-ci étaient dotés d'une capacité d'agir en produisant un effet attendu. L'historien peut au moins capter dans les sources dont il dispose la manière dont ces orateurs façonnaient leur parole d'exhortation. Le plus souvent préservée en ce temps de tout discrédit, elle était proférée publiquement, afin de susciter l'assentiment d'auditeurs à qui les prédicateurs parlaient en recourant au langage du quotidien, tout en chargeant celui-ci d'une grande richesse de sens.

Découvrez comment la Renaissance a révolutionné le droit : Introduction à l'humanisme juridique explore l’alliance inédite entre les juristes et les lettrés, transformant à jamais la science du droit et notre héritage intellectuel.

Et si la poésie de Rabelais n’était pas là où on l’attend ? Rabelais poète révèle, sous la plume de Guillaume Berthon, une facette méconnue de l’œuvre : ses vers, souvent relégués à l’ombre des excès et des farces.

L'âge de l'éloquence situe la place et la fonction de l'art oratoire en France dans la première moitié du XVIIe siècle. Ce qui amène l'auteur à poser les diverses questions que le culte humaniste de l'éloquence soulève dans l'ordre politique - nostalgies du Forum républicain et réalité des institutions monarchiques - dans l'ordre social - conflit de prestige entre robins et noble d'Épée - dans l'ordre religieux - conflit entre l'extériorité de l'éloquence antique et l'intériorité de la parole chrétienne - dans l'ordre littéraire - culture "sçavante" et "ignorante", public "sçavant" et mondain - dans l'ordre pédagogique - humanisme jésuite et humanisme gallican.

Dans la seconde moitié du XVIe siècle, pour illustrer le succès de leur pratique, des chirurgiens publient les récits de cures marquantes qu'ils ont réalisées, en visant un public qui s'étend bien au-delà du cercle des seuls spécialistes. Ils écrivent en langue vernaculaire plutôt qu'en latin, exploitant avec un art certain de la narration les circonstances particulières de ces cas cliniques. Ils font de leur métier une véritable aventure et cherchent à captiver l'attention du lecteur, tout autant qu'à transmettre un savoir. Leonardo Fioravanti, chirurgien et médecin empirique italien, raconte dans le Tesoro della vita humana (1570) une série de cures qui l'ont conduit, en dix ans, au gré d'une formation itinérante, de la Sicile à Venise, où il devient un auteur reconnu. Son contemporain, Ambroise Paré, revient à l'automne de sa vie, dans les Voyages (1585), sur les campagnes militaires lors desquelles il a su déployer toute la palette de ses talents en tant que chirurgien de guerre. Ce sont les liens qu'entretiennent au xvie siècle la carrière médicale et l'expérience clinique, le récit autobiographique et le soin des autres, qu'explore Ariane Bayle dans cet essai, en confrontant les écrits de ces deux chirurgiens-écrivains.

L'histoire des images est indissociable de l'histoire de l'art. Elle s'y distingue certes par des spécificités, comme l'histoire de l'architecture. Il serait impossible de dater et de localiser la plupart des images médiévales sans passer par l'histoire des styles et donc par l'histoire de l'art. On ne peut comprendre le sens d'une image sans ce préalable. Il ne s'agit pas pour autant d'isoler l'histoire de l'art dans une autonomie factice. L'art est profondément imbriqué dans l'histoire sociale, religieuse et politique. Les spécialisations morcelant les compétences, ces imbrications sont souvent ignorées ou mal comprises, de sorte que la solution d'un problème se trouve non moins souvent au carrefour des disciplines. Les essais réunis dans ce volume s'y situent en tout cas clairement, débordant constamment vers l'histoire religieuse et celle des idées philosophiques, parfois vers l'histoire littéraire ou celle des institutions. La plupart d'entre eux sont relatifs aux images, parfois davantage à leur iconographie ou à leurs déterminations extérieures, comme le culte dont elles sont l'objet, parfois pour les situer stylistiquement ou pour mettre en évidence les procédés mis en oeuvre. Ils visent à rendre aux oeuvres leur consistance, en traitant tour à tour du statut de l'image médiévale, des thèmes iconographiques et enfin des problèmes spécifiques à une oeuvre ou à un ensemble d'oeuvres.

Le présent essai a un double objectif : étudier la cohérence interne d'une oeuvre particulière (les vingt volumes de la série familiale des Rougon-Macquart, publiée par Zola entre 1870 et 1893) et explorer les conditions d'une théorie générale du personnage de fiction, ce "vivant sans entrailles" dont parle Valéry. La notion de "système" et celle de "personnel" impliquent une étude minutieuse des relations qui unissent tous les acteurs de la série. En chemin, et dans un cadre d'analyse globalement narratologique (pas de théorie du personnage sans une théorie du récit), on évaluera le poids des contraintes a priori que le "cahier des charges" naturaliste (décrire exhaustivement, secteur après secteur, et après enquête, le "monde du Second Empire; être "objectif", etc.) fait peser sur le personnage, comment son statut de "fonctionnaire" d'un projet descriptif et sociologique ("rendre" le réel, le "document humain"sur lequel il est bâti) conditionne sa dimension "fictionnaire" d'être de papier support et moteur d'une intrigue inventée.

Mystère et paradoxes entourent le personnage de Louise Labé, à la réputation controversée de courtisane, ainsi que la publication en 1555 de son unique ouvrage, les Euvres de Louïze Labé Lionnoize, dont l'édition originale est ici reproduite dans son intégralité. Trois élégies et vingt-quatre sonnets lui ont assuré une gloire universelle de poète, alors même que l'ouvrage comporte un long « Dialogue de Folie et d'Amour » en prose et qu'il est composé pour un tiers d'écrits dithyrambiques à sa louange, pièces non signées de poètes contemporains qui ne parleront ensuite plus jamais d'elle. A restituer le cercle de ces poètes de Louise Labé, dans le Lyon fastueux du milieu du XVIe siècle, il apparaît que les Euvres, opération collective élaborée dans l'atelier de Jean de Tournes par des auteurs très impliqués dans la production de ce dernier, ne sont qu'une supercherie brillante. Celle-ci ne devait pas faire illusion au lecteur lyonnais de 1555, habitué aux masques et aux déguisements, aux momeries et aux figures allégoriques comme mythologiques qui hantent Fourvière (le forum de Vénus), attaché à la littérature paradoxale alors à la mode dans cette cité où l'on débat entre néoplatoniciens italiens et français des vertus de l'Amour. Le projet marotique ancien de « louer Louise », inspiré du « laudare Laure » de Pétrarque, adapté dans des circonstances très particulières, se révèle finalement comme une mystification de poètes facétieux qui ont cyniquement couché sur le papier une femme de paille dont ils se sont joués.

Dans cet ouvrage succédant à ceux qu'il a consacré à Villard de Honnecourt et à la cathédrale de Reims, Jean Wirth aborde la cathédrale de Chartres, de la reconstruction de la façade après 1134 à celle du reste de l'édifice entre 1194 et 1260. Il y étudie la sculpture et des vitraux tout en les situant dans la progression du chantier architectural. Un bon nombre de questions essentielles étaient restées en suspens et les opinions s'affrontaient, souvent depuis longtemps, sans faire ni vainqueur, ni vaincu. Pour trouver des solutions, il fallait résoudre une équation à plusieurs inconnues. En effet, il est impossible de parvenir à une chronologie sans comprendre l'organisation des chantiers ou de comprendre l'organisation des chantiers sans disposer d'une chronologie. Or établir la chronologie suppose une bonne appréciation de la durée des tâches. Cette durée dépend du nombre et de la compétence des hommes qui y sont affectés, mais les rares sources écrites dont nous disposons ne nous en disent rien. Il faut se contenter à ce sujet des indices fournis par le monument lui-même, dont l'interprétation est fonction d'hypothèses, parfois exprimées, trop souvent tacites. C'était l'un des points les plus importants à clarifier. Enfin, l'iconographie devait être repensée. On se demandait jusqu'à quel point celle des vitraux avait été programmée ou faite au coup par coup. À ces questions aussi, de nouvelles réponses sont apportées.

Amiens, 1201. Richard de Fournival, chanoine, médecin et poète, incarne l’esprit encyclopédique du XIIIe siècle.

Quatre frères, une rébellion légendaire : Renaut de Montauban plonge le lecteur au cœur de la vendetta médiévale des fils Aymon contre Charlemagne.

Rédigée dans le premier tiers du XIIIe siècle, La Mort le roi Artu dépeint un monde arthurien au bord du précipice, où l'envie et le ressentiment mettent en péril les valeurs chevaleresques traditionnelles, où l'amour interdit de la reine Guenièvre et de Lancelot du Lac risque à tout moment d'être révélé au grand jour et de détruire le fragile équilibre de la cour. Dernier volet du cycle du Lancelot-Graal, recopié sans cesse jusqu'au xve siècle avant d'être imprimé de nombreuses fois à la Renaissance, ce roman anonyme constitue la version la plus riche et la plus complexe de la chute du royaume d'Arthur, par le biais d'un récit choral où les héros d'antan sont la proie de leurs propres désirs et des caprices de Fortune. On trouve ici l'édition critique lachmannienne de Jean Frappier, avec une nouvelle traduction très réussie de Patrick Moran.

Les protagonistes de la Révolution française ont voulu constituer un nouveau système des beaux-arts, destinés non plus à la glorification des princes et à la satisfaction matérielle des élites de la naissance et de la finance, mais à l'éducation de l'ensemble des citoyens. Ce sont les différents projets soumis à l'Assemblée nationale et à l'opinion publique qui sont ici présentés. Ils abordent des questions toujours d'actualité : la fonction qui doit être assignée à l'art dans une société démocratique, la reconnaissance de certains praticiens comme artistes, les modes d'enseignement des arts et le rôle que l'État doit jouer pour les soutenir et éventuellement les orienter. Les débats, assez virulents, autour de ces questions sont analysés dans une longue introduction. Cinq des textes les plus importants, dont certains n'avaient jamais donné lieu à une édition scientifique, sont ensuite présentés, édités et annotés. Cette anthologie fait connaître les prémices de débats qui n'ont toujours pas fini de faire couler de l'encre.

Dans la sphère académique, l'histoire de l'art traverse une crise d'identité qui gagne peu à peu le monde muséal. À force d'emprunter ses approches à d'autres disciplines des sciences humaines, elle prend le risque de perdre de vue son objet premier, l'oeuvre d'art dans sa matérialité, et son outil le plus fondamental : le connoisseurship. Celui-ci consiste à établir l'identité des oeuvres, en les replaçant dans la dynamique des parcours individuels et des échanges culturels. Loin de se réduire à un talent inné, il peut et doit être enseigné sur une base théorique permettant l'exercice de l'oeil. C'est à cet objectif que répond ce livre. Conçu comme un manuel méthodologique, il vise à responsabiliser les futurs acteurs de notre patrimoine et à leur transmettre des compétences concrètes, pertinentes aussi bien sur le marché de l'art que dans le monde muséal et la sphère académique. Ce faisant, il plaide en faveur d'une histoire de l'art organique, capable de se réinventer sans cesse.

Les grands poètes néo-latins de l'Italie du Quattrocento ont consacré une part importante et méconnue de leur oeuvre à célébrer les plaisirs de la chair ; cette anthologie en rassemble et en traduit les plus belles réussites. Voilant leur audace par le recours à une langue élitiste et revendiquant l'imitation de prestigieux modèles antiques, ces poèmes contredisaient les discours théologiques, médicaux et philosophiques du temps. Le corpus érotique ainsi constitué est parcouru par deux veines d'inspiration divergente : l'une, sensuelle, imite principalement les élégiaques : Tibulle, Properce et surtout Ovide ; l'autre, crue et provoquante, s'inscrit dans la lignée d'un Catulle ou d'un Martial. Oscillant entre littérarité (par cette appartenance à une tradition poétique) et littéralité (en stimulant l'imagination de leurs lecteurs), ces textes étonnants, qui font entendre un « mâle » discours sur les femmes et la sexualité, sont susceptibles d'initier un large public aux charmes de la littérature (néo-)latine.

Une ancienne légende fait remonter l'origine de la peinture à l'initiative d'une jeune fille qui circonscrivit sur un mur l'ombre de l'homme qu'elle aimait avant qu'il ne parte pour un long voyage. Cette naissance "en négatif" de la représentation artistique occidentale est sans doute significative. En effet, la peinture fait son apparition sous le signe de la dialectique absence/présence (absence du corps/présence de sa projection). Cet ouvrage, situé au point de rencontre de la représentation artistique et de la philosophie de la représentation, se propose de poser les jalons de cette histoire qui conduit du mythe des origines à la photographie et au cinéma, à travers les expériences les plus significatives de l'utilisation de l'ombre dans l'art occidental.

Quand Michael Maar publia en mars 2004 dans la Frankfurter Allgemeine Zeitung, aussitôt relayée par le Times Literary Supplement, qu'une nouvelle intitulée Lolita avait paru près de quarante ans avant le célèbre roman de Vladimir Nabokov, il déclenchait un débat de portée internationale et provoquait un vif émoi parmi les Nabokoviens. Son propos est né de la découverte, extraordinaire, de la Lolita publiée par Heinz von Lichberg, nom de plume d'Heinz von Eschwege, à Darmstadt en 1916. Or, le motif littéraire développé par Lichberg est déjà celui qui, en 1955, animera l'inoubliable nymphette. Pour faire bref, on peut dire qu'entre 1916 et 1955, de Lichberg à Nabokov, de la pâleur d'une Lolita, Darmstadt au scandale qui agita Lolita, Texas, on passe d'une ébauche façonnée par un journaliste plumitif, désormais tombé dans l'oubli, à un chef-d'oeuvre de la littérature mondiale. Il n'en demeure pas moins que de singuliers liens surgissent, qu'il suffise de citer les sources hoffmanniennes de Lichberg et l'attraction d'E.T.A. Hoffmann sur Nabokov ; la vie d'exilé menée par ce dernier à Berlin de 1922 à 1937, et sa fréquentation du milieu littéraire ; l'enchâssement de citations et d'allusions auquel a excellé Vladimir Nabokov et dont il a émaillé son oeuvre tout aussi bien que l'exégèse ironique qu'il en a donnée ; enfin, et surtout, la question irrésolue de la source et du chef-d'oeuvre que l'on aimerait croire produit ex nihilo. Autant de sujets qu'examine Michael Maar en convoquant tour à tour les arguments historiques et la critique littéraire pour ébranler l'édifice hasardeux de la coïncidence.

L'Effet Pygmalion procède d'une incursion dans l'immense fortune littéraire, visuelle, audiovisuelle enfin, du mythe fondateur de la première histoire de simulacres consignée par la culture occidentale. La légende raconte qu'un sculpteur chypriote tombe amoureux de l'oeuvre qu'il façonne; dans un élan de magnanimité, les dieux décident de l'animer. Devenue, par la volonté divine, femme et épouse de son créateur, cette dernière reste néanmoins un artefact qui, s'il est doué d'âme et de corps, n'en demeure pas moins un fantasme. Un simulacre, précisément. Artifice privé de modèle, le simulacre ne copie pas un objet réel, il s'y projette plutôt et l'escamote, il existe en soi. Ne procédant pas de la copie d'un modèle, n'étant nullement fondé sur la ressemblance, le simulacre transgresse la mimésis qui domine la pensée artistique. Ambitieux, l'ouvrage ne se satisfait pas d'une approche interdisciplinaire. Ainsi définit-il son objet critique non par une succession de témoignages artistiques ou littéraires, mais par la conception même de la représentation, le statut du modèle et de la copie. En ce sens, si un texte d'Ovide ou de Vasari, une miniature médiévale, une statue vivante de la Renaissance, une peinture romantique, une photographie, un film et jusqu'à la poupée Barbie sont convoqués par Victor Stoichita, c'est pour être examinés avec les mêmes principes critiques et contribuer à un discours herméneutique sur la conception occidentale de l'image. Le mythe de Pygmalion, parabole de l'infraction même de la représentation, de l'éviction de la mimésis et de la déviation du désir, fonde une anthropologie de l'objet esthétique et donne à voir la feinte originelle dans toute société captivée par les simulacres et ses leurres, telle que la nôtre.

Le présent ouvrage, consacré à l'apparition du tableau, a pour objectif de rendre visible le processus par lequel le travail métapictural a fondé la condition moderne de l'art. Il interroge également le statut du tableau en tant qu'objet figuratif "moderne". Cette étude traite du statut de l'image peinte en Europe occidentale entre 1522, année de la révolte iconoclaste de Wittemberg, et 1675 lorsque Cornelius Norbertus Gijsbrechts - peintre originaire d'Anvers - créa une toile représentant le revers d'un tableau. Stoichita concentre ces analyses sur des exemples venant de l'Europe du Nord, région où se cristallise le discours métapictural, la crise du statut de l'image religieuse et enfin la crise du "tableau" lui-même.

A l'époque moderne, l'éclatement de la chrétienté en confessions rivales, en un "catholicisme" et des "protestantismes", a suscité le développement de la controverse et l'élaboration d'une immense littérature religieuse. L'écrit, et particulièrement l'imprimé, devenait l'instrument du débat théologique et philosophique. Ce faisant, l'interprétation des écrits - la Bible, les Pères, les auteurs spirituels -, l'établissement du sens des textes et l'émergence de l' " auteur " au sens moderne du terme entraînaient à leur tour un problème philosophique autant que théologique et donnaient naissance à des disciplines autonomes, l'exégèse et l'herméneutique. Les travaux rassemblés dans ce livre constituent un essai d'interprétation de plusieurs corpus textuels, d'oeuvres de philosophes, de théologiens et d'auteurs spirituels. Ils fournissent une réflexion sur la constitution ou la modification des références fondatrices (le rapport à une origine, les structures psychiques ou anthropologiques). Que les questions de la spiritualité, de la dévotion et de l'institution soient centrales dans ces recherches n'étonnera pas : l'homme moderne y est engagé, s'affirmant comme sujet de son expérience.

Le génie de Léonard de Vinci, celui de Michel-Ange ressortent mieux sur le fond révélateur de l'Académie de Careggi, où Marsile Ficin règne en maître, évoquant sinon invoquant Platon. La culture platonicienne entretenue par Ficin - mais Cristoforo Landino ou Ange Politien sont tour à tour convoqués - délimite le contour d'un nouvel ordre artistique dont André Chastel, dans un travail de jeunesse qui engage déjà ses subtiles analyses d'histoire de l'art et des idées, rend raison avec passion. En quelques pages lumineuses, Jean Wirth donne à ce maître livre sa juste place dans une tradition historiographique qu'il a contribué à renouveler.

Pacifico Massimi doit à son exceptionnelle longévité d'avoir traversé le Quattrocento. Humaniste, poète, pédagogue, soldat à l'occasion, il a maintes fois parcouru l'Italie, du royaume de Naples à Florence, en passant par Rome, Lucques, peut-être Milan, à la recherche d'un mécène et d'une carrière qui lui assureraient aisance et quiétude. L'errance et la fortune contraire lui soufflent même de quitter l'Italie pour se mettre au service du sultan de Byzance. C'est cette vie instable qu'évoque son premier recueil des Cent élégies publié à Florence en 1489. Mais le poète compose surtout une oeuvre polyphonique d'une étonnante variété de ton, une fresque inattendue des maux et turpitudes du temps : si Massimi pratique parfois l'élégie amoureuse héritée des Latins, il la travestit par la pornographie des Priapées, la colore aussi de la verve épigrammatique d'un Catulle et d'un Martial. Cette liberté de ton, partout affichée, surprend et appelle une lecture renouvelée d'une oeuvre qui révèle une facette méconnue de la Renaissance italienne, entre obscénité, irrévérence, humour féroce et désillusion. Ce volume reproduit intégralement l'édition critique de Juliette Desjardins (1986), aujourd'hui épuisée, et y adjoint une présentation de la poétique générale du recueil par Anne Bouscharain, précédée d'un préambule de Stéphane Toussaint.

Au cœur du XIXe siècle, Le symbole et la lettre explore la lutte entre littéralistes et symbolistes, deux visions opposées du monde et de la littérature.

Comment la notion de renaissance a-t-elle émergé et traversé les siècles ? Ce second volume remonte aux sources lexicales et aux contextes géo-historiques qui ont façonné cette idée, entre rupture et continuité.

Comment la rhétorique a-t-elle façonné la pensée humaniste ? La pensée rhétorique de Blandine Perona explore l’art de la déclamation, exercice clé de la formation des humanistes.

En 1405, Christine de Pizan bâtissait une cité imaginaire pour célébrer les femmes de lettres. Six siècles plus tard, cet ouvrage collectif rend hommage à Yasmina Foehr-Janssens et à toutes celles qui ont marqué l’histoire littéraire médiévale.

Relative et mobile, polysémique et malléable, variant selon les siècles, les disciplines et les pays, la catégorie de renaissance n'a cessé de faire débat depuis son invention au XIXe siècle. Sans chercher à ressusciter des querelles dépassées, ni à défendre ou déconstruire la notion, les études pluridisciplinaires ici réunies se proposent de reprendre à neuf le discours de la renaissance, de reconsidérer sa généalogie en insistant sur sa pluralité, en somme de repenser la catégorie à partir d'une approche transnationale et comparatiste qui l'aborde comme un phénomène polycentré, pluriséculaire et plurilingue. Elles forment le premier volume d'une série de quatre consacrés successivement à la construction et à la circulation de la catégorie aux XIXe-XXIe siècles (I), à la préhistoire de la catégorie du XIIe au XVIIIe siècle (II), à ses usages didactiques et ses enjeux disciplinaires depuis le XIXe siècle (III) et à ses réactualisations dans les productions artistiques contemporaines (IV).

Et si la littérature n’était pas ce que nous croyons ? Avec Puisque littérature il y a, Bernard Vouilloux interroge notre rapport à la littérature, entre savoir et émotion, et nous invite à redéfinir ses frontières.

Onze textes diffusés par les imprimeurs d'Henri III à la fin de l'année 1588 révèlent une autre histoire des États généraux de Blois. Ils ne résument plus l'assemblée aux assassinats des Guises (23 et 24 décembre 1588) et invitent à explorer ses deux premières séances (16 et 18 octobre 1588) dans toute leur densité. Maillons d'une vaste opération politique et communicationnelle, ces imprimés retracent d'amples prolégomènes grâce auxquels l'action gouvernementale d'Henri III peut être réévaluée. Le souverain y affirme la nature divine de son pouvoir et expose un projet de réforme destiné à fonder une ère nouvelle. Simultanément, il ambitionne d'assoupir les troubles civils par un modèle royal de la parole où sont imbriqués le bien-parler et le bien-gouverner. Ces textes constituent aussi une opération de communication savamment préparée par laquelle le souverain et ses imprimeurs diffusent une version idéale de l'assemblée : une scénarisation du succès royal y couronne Henri III dans un triomphe de papier. En outre, ils portent la trace vive d'un coup de majesté manqué, montrant comment Henri III tente, par la ruse, de neutraliser le discours ligueur, afin de redevenir le maître du jeu et du temps.

Comment la nostalgie, d’abord considérée comme une maladie, est-elle devenue un sentiment universel ? Sensibilités nostalgiques retrace cette métamorphose dans la France du XIXe siècle, à travers cartes, lettres d’exil et souvenirs d’enfance.