LA PREMIERE COLLECTION

Comment choisit-on un scénario? Qu'est-ce qui détermine le style d'un film? Comment gérer un tournage en extérieur avec une centaine de figurants ? Que faire pour maintenir la concentration d'un acteur au bout de la dixième prise ?Étape par étape, Sidney Lumet aborde tous les aspects de la création cinématographique, de l'écriture à la post-production : le casting, les répétitions, le choix des décors et des costumes, le tournage et le montage, la conception de la bande-son..., jusqu'au moment fatidique de la première projection. Auteur de nombreux classiques (Serpico, Un après-midi de chien, 12 hommes en colère), Lumet offre avec ce livre le point de vue rare d'un cinéaste sur son propre travail et sur son art, nourri d'une longue expérience à Hollywood où il a tourné avec les plus grandes stars (de Katharine Hepburn à Al Pacino). À la fois mémoires professionnelles fourmillant d'anecdotes et guide pour apprenti réalisateur, Faire un film est une plongée saisissante dans les coulisses du cinéma.

Lorsqu'elle disparaît en 1990, Delphine Seyrig n'est plus cette figure de proue du cinéma d'auteur mondial qu'elle fut durant toutes les années 60 et 70, de Marienbad au Charme discret de la bourgeoisie. Les années 80 ne l'ont pas aimée ; dans cette décennie de restauration formelle et idéologique, son parcours, esthétique ou politique, paraissait trop radical. C'est peu dire que le temps a joué en sa faveur. La postérité a validé ses choix d'actrices les plus aventureux (chez Akerman ou Duras). Son oeuvre de cinéaste est redécouverte avec un intérêt croissant. Ses prises de position publiques, aux avant-postes de la lutte féministe, circulent plus que jamais sur les réseaux. Quelles traces de son court passage laisse l'astre Seyrig ? Tel sera l'objet de cet essai admiratif et amoureux. Jean-Marc Lalanne est journaliste et critique de cinéma. Il occupe une fonction de rédacteur en chef aux Inrockuptibles. Il est le coauteur avec Philippe Azoury de Fantômas, style moderne (Yellow Now, 2002) et Jean Cocteau, désordres (Cahiers du cinéma, 2003), avec David Martinez de Wong Kar-wai (Dis voir, 1997) et Stéphane Bouquet de Gus Van Sant (Cahiers du cinéma, 2009). Il collabore régulièrement au Masque et la Plume sur France Inter.

« La quasi-totalité des productions cinématographiques du monde ont été influencées par les films américains, qui étaient eux-mêmes influencés par les enseignements de Stella Adler. Nous sommes nombreux à l'adorer et nous lui devons beaucoup. » Marlon Brando Ce livre nous ouvre les portes de l'école de Stella Adler, l'une des professeures d'art dramatique les plus influentes du XXe siècle. Disciple de Constantin Stanislavski et membre fondatrice du célèbre Group Theatre, elle a formé des géants du cinéma, parmi lesquels Robert De Niro, Harvey Keitel, Nick Nolte, Warren Beatty... En 22 leçons, elle nous livre tous les secrets de sa technique et de son art. Loin d'être un ouvrage théorique, L'Art du jeu d'acteur est conçu à partir d'enregistrements de ses cours et de carnets de notes compilés par le critique Howard Kissel. Il place directement le lecteur sur le banc des apprentis comédiens face à une femme au caractère flamboyant. Stella Adler (1901-1992) est l'une des professeures d'art dramatique les plus influentes du XXe siècle. Membre fondatrice du célèbre Group Theatre, elle a créé sa propre école de jeu et formé plusieurs générations de très grands acteurs, de Marlon Brando à Mark Ruffalo en passant par Robert de Niro, Nick Nolte ou encore Benicio del Toro.

Depuis un demi-siècle, la figure de Jean Eustache hante le cinéma français. Alors qu'une nouvelle génération peut enfin découvrir en salle La Maman et la Putain ainsi que toute une filmographie longtemps restée invisible, Philippe Azoury cherche ici à se saisir de la complexité d'une oeuvre brève mais hautement tranchante, dont on ne ressort pas intact et qui pourtant n'en finit pas de nous servir d'éducation sentimentale. Qu'est-ce qui ici a été filmé, dit, répété, joué et déjoué, avoué, à demi-pardonné, exposé sous la lumière vive du cinéma le plus brut, qui continue de nous émouvoir autant ? Pourquoi ce sentiment que chaque film d'Eustache nous met au défi de quelque chose ? Sommes-nous enfin capables, après lui, d'inventer une autre façon d'aimer, dans l'heure comme dans le temps ? Ex-critique de cinéma (Libération, Les Inrockuptibles, AOC...), Philippe Azoury est l'auteur de plusieurs essais sur Philippe Garrel, Jim Jarmusch, Werner Schroeter, le Velvet Underground ou encore Jean Cocteau. Il est aujourd'hui scénariste.

Actrice, Gena Rowlands est surtout connue pour ses rôles dans les films de son mari John Cassavetes : il réinventait le cinéma, elle réinventait une façon d'être actrice et femme. Ce livre se fixe pour but de penser Gena Rowlands sous tous les angles possibles : analyse formelle et littéraire, retour sur les pans oubliés de sa carrière, recontextualisation historique. Il s'agit de montrer comment son jeu transfigure par la folie toute une série de destins féminins : la vieille fille, la femme au foyer, l'actrice vieillissante... Comme tout grand artiste, Rowlands a fabriqué un espace à elle et à nous, qui puisse accueillir la nouveauté de ses gestes, la fulgurance de son apparition. Murielle Joudet est critique de cinéma. Elle écrit pour Le Monde, Les Inrockuptibles, Chronic'art, participe régulièrement aux émissions La Dispute sur France Culture et Le Cercle sur Canal+, et présente des entretiens sur le cinéma pour le site Hors-Série.Son premier livre, Isabelle Huppert, vivre ne nous regarde pas, est paru aux éditions Capricci en 2018. Elle a également coécrit l'ouvrage Hitchcock, la totale (E/P/A, 2019).

C'est un livre sur les actrices, mais pas n'importe lesquelles. On y parle des «actrices sorcières», les bizarres, les mechantes, les trash, les punks, les cool, les marginales. Reliées par leur puissance de feu, toutes ont en commun de sortir du rang en incarnant la possibilité d'une autre voie : Asia Argento et Béatrice Dalle, Margaret Hamilton du Magicien d'Oz, la Catwoman des sixties Eartha Kitt, Sheryl Lee sacrifiée sur l'autel de Twin Peaks, l'anomalie Jennifer Jason Leigh, Jeanne Moreau période fauchée, Rose McGowan avant #MeToo, Tilda Swinton et ses mille visages ou Sean Young, l'androïde grillé de Blade Runner. Voici leurs histoires, intimes et collectives : des trajectoires de femmes qui, dans les films, dans la vie, auront ete autre chose que des princesses endormies. Thomas Stélandre est critique littéraire, pour Libération notamment. Actrices sorcières est son premier livre.

De son apprentissage jusqu'à ses plus grandes réussites, en passant par ses échecs cuisants qu'il expose avec humour et humilité, William Goldman raconte ici tout ce qu'il a appris sur le métier de scénariste, film après film. Ce livre s'adresse aux scénaristes débutants ou confirmés, aux professionnels du cinéma et de la télévision, mais aussi à tous ceux qui veulent revivre un certain âge d'or d'Hollywood à travers les yeux d'un de ses plus fins observateurs. Goldman nous montre le vrai visage des légendes avec qui il a travaillé, patrons de studio, producteurs, réalisateurs et comédiens parmi lesquels Laurence Olivier, Paul Newman, Robert Redford, Michael Douglas, Clint Eastwood... Un choix de textes et une traduction de l'américain de Jean Rousselot. Scénariste de nombreux films culte (Butch Cassidy et le Kid, Les Hommes du président, Marathon Man, Misery, Princess Bride ou encore Les Pleins Pouvoirs), ayant reçu deux fois l'oscar du meilleur scénario, William Goldman (1931-2018) est non seulement l'un des plus grands scénaristes américains, admiré par Clint Eastwood ou encore Stephen King, mais aussi peut-être celui qui a décrit avec le plus de franchise et d'acuité le métier qu'il a si longtemps exercé à Hollywood.

De Scorsese à John Woo en passant par Tarantino, Jarmusch ou encore Michael Mann, nombreux sont les cinéastes à se réclamer de Jean-Pierre Melville, tant celui-ci aura renouvelé en profondeur le cinéma de genre. Dans ce livre d'entretien devenu un classique de l'édition de cinéma, le cinéaste revient généreusement sur son parcours et sur la genèse de ses films. Il y aborde notamment ses influences cinématographiques et littéraires, certains points peu connus de sa biographie, les grands thèmes de son oeuvre et son travail de metteur en scène. Peu à peu se profile une personnalité complexe, parfois contradictoire : le portrait d'un homme secret et orgueilleux, réputé pour ses brouilles et ses colères, mais porté par un amour inconditionnel du cinéma. Rui Nogueira est un journaliste et critique de cinéma né en 1938 au Portugal. À son arrivée à Paris dans les années 1960, il devient le collaborateur d'Henri Langlois à la Cinémathèque française et écrit pour diverses publications sur le cinéma, françaises ou étrangères, dont la célèbre revue anglaise Sight and Sound.

«Trouvez-moi une autre blonde !» aurait hurlé Harry Cohn, le puissant patron de la Columbia. Nous étions le 4 août 1962 et Marilyn Monroe venait de mourir. En réalité, les studios cherchaient «une autre blonde» depuis dix ans. Les producteurs ont tous rêvé d'une nouvelle Marilyn, aussi désirable et rentable que l'originale, mais plus ponctuelle et disciplinée. Elles s'appelaient Jayne Mansfield, Diana Dors, Mamie Van Doren... et elles apprenaient à marcher, à parler et chanter comme Marilyn. La plupart de ces «ombres» ont été broyées par un système impitoyable et des démiurges qui ont cru pouvoir créer des comédiennes comme autant de produits manufacturés. Ombres de Marilyn rend hommage à ces femmes oubliées, à travers dix portraits, comme autant de chapitres d'un roman noir californien. Journaliste et écrivain, Adrien Gombeaud est critique de cinéma au quotidien Les Échos et membre du comité de rédaction de la revue Positif. Il est l'auteur d'une dizaine de récits et essais, dont Une blonde à Manhattan (10/18, 2012), sur les années new-yorkaises de Marilyn Monroe, 30 secondes en Arizona (Espaces et Signes, 2017) et Bruce Lee, un gladiateur chinois (Capricci, 2019).

Compagnon de route de Charlie Chaplin, Mack Sennett, Fatty Arbuckle, Harold Lloyd ou des Marx Brothers, Buster Keaton commence sa carriere sur les planches a l'age de trois ans, aux cotes de ses parents, avec lesquels il forme un trio comique. Il devient rapidement une petite vedette du burlesque et developpe les capacites physiques qui lui permettront plus tard de realiser les impressionnantes cascades de ses films.Dans La Mecanique du rire, Keaton raconte l'enfance et la scene, l'experience de la guerre, l'entree dans le cinema, le succes et le passage a la realisation, puis le fulgurant declin peu apres l'arrivee du cinema parlant, en passant par les anecdotes de tournage ou les astuces filmiques de la mecanique keatonienne... Cette autobiographie d'une formidable modestie est le temoignage unique d'un homme qui a traverse Hollywood, de son essor a la fin de son age d'or.

Catherine Breillat n'a jamais raconté qu'une seule histoire : la sienne, celle d'une jeune fille interdite d'existence qu'on aura, dès l'enfance, coupée en deux, écartelée entre son cerveau et son sexe, marquée par la honte d'être née femme. Elle est devenue cinéaste à une époque où choisir cette vocation consistait à désobéir à tout le monde. Depuis son premier film, Une vraie jeune fille (1975), jusqu'à L'Été dernier (2023), elle filme pour reprendre ce qu'on lui a volé, pour explorer ce qu'elle appelle l'« infilmable » : cette inépuisable zone grise du féminin où honte, transgression, volupté, dégoût et quête de soi s'entremêlent jusqu'à se confondre. Son oeuvre formule un lancinant « Connais-toi toi-même », un voyage spirituel qui, pour ses héroï

« Mon amie Ava Gardner m'a demandé un jour si je pensais qu'elle pouvait incarner Billie Holiday au cinéma. Je dus lui répondre que, même si elle avait sans doute tout ce qu'il fallait pour ça - elle était assez courageuse, honnête et belle -, il était presque certain qu'on ne le tolérerait pas, puisqu'il était de notoriété publique que Billie Holiday était noire et qu'elle, Ava Gardner, était blanche. Ce n'était pas vraiment une plaisanterie, ou alors une plaisanterie amère, car je connais assurément certaines filles noires bien plus blanches qu'Ava. » Paru aux États-Unis en 1976 et jusqu'ici inédit en français, Le Diable trouve à faire révèle une autre facette du grand écrivain James Baldwin : celle d'un critique au regard incisif, attaché à explorer les fantasmes, illusions et préjugés des films qui ont marqué sa vie. Dans son style à la fois vif et lyrique, il parcourt ses premiers souvenirs de cinéma, indissociables des difficultés familiales et de sa découverte de la société dans laquelle il vit. Naissance d'une nation, Lawrence d'Arabie, Devine qui vient dîner..., Dans la chaleur de la nuit, L'Exorciste, ou encore le physique de Bette Davis sont autant d'occasions de confronter son monde à celui d'Hollywood, et de constater le gouffre qui les sépare. Romancier, dramaturge, essayiste et poète afro-américain, héros du mouvement des droits civiques, ami de Martin Luther King et de Malcolm X, James Baldwin est l'un des grands écrivains contemporains. Le film I Am Not Your Negro, sorti en 2017, s'inspire de ses écrits.

Les Maîtres d'Hollywood - volume 2 réunit neuf entretiens menés par Peter Bogdanovich avec quelques-uns des plus grands noms du cinéma américain : Alfred Hitchcock, Edgar G. Ulmer, Otto Preminger, Joseph H. Lewis, Chuck Jones, Don Siegel, Frank Tashlin, Robert Aldrich, Sidney Lumet. Précédé d'une courte introduction, chaque entretien aborde une large variété de sujets : l'histoire personnelle du metteur en scène, son rapport à la technique et à la réalisation, ses thèmes de prédilection, les tournages de films, l'inspiration artistique, le choix des acteurs et les rapports entretenus avec eux, les anecdotes, etc. Un premier volume, avec sept autres entretiens (Fritz Lang, Howard Hawks, Josef von Sternberg, George Cukor, Leo McCarey, Allan Dwan et Raoul Walsh), paraît en janvier 2018. Né en 1939, Peter Bogdanovich appartient à la génération de cinéastes cinéphiles du "Nouvel Hollywood" qui a régné en maître sur le cinéma américain entre le début et la fin des années 1970. Il est l'auteur de quelques films cultes comme La Dernière séance (1971) ou On s'fait la valise, docteur? (1972). En 2014 est sorti son dernier film, Broadway Therapy. Passionné par l'âge d'or du cinéma classique, il a rencontré et interviewé la plupart des grands cinéastes d'Hollywood, de Ford à Hitchcock.

Il y a un siecle naissait l'ecrivaine Marguerite Duras. L'ecrivaine ? Ne devrait-on pas plutot dire l'artiste pour integrer son travail de cineaste ? Disons qu'elle est une voix, tant celle-ci marque par sa singularite, au-dela de la forme de ses oeuvres. On a beaucoup ecrit sur Duras, son histoire et ses histoires. On a beaucoup cherche a comprendre sa vie et ses oeuvres, mais ses films ont souvent ete consideres comme un reliquat des textes. Cet ouvrage prend le cinema de Marguerite Duras comme il est : riche, au-dela des genres, des techniques, du cinema meme. Notre premier geste a ete de donner la parole a des auteurs qui, simplement, naivement, aiment son cinema, et sont impressionnes par lui. Aussi, differents tons et differentes generations se croisent : certains evoquent la violence politique des premiers films de Duras ou cherchent les marques de ses obsessions intimes, d'autres investissent ses decors et ses personnages. Mais tous se passionnent pour le naturel rare et radical avec lequel Duras, alors ecrivaine reconnue, s'empare du cinema. Pourquoi Detruire dit-elle est-il un film d'horreur ? Comment Luc Moullet devint-il le producteur de Nathalie Granger ? De l'Inde a Neauphle-le-Chateau, quels sont les lieux d'India Song ? Que faire pendant le Festival de Cannes? Filmer est-il un luxe? Et monter? Comment tuer le cinema? Pourquoi le vide est-il un programme revolutionnaire ?Des textes d'analyse sont accompagnes d'entretiens avec Duras elle-meme et certains de ses collaborateurs. Son personnage, eminemment romanesque, relie ainsi des temporalites differentes pour apprehender une oeuvre qui, elle, y a toujours echappe.

En 2016, le succès public et critique rencontré par Elle a remis Paul Verhoeven sur le devant de la scène internationale. Le cinéaste néerlandais raconte son parcours dans cet entretien exhaustif réalisé chez lui, à La Haye. Il évoque ses controverses et ses succès, Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone et Isabelle Huppert, la Hollande et Hollywood, le triomphe de Basic Instinct et l'échec de Showgirls, la liberté de Starship Troopers et la vitesse de Black Book... Il revient sur ce qui le lie aux femmes - plus qu'aux hommes -, sur sa passion pour Jésus et pour Jean Moulin, ainsi que sur ses nombreux projets de films. Cet entretien est précédé d'un essai d'Emmanuel Burdeau portant sur l'ensemble de l'oeuvre de Paul Verhoeven.

Je suis le frère d'un génie de la musique aléatoire, le père d'une belle astronome qui choisit sa voie à 5 ans, le cousin au 11e degré d'un mec qui tua le maire, la mairesse et le garde champêtre (lequel avait déplacé sa chèvre de 8 mètres) de son village, le mari d'une femme équilibrée et séduisante qui me supporte depuis 52 ans. Je suis un highbrow et un Lenny (Des souris et des hommes). Grâce à Truffaut, j'ai écrit sur le cinéma pendant 65 ans, et, lancé par Godard, j'ai fait durant 54 ans des films qui font rire sur des sujets sérieux, marxisme et taylorisme, vagin et clitoris. J'ai bossé dans tous les genres filmiques. Ce qui restera de moi, c'est une formule : LA MORALE EST AFFAIRE DE TRA¬VELLINGS. On me situe entre Brecht et Courteline, entre Buñuel et Tati. Je suis un maverick issu de ploucs préalpins, un marathonien capable de monter en vélo à 5390 mètres, mais qui ne sait pas skier, ni danser, ni nager, ni conduire. Puisse ce livre m'aider à me définir. Connais-toi toi-même, disait Socrate.Luc Moullet Né en 1937, Luc Moullet débute comme critique aux Cahiers du cinéma. En 1960, Jean-Luc Godard lui propose de réaliser son premier court métrage, Un steak trop cuit, qu'il tourne chez lui dans une économie de contrebande. Il ne cessera ensuite d'alterner une activité de réalisateur, de producteur et de critique. Son oeuvre insolite est composée d'une quarantaine de courts et longs métrages parmi lesquels Anatomie d'un rapport, Genèse d'un repas ou La Comédie du travail.

C'est l'histoire d'une actrice qui a toujours témoigné d'un goût prononcé pour le désastre et la catastrophe. Pour les héroïnes qu'elle incarne, cette catastrophe emprunte plusieurs noms : mari, enfant, France, amour, famille, réalité. Leurs moyens d'y répondre s'appellent masochisme, rêve, travail, perversion, poison, sévérité, humour, absence, folie. Violette Nozière, Madame Bovary, La Pianiste ou encore Elle : à travers ses plus grands rôles, Isabelle Huppert n'a cessé de livrer une bataille fictionnelle aux versions étriquées de la vie et de la féminité pour leur préférer la quête d'un idéal impossible, l'élan tragique et une forme salvatrice de monstruosité. À l'image d'un bonheur trop conventionnel, elle a toujours su opposer ce que l'on a appelé sa « plénitude malheureuse ». Murielle Joudet est critique de cinéma. Isabelle Huppert. Vivre ne nous regarde pas est son premier livre. Murielle Joudet est critique de cinéma. Elle écrit pour Le Monde, Chronic'art, participe régulièrement à l'émission La Dispute sur France Culture et présente des entretiens sur le cinéma pour le site http://hors-serie.net.

Du haut des 40 films réalisés par Youssef Chahine en 50 ans de carrière, c'est l'histoire mouvementée du 20ème siècle qui nous contemple. A la différence - fondamentale - que le plus connu des cinéastes égyptiens voyait le monde depuis le phare d'Alexandrie. Et le Monde apparaît sensiblement différent quand la Gare Centrale du Caire devient soudain son centre de gravité. Originaire de la région du globe la plus malmenée par l'histoire durant le siècle dernier, Chahine n'a jamais désespéré du genre humain pour autant. Progressiste et joyeux, son cinéma a épousé tous les genres (comédie musicale, drame social, fresque historique, film intimiste) pour nous entraîner dans les mondes disparus et les paradis perdus qu'a connu ce levantin né en 1926 et mort en 2008 - chez lui en Egypte. Tewfik Hakem est journaliste et producteur à France Culture. Ami de Youssef Chahine, il a assisté à plusieurs tournages du cinéaste après avoir fait sa connaissance en 1985.

En cinquante ans et bientôt soixante-dix films, Werner Herzog a battu mille records et échappé autant de fois à la mort. Il est le seul cinéaste de l'histoire à avoir tourné sur les sept continents. Signes de vie et Grizzly Man, Aguirre, la colère de Dieu et Bad Lieutenant : Escale à La Nouvelle-Orléans : l'immensité de son oeuvre éclaire le cinéma moderne. De préhistoires en apocalypses, de traversées du désert en retours triomphaux, l'itinéraire qu'il a tracé est unique. Comment ressaisir celui-ci dans sa totalité ? Et comment épouser les continuités et les évolutions du voyant, de l'écrivain, du marcheur que Herzog est aussi ? En allant non pas film à film mais période par période, idée par idée : pas à pas.

À partir des années 1960, le cinéma américain commence à sortir de sa « longue adolescence » : Elizabeth Taylor prononce des mots jusqu'alors interdits, Dustin Hoffman perd sa virginité dans les bras de Mrs. Robinson, Jon Voight fait le gigolo dans les rues de New York. À Hollywood, la sexualité fait enfin son apparition comme sujet et comme question de mise en scène. Comment représenter les rapports charnels ? Comment les intégrer à la narration et à la vie émotionnelle des personnages ? Quelle expérience le spectateur fait-il de telles scènes ? Dans l'art du dévoilement et de l'occultation, au coeur de la mise à l'écran du sexe, une véritable politique de la représentation des corps est en jeu. Films étrangers, cinéma d'exploitation ou d'avant-garde, films populaires ou d'auteur, cyberpornographie, Linda Williams explore de vastes territoires afin de comprendre la dynamique historique et culturelle par laquelle la sexualité, d'obscène, est devenue « en/scène ».Linda Williams est professeur d'études cinématographiques et de rhétorique à l'université de Berkeley, en Californie. Son ouvrage de référence, Hard Core: Power, Pleasure and the "Frenzy of the Visible" est le premier à avoir théorisé le cinéma pornographique. Elle est également l'auteur de Playing the Race Card: Melodramas of Black and White from Uncle Tom to O. J. Simpson, une histoire culturelle des rapports entre Blancs et Noirs aux États-Unis.

Voici enfin le premier livre consacré à l'ensemble de l'oeuvre de Marco Ferreri (1928-1997), le portrait inédit d'un artiste culte, sulfureux et original. Cinéaste de l'absurde, critique de la société de consommation, Ferreri a vu sa réputation taillée par le scandale de La Grande Bouffe ; mais son cinéma radical accueille aussi les rôles les plus controversés des grands acteurs de son époque : Gérard Depardieu, Annie Girardot, Michel Piccoli, Catherine Deneuve et Marcello Mastroianni, sans oublier Ugo Tognazzi et d'autres figures incontournables de la culture italienne. Au-delà du scandale, de Rabelais à Camus, du néoréalisme italien au féminisme, du grotesque au sublime, ce livre permet d'approcher l'un des secrets les mieux gardés de la cinéphilie mondiale. Docteure en histoire de l'art, Gabriela Trujillo enseigne depuis près de dix ans le cinéma et la photographie et travaille dans d'importants musées parisiens. Elle publie régulièrement sur le cinéma et la littérature.

A travers l'analyse de 4 films - Le Jour de l'Éclipse du russe Alexandre Sokourov ; les films du réalisateur taïwanais Edward Yang ; Passion de Jean-Luc Godard ; Perfumed Nightmare du philippin Kidlat Tahimik -, Fredric Jameson développe l'hypothèse d'un inconscient géopolitique à l'ère de la globalisation. Comment représenter la complexité de notre système-monde ? Comment concevoir de la changer ? Dans cette perspective, les quatre films analysés ici sont envisagés comme autant d'exercices de cartographie. Jameson fait valoir que la nature « mêlée » de ces films définit profondément la condition historique et géopolitique avec laquelle ils négocient. Fictions géopolitiques reprend les quatre textes de « Circumnavigations », seconde partie de l'ouvrage The Geopolitical Aesthetic. La première partie a ete publiée sous le titre La Totalité comme complot (Les Prairies ordinaires, 2007).

« Vous pensiez que j'étais fou quand j'ai assuré le public contre la mort de peur. Que j'étais encore plus fou quand j'ai mis des squelettes dans les salles de cinéma. Et vous étiez prêt à me mettre une camisole de force quand j'ai placé des boîtiers à décharges électriques sous les fauteuils. » (William Castle)Ses films à petit budget ont rapporté des millions de dollars. Il a mis au point les gadgets publicitaires les plus farfelus pour attirer le public. Il a produit Rosemary's Baby, influencé de nombreux cinéastes et inspiré un film à Joe Dante. Réalisateur de séries B et touche-à-tout boulimique, William Castle (1914-1977) est l'un des maîtres du cinéma d'horreur et d'épouvante.Dans ce livre, il raconte son étonnant parcours à Hollywood et évoque avec humour les grandes rencontres qui ont marqué sa vie : Orson Welles, Harry Cohn, Vincent Price, Joan Crawford, le mime Marceau, Roman Polanski...« William Castle était mon idole. Je suis même jaloux de son oeuvre. » (John Waters) « Mon cinéaste préféré. » (Robert Zemeckis)

C'est en 1999, avec Xiao Wu, artisan pickpocket, que le public français découvre Jia Zhang-ke. Huit autres films ont suivi, parmi lesquels The World et Still Life (Lion d'Or à Venise en 2006), qui ont fait de Jia le plus grand cinéaste chinois contemporain.Dits et écrits d'un cinéaste chinois est un recueil de textes, d'entretiens et de discours donnés par le cinéaste entre 1996 et 2011. Il est organisé en dix parties, traitant chacune d'un film. Chaque texte reflète la pensée du cinéaste à une époque donnée, offrant ainsi un éclairage immédiat et vivant sur ses oeuvres.Les sujets abordés sont divers et complets : récit des expériences de jeunesse, problèmes survenus lors des tournages, production et distribution des films ; réflexions sur l'alcool, le voyage, le piratage... ; exposé de l'esthétique cinématographique de Jia. Plus encore, la véritable valeur du livre tient à l'observation pointue et aux critiques virulentes adressées, non sans humour, à la société et au cinéma chinois.Les entretiens accordent également une place de choix à plusieurs figures majeures, notamment les réalisateurs taïwanais Hou Hsiao-Hsien et Tsai Ming-Liang. Jia évoque des cinéastes ayant exercé une influence directe sur son oeuvre, comme Yasujiro Ozu.Ce livre est un témoignage unique, à la première personne, sur la construction d'une oeuvre centrale de notre temps, ainsi que sur celle d'une voix éthique et esthétique.

En 1959, Kirk Douglas met en chantier, en tant que producteur, un projet considérable : l'adaptation de Spartacus, best-seller d'Howard Fast. Stanley Kubrick sera le réalisateur, Douglas jouera le célèbre esclave rebelle, Laurence Olivier, Tony Curtis, Jean Simmons, Peter Ustinov, Charles Laughton tiendront des rôles secondaires. Pour l'adaptation, Douglas engage le grand scénariste Dalton Trumbo. Or celui-ci, inscrit sur la liste noire de Joseph McCarthy, vient de passer un an en prison. Il doit donc travailler sous pseudonyme.Dans ce livre publié aux États-Unis en 2012, l'acteur décrit la mise en place d'un projet de grande envergure ; les relations orageuses avec Kubrick, avec qui il venait de tourner - et de produire - Les Sentiers de la gloire ; les caprices des acteurs, notamment la rivalité entre Ustinov et Laughton ; les difficultés pour parvenir à un montage définitif.Livre à la fois au passé et au présent, mémoires et prise de parole d'un acteur soucieux depuis toujours de la chose politique, I am Spartacus ! raconte l'épopée du film qui permit à Hollywood de tourner enfin la page de la liste noire.

Le Port de la drogue, Shock Corridor, Dressé pour tuer... Les films de Samuel Fuller, à l'instar de sa vie, ont prêté à bien des malentendus : sur la violence, la politique, la guerre, les hommes, les femmes, les États-Unis. Des cinéastes de sa génération (Robert Aldrich, Richard Brooks ou Nicholas Ray), Fuller est en effet celui qui a suscité au fil du temps les évaluations et les jugements les plus contradictoires. Il y a superbement survécu : indépendant jusqu'à l'intransigeance, rageur, lyrique, tendre, conteur fabuleusement inventif, inconvenant, drôle, en un mot libre. S'il revendiquait un cinéma de basse extraction quant à ses budgets et au matériau qu'il privilégiait, il tenait avec orgueil à inscrire au fronton de ses films qu'il les écrivait, les réalisait et souvent les produisait lui-même. L'énergie extrême que tout le monde s'accordait à lui reconnaître a longtemps fait elle-même l'objet d'une méprise. Loin d'être une force brute et aveugle, elle doit s'entendre, ainsi que chez Balzac dont il était fou, comme ultime puissance créatrice.

L'ensemble de ces textes témoigne d'un parcours, d'une trajectoire d'une quinzaine d'années qui n'est pas seulement celle de l'auteur, mais aussi celle de la revue où ils ont été écrits, les Cahiers du Cinéma, depuis la rigidité théorique et idéologique du début des années 1970 jusqu'au post-modernisme des années 1980. On y suivra l'inflexion d'une pensée, d'une écriture, des goûts et des engouements qui définissent une époque - voire plusieurs. (P.B.)Après des études de philosophie, Pascal Bonitzer entre en 1969 aux Cahiers du cinéma, où il écrit jusqu'au milieu des années 1980. Parallèlement il devient scénariste et collabore à de nombreuses reprises avec Jacques Rivette, André Téchiné ou encore Raoul Ruiz. Encore, son premier long métrage, obtient le Prix Jean-Vigo en 1996. En 2016 sort son septième film : Tout de suite maintenant.

Dans son livre, Jean Narboni passe d'une scène (le rasage, le prologue pendant la Première Guerre mondiale...) à un point d'Histoire ou à un auteur (Bazin, Benjamin, Adorno, Genet...), il entre et sort du film, change sans cesse d'échelle et de point de vue. Ecrit dans un style où description, analyse et humour subtil se relancent en permanence, ... Pourquoi les coiffeurs ? apporte des éclairages nouveaux sur des éléments fréquemment discutés du Dictateur (réalisé en 1940) : la ressemblance entre la moustache de Chaplin et Hitler, le rôle et le sens du discours final... Il s'attarde aussi sur des aspects souvent négligés ; notamment la fonction de la musique, particulièrement celle de Brahms et de Wagner.En plus de la question de l'actualité du Dictateur, toujours débattue, ces notes sont aussi actuelles parce que le livre est écrit avec tout le savoir accumulé sur la Shoah et sur Chaplin depuis 1940, et à une époque où les controverses autour de la représentation du nazisme, du statut du rire restent particulièrement vives."Encore un essai sur Le Dictateur ? Aujourd'hui ? Venant s'ajouter à tant d'autres ? Quelle urgence, quelle nécessité ? N'y a-t-il pas, après soixante-dix ans, anachronisme, lassitude, saturation, et pour le dire d'un terme pénal, prescription ? Je ne le pense pas, et moins pour ce film que pour aucun autre. Sa nouveauté, son audace, sa force et son actualité paraissent, au contraire de ce qui se dit généralement, plus éclatantes à mesure que les années passent." Jean Narboni

Plongez dans l’univers unique de Comédie, mode d’emploi, un entretien exclusif avec Judd Apatow, le maître incontesté de la comédie américaine. Découvrez ses secrets, ses influences et la recette de son succès cinématographique.

Josef von Sternberg est à l'origine d'une des carrières les plus accidentées de l'histoire du cinéma américain. Après des années d'assistanat, il tourna l'un des premiers films indépendants, claqua la porte de plusieurs plateaux, partit filmer en Allemagne puis au Japon, dénicha Marlene Dietrich, fut monteur pour d'autres et directeur de la photographie pour lui-même, réalisa un peu partout des morceaux de films, dégringola plusieurs fois les marches de la gloire pour les remonter une à une. Il légua au cinéma un gisement de chefs-d'oeuvre éblouissants, parfois reconnus, parfois oubliés ou demeurés secrets. Cet ouvrage est un exercice d'admiration au sujet d'une oeuvre parmi les plus farouchement insolites et tragiquement sensuelles jamais tournées au sein de l'industrie hollywoodienne. Mathieu Macheret est critique de cinéma au journal Le Monde. Il a écrit aux Cahiers du cinéma entre 2011 et 2014 et collabore actuellement aux revues Trafic et Études, ainsi qu'à l'émission Plan Large sur France Culture. Il a également contribué à des ouvrages collectifs sur les cinéastes Otto Preminger, Francis Ford Coppola, Jacques Tourneur, Manoel de Oliveira, Guy Gilles, Samuel Fuller, Jean-Marie Straub et Danièle Huillet.

Recueil d'une cinquantaine de textes critiques écrits par Luc Moullet : introduit, composé, annoté, amendé, chapeauté par le cinéaste lui-même, ce volume d'érudition et de drôlerie, de passion et parfois de prophétie, reprend les grands articles des Cahiers du cinéma, mais aussi certains des textes parus dans Arts, Bref, Trafic... auxquels s'ajoutent près d'une demi-douzaine d'inédits, dont une attaque contre Pedro Almodovar et une défense de l'écrivain américain James Ellroy.

Premier livre d'entretien avec Werner Herzog à être publié en français, Manuel de survie est le témoignage grandiose d'un rescapé : un rescapé du cinéma et un rescapé tout court.