Bernard Chauveau Édition

Entre 1987 et 1994, Pierre Soulages réalise les 104 vitraux de l'église abbatiale Sainte-Foy-de-Conques, en créant un verre non coloré et translucide, qui respecte les variations de la lumière naturelle. Dans un texte inédit, Bruno Duborgel porte un regard nouveau sur le travail de recherche de l'artiste qui a réalisé plus de 700 tentatives avant de parvenir au résultat espéré ! En mettant en dialogue la réflexion de Pierre Soulages avec des vues intérieures et extérieures des vitraux de l'église, le texte révèle la longue aventure créatrice de l'artiste, traversée de questions esthétiques, spirituelles et technologiques. Les vitraux de Pierre Soulages expriment ainsi le passage du temps. Leur nature «physique» est un tremplin pour une expérience poétique, une méditation d'ordre métaphysique. Elle révèle une lumière qui, selon les mots de l'artiste, «propose de la contemplation, du silence, de la concentration, de l'intériorité».

Hommage à l'illustre Pierre Larousse en cette année du bicentenaire de sa naissance. 26 auteurs contemporains, poètes, écrivains, artistes, académiciens, tous amoureux de la langue française, écrivent une lettre au grand homme, un témoignage intime et libre de ton, mélant roman familial et grande histoire.

60 ans après sa disparition, Henri Matisse (1869-1954) ne cesse de marquer encore et toujours les esprits tant son empreinte dans l'histoire de l'art du XXe siècle est profonde et incontournable. L'artiste qui livre à la fin de sa vie ce qu'il considère comme son chef-d'oeuvre, la Chapelle de Vence, n'a eu de cesse depuis de fasciner, de marquer, d'interroger des générations d'artistes. 12 artistes contemporains, rendent ici un hommage à Matisse sous forme d'une lettre : - qui livre l'émotion que suscite encore l'oeuvre de Matisse ; - qui interroge les artistes sur leur pratique artistique, leurs préoccupations sur la couleur, la ligne, la composition ; - une réflexion sur la peinture et ses évolutions actuelles. Matisse, artiste incontournable du XXe siècle et disparu depuis soixante ans, ne cesse de marquer et d'influencer les esprits. Douze artistes lui rendent hommage sous forme d'une lettre, en s'interrogeant sur la ligne, la couleur, la composition et l'évolution de la peinture...

Exposition exceptionnelle au couvent de La Tourette qui reçoit Anish Kapoor, artiste internationalement reconnu, qui a exposé en 2011 à "Monumenta" au Grand Palais à Paris et dans les jardins du château de Versailles. Ses oeuvres qui invitent à la méditation dialoguent admirablement avec l'architecture de Le Corbusier et renouvellent le regard sur le couvent. Cette rencontre exceptionnelle renouvelle le regard tant sur l'architecture du couvent que sur les oeuvres elles-mêmes. Ce livre entre en résonnance avec la présence magistrale des oeuvres de l'artiste qui est également exposé au Château de Versailles du 9 juin au 1er novembre 2015. Anish Kapoor Né en 1954 à Bombay (Inde), Anish Kapoor vit et travaille à Londres (Angleterre).

2015 : 250 ans de la naissance de l'inventeur de la photographie. 12 photographes eux-mêmes rendent hommage à Nicéphore Niépce, dans une lettre, accompagnée d'un cliché qui fut leur « première photographie » ou celle qui les a fait devenir « photographe ». Ce témoignage de contemporains permet un questionnement personnel du photographe sur sa pratique et/ ou une réflexion sur la photographie et ses évolutions, tout en rendant un hommage à Nicéphore Niépce inventeur de la photographie. En dehors de leur parcours personnel, certains s'interrogent sur l'avenir de ce procédé de reproduction de l'image : - où est le photographe dans la marée d'images rendue possible par les nouvelles technologies? - jusqu'où ira la photographie ? A-t-elle atteint tous ses possibles ? Que reste-t-il à inventer ?

Fabrice Hyber ne cesse de bousculer l'art contemporain avec ses POF (prototypes d'objets en fonctionnement) ou ses expositions inclassables transformant les musées en supermarchés ou en salons de coiffure. Ce livre numérique rassemble une centaine de dessins spécialement réalisés pour cette édition : véritable mode d'emploi pour comprendre le développement de sa pratique. L'artiste nous plonge dans un univers fonctionnant par hybridation, mutations, établissant des liens entre des formes variées, sans cesse connectées sur le social, sur le politique...L'ouvrage rassemble également les temps forts de ses dernières expositions (Palais de Tokyo, Mac/Val, Fondation Maeght, Institut Pasteur).

De 1942 à 1954, soeur Jacques-Marie, initialement Monique Bourgeois, retrace sa rencontre avec Henri Matisse, laquelle donna lieu à la création de la chapelle du Rosaire, à Vence. Dernier et ultime projet de l'artiste, elle correspond à l'aboutissement de son oeuvre.Henri Matisse déclara : « cette oeuvre m'a demandé quatre ans d'un travail exclusif et assidu, et elle est le résultat de toute ma vie active. Je la considère malgré toutes ses imperfections comme mon chef-d'oeuvre ». Soeur Jacques-Marie raconte l'amitié et la complicité liées avec le peintre, au fil des années, desquelles a émergé le chef-d'oeuvre qu'est la chapelle du Rosaire de Vence. Des reproductions de dessins de Matisse, des photographies d'archives inédites, accompagnés des extraits de la correspondance du peintre, ainsi qu'une préface du directeur du Château de Villeneuve (Zia Mirabdolbaghi), et de l'ancienne conservatrice du musée Matisse du Cateau-Cambrésis (Dominique Szymusiak) viennent compléter le texte.

L'artiste Georges Rousse occupe une place unique dans la photographie plasticienne contemporaine. Il parcourt le monde pour s'approprier temporairement des salles vides, des entrepôts abandonnés, des palais en ruine, des immeubles promis à la démolition... Dans ces no man's land, il choisit un espace où il peint murs, sols et plafonds de façon à créer l'illusion que des volumes géométriques simples et monumentaux occupent toute la pièce. Ce travail éphémère de peinture est pourtant destiné à disparaître. Il dépend totalement de l'acte photographique qui reste le seul témoin et la finalité de son intervention. Pour Georges Rousse, l'architecture, la peinture et la photographie sont convoquées pour produire de l'imaginaire. Édité à l'occasion de l'exposition au musée d'art Roger-Quilliot, de Clermont-Ferrand, ce livre Georges Rousse Architectures est la mémoire d'un ensemble d'interventions inédites photographiées entre 2000 et 2010 par Georges Rousse au sein de la ville de Clermont-Ferrand (Puy-de-Dôme). Un livre qui vient rappeler la relation multiforme qu'entretient l'artiste avec l'architecture. Des textes de l'artiste, de même que des textes d'Antoine Grumbach, d'Alain Charre, de Paul Léandri, de Nathalie Roux, et Claire Gastaud accompagnent les illustrations. De nombreux croquis préparatoires et des prises de vue des séances d'installation viennent compléter la compréhension du travail de l'artiste. Georges Rousse est né en 1947 à Paris où il vit et travaille. 1983 : Villa Médicis « hors les murs » à New York. 1985 -1987 : Villa Médicis, Rome (peinture). 1988 : Prix ICP (International Center of Photography), New York. 1989 : Prix de dessin du salon de Montrouge. 1992 : Bourse Romain Rolland à Calcutta. 1993 : Grand prix national de la photographie. 2008 : Georges Rousse succède à Sol Lewitt comme Membre associé de l'Académie royale de Belgique. Il est représenté par plusieurs galeries européennes et ses oeuvres font partie de collections majeures. http://www.georgesrousse.com/

Quinze années de créations dans la céramique contemporaine par une soixantaine de designers et artiste internationaux ayant collaboré avec le Craft (Centre de recherche sur les arts du feu et de la terre - Limoges). Ce premier livre exhaustif sur le Centre de Recherche sur les Arts du Feu et de la Terre (CRAFT) installé à Limoges est un ouvrage de référence qui présente quinze années de créations exceptionnelles dans la céramique contemporaine. Depuis 1993, une soixantaine de créateurs internationaux ont collaboré avec le CRAFT autour d'une même démarche : s'approprier la céramique comme moyen d'expression et de création et pousser l'expérimentation du matériau et de ses limites. Préface de Raymond Guidot et Nestor Perkal. Textes de Jeanne Quéheillard, enseignante et chercheur, et de Laurence Salmon, journaliste et enseignante, sous forme d'entretiens avec Nathalie du Pasquier, Lacaton et Vassal, Javier Perez et Pierre Charpin. Une iconographie importante (220 photos) montre les différents projets des créateurs (dessins, croquis ou maquettes) et leurs réalisations céramiques. Ron Arad, Frédéric Borel, Pierre Charpin, Matali Crasset, Wim Delvoye, Sylvain Dubuisson, Nathalie Du Pasquier, Christelle Familiari, Philippe Favier, Olivier Gagnère, Eric Jourdan, Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal, Ross Lovegrove, David Lynch, Ingo Maurer, Mathieu Mercier, Javier Perez, Anne & Patrick Poirier, Georges Swoden, Martin Szekely...

Qu'il s'agisse de ses vidéos-sculptures ou de ses mots d'esprits, Antoine Catala joue avec les imperfections du langage, la physicalité des images et leur caractère tactile, utilise l'accident et la technologie, l'hologramme, l'imprimante 3D ou le morphing.Ses oeuvres mettent en relation toutes les images, les extensions, les mots de langage, les signes, les logos, les atmosphères. La télévision et internet sont parmi les sources d'inspiration du travail d'Antoine Catala, qui en reproduit les mécanismes en les détournant à des fins poétiques. Délibérément, l'artiste y trouve de nouvelles possibilités de lier le réel, l'image et le langage. A l'occasion de l'exposition au MAC de Lyon, Antoine Catala transforme un étage entier du musée avec l'installation Jardin synthétique à l'isolement. Enrichi de vidéos et d'enregistrements sonores, ce livre numérique au format ePub 3 offre une autre approche du travail d'Antoine Catala.

Membre de l'Arte Povera, Giuseppe Penone déploie depuis la fin des années 1960 un travail très spécifique confrontant l'homme et la nature, intervenant sur les végétaux pour en modifier la croissance, creusant le tronc d'arbres pour en révéler à la fois la structure interne, les courbes de croissance et la richesse plastique. Plus récemment, son travail s'est orienté délibérément vers une interrogation sur la position de l'humain face à l'histoire classique, ou sa place dans un environnement de plus en plus artificiel. La présente édition constitue une nouveauté. Suite à un travail en Ardèche en 2011, l'artiste avait imaginé frapper le tronc de quatorze essences d'arbres différents (chêne, cyprès, etc.) avec un maillet, enregistrant au passage la qualité de la vibration du bois même, sa résonance en quelque sorte. Par la suite, un long travail d'analyse en studio avait donné à cette matière sonore brute la forme de 14 partitions. Penone (Giuseppe) Considéré depuis 1968 comme l'un des chefs de file de l'Arte Povera, Giuseppe Penone poursuit depuis une pratique artistique où l'artifice et la nature se mêlent étroitement. Il s'est fait connaître non seulement par des bronzes aux formes anthropomorphiques, mais aussi par des pièces où il intervient directement sur des végétaux. C'est notamment le cas avec la série des Arbres où, en creusant le bois d'une poutre, il retrouve le souvenir de la plante originale avec ses branches et ses noeuds. Ces dernières années, la présence humaine s'est faite plus présente dans ses sculptures, notamment par le biais de moulages de fragments de visage tels la bouche, le nez ou les oreilles.

Installé depuis 1989 au Muy (Var) dans un ancien moulin et une usine désaffectée qu'il a rénovés et agrandis, Bernar Venet a réalisé un lieu dédié à la création contemporaine. Dans cet espace exceptionnel et vaste sont exposés à la fois les oeuvres de l'artiste et celles de sa collection personnelle d'artistes internationaux : Dan Flavin, Donald Judd, François Morellet, Sol Lewitt, Frank Stella, Lawrence Weiner... À l'extérieur, dans les jardins transformés en parc de sculptures, sont installées des oeuvres monumentales de Bernar Venet (Arcs, Lignes indéterminées, etc.). Mi-juillet 2014, cet endroit, devenu fondation privée, s'ouvrira au public sur rendez-vous ([email protected]) et deviendra l'un des lieux d'exposition les plus importants du sud-est de la France consacrés à l'art contemporain. Né de la volonté de l'artiste de faire connaître au plus grand nombre l'histoire de l'art contemporain des années 1960 à nos jours, ce lieu unique a désormais son catalogue. Textes de Damien Sausset, Robert Arnoux et Alexandre Devals.

Le projet "L'Usage des jours": Durant un an, Guillaume Bardet a dessiné un objet par jour, du 21 septembre 2009 au 20 septembre 2010. Dans le prolongement de cette expérience, il en a assuré la réalisation, l'année suivante, avec une dizaine de potiers du pays de Dieulefit. 365 objets en céramique ont ainsi vu le jour ! L'aventure "L'Usage des jours" a été saluée par la Fondation Bettencourt en octobre 2011, Guillaume Bardet ayant reçu le Prix de l'intelligence de la main pour son travail de création, en association avec ces 13 potiers de Dieulefit. Le livre "L'Usage des jours" de Guillaume Bardet : "L'Usage des jours" présente sur 456 pages, telle une éphéméride, l'ensemble des créations, de Guillaume Bardet et rend compte de ce projet titanesque, jour après jour. Le livre montre, page après page, les différentes réalisations de ce travail quotidien (vases, pots, tabourets, pliages, objets de table, lampes...) avec comme repère sur chaque page la date du jour.