"Cinq cents films sinon rien", ainsi pourrait se résumer la riche carrière du maître italien de la musique de cinéma. Par delà les cinquante années de cet étonnant parcours s'est profilée peu à peu l'une des plus fascinantes créations artistiques du monde contemporain. Souvent imitées, jamais égalées, les compositions du maestro se veulent surtout une formidable leçon d'art humaniste traversant les épreuves du temps avec brio. Cet ouvrage constitue un panorama clair et précis de l'oeuvre du compositeur.

Plus qu'aucun autre genre cinématographique américain, la comédie musicale de l'âge d'or hollywoodien dépend de la présence et parfois du nombre de stars à l'affiche : si ces personnalités répondent aux exigences du star system, leurs indispensables compétences en danse et/ou en chant leur donnent aussi une place à part dans un modèle reposant principalement sur l'image. Cet ouvrage examine ce qui fait le propre des vedettes du musical américain à partir des années 1930 : leurs performances, en particulier en solo, qui révèlent aussi la façon dont la comédie musicale cinématographique interagit avec les cultures savante et populaire. Les numéros de Fred Astaire, Cyd Charisse, Rita Hayworth, Barbra Streisand, Carmen Miranda, Eleanor Powell, Bing Crosby, Bob Hope, Eddie Cantor, Doris Day et des Nicholas Brothers sont ainsi analysés selon quatre questions principales : la place de la technologie dans les performances modelées pour le cinéma (montage, doublage...) ; les questions d'ethnicité et la place particulière que le genre musical accorde - ou pas - aux interprètes « non blancs » ; l'importance des stars comiques qui introduisent des moments carnavalesques dans les films ; et le processus même de construction des stars au sein du système hollywoodien, dans son lien avec les autres formes de spectacles ou les industries culturelles.

En se fondant sur un corpus varié de séries américaines et françaises – de Twilight Zone (1959) aux Revenants (2012) – cet ouvrage étudie les musiques sous les angles successifs de la spécificité de la musique de série – singularités esthétiques et mémoire spectatorielle –, des rapports des partitions de séries avec celles proposées par le cinéma, et de la possibilité de compositions hybrides mélangeant les genres.

Le 25 mai 1973, paraît Tubular Bells, premier album d'un jeune label, Virgin Records, et d'un inconnu d'à peine 20 ans : Mike Oldfield. Cette oeuvre instrumentale va rencontrer un succès aussi immense qu'inattendu, amplifié par l'utilisation de son thème d'introduction dans le film L'Exorciste. Ce disque célèbre, dont les ventes sont aujourd'hui estimées à plus de quinze millions d'exemplaires, a suscité plusieurs suites et versions alternatives, et même un concert aux Jeux Olympiques de Londres en 2012. Il a fortement contribué à bâtir la fortune de l'empire Virgin et reste l'oeuvre emblématique de Mike Oldfield. Ce livre revient sur son contexte de création et de diffusion. Frédéric Delâge est né en 1968 à Périgueux. Il est journaliste à La Nouvelle République du Centre-Ouest et Centre Presse. Passionné de musiques progressives, il a collaboré à plusieurs magazines (Rockstyle, Compact, Crossroads) et a créé le blog rockprogetc.com. Aux éditions Le mot et le reste, il est déjà l'auteur d'une anthologie consacrée au rock progressif et de la biographie de Kate Bush.